saletta Lumiere

Crescere in Francia La classe di...

2008-10-14T11:25:59+02:00

Crescere in Francia La classe di Laurent Cantet Una speciale magia sembra proteggere i registi francesi che trattano il tema dell'adolescenza francese. La rivolta dei collegiali in Zero in condotta di Jean Vigò, i ragazzi di provincia di Gli anni in tasca di Truffaut, lo stile documentaristico di Essere e avere di NIcolas Philibert sono solo alcuni degli esempi più riusciti con cui i registi francesi sono riusciti a trattare il tema della crescita. Questa tradizione può annoverare un nuovo film che si è aggiudicato la Palma d'oro alla 61-esima edizione del Festival di Cannes. Il regista porta la sua macchina a spalla dentro una scuola media di un quartiere "difficile" parigino. La scuola è frequentata da molti immigrati. Tratto dal romanzo di François Bégaudeau (Entre les murs ), insegnante, scrittore e interprete principale di questo film (il professor François). Utilizza uno stile documentaristico per mostrare il microclima di una classe, le cui mura (titolo originale: Entre les murs racchiudono una nicchia biologica che è un mondo a parte che pure contiene in sè le contraddizioni e le dinamiche della società. Le tensioni provocate dall'immigrazione interna (le ex-colonie) e dalla nuova immigrazione sono le dinamiche principali che mettono in moto gli eventi del film. Gli attori sono presi in prestito dalla vita reale, a rafforzare l'impronta documentaristica che Cantet ha voluto imprimere. Lo stile della scuola e del professor François è improntato ad una visione democratica, orizzontale dei rapporti tra docenti ed alunni, senza che questo diventi panacea o risoluzione generalizzata dei conflitti che, invece, riempiono la vita della scuola. Uno sguardo, disincantato, laico che conferma le grandi tradizioni libertarie della Francia ma senza enfasi, consapevole della complessità della realtà in continuo mutamento che pone sfide il cui esito nessuno può prevedere.

Pubblicato da euriskon | Commenti

Tags: cinema, cannes2008

Fine pena mai di Davide Barletti e...

2008-10-06T11:21:13+02:00

Fine pena mai di Davide Barletti e Lorenzo Conte Storia dell'ascesa criminale di un boss di provincia e della sua discesa negli inferi del 41 bis (il carcere speciale per gli esponenti della criminalità organizzata). I due registi della ex Fluid Video Crew, realizzano un'opera pulita, con alcune buone trovate sul piano delle immagini. Il tono generale del film sfugge al registro commedia che pervade la gran parte dei film drammatici italiani, pur senza arrivare a toccare in pieno le crudezze drammatiche che sarebbero proprie al tema trattato. Il film evita di esprimere un chiaro giudizio contro il regime speciale di detenzione (e questo lo salva da sicure e giuste critiche), limitandosi a sottolinearne la spietatezza. A tratti qualche piccolo virtuosismo di fotografia (livida e contrastata nella scena dell'omicidio nella caca) aggiunge una gradevole veste filmica.

Pubblicato da euriskon | Commenti

Tags: cinema

L'Italia (non) è un paese...

2008-10-03T13:04:25+02:00

L'Italia (non) è un paese povero Il mio paese di Daniele Vicari Il film-documentario di Vicari prende il testimone dal documentario realizzato Joris Ivens nel 1960: L'Italia non è un paese povero, commissionato dal presidente dellENI, Enrico Mattei. Esattemante come il suo predecessore anche questo documentario si struttura come un viaggio nell'Italia del lavoro. La prima tappa è Gela: la tragedia dell'immigrazione, i residui industriali, prosegue per la Basilicata, dove incontra una famiglia già intervistata da Ivens. Un passaggio per l'industria tessile di Prato, insidiata dalla produzione cinese, con i commenti dello scrittore ed ex-industriale Edoardo Nesi, per finire a Marghera, a riflettere sul senso e sul futuro della chimica italiana, con il vicesindaco Gianfranco Bettin. Anche questo film ha uno sponsor importante: la CGIL che celebrava il centenario della sua nascita. Il film si propone come momento di riflessione sul mondo del lavoro. Interessanto l'approccio di Bettin che ragiona in merito al senso del post-moderno che si configura come post-industriale. A suo avviso l'Italia che si autorappresenta come post-industriale compie una mistificazione che tende ad oscurare la classe lavoratrice a favore di miti ectoplasmatici. Perchè è forte la propensione dei mezzi di comunincazione main stream (la televisione in primo luogo) a rappresentare un paese in cui si produce sempre meno, con sempre meno lavoratori. Eppure in Italia il tasso di disoccupazione ufficiale è da molto tempo sotto il 10% e non si registrano arretramenti del PIL. Invece il paese disegnato dalla televisione (ovvero il pensiero della classe dominante) sembra essere pieno solo di chiacchiere, divagazioni appunto un vuoto che l' "intrattenimento" deve riempire (con il vero vuoto). La musica di Zamboni riesce a dare un'aria suggestiva a questo viaggio nel paese del lavoro. Un suggestione che qualcuno vorrebbe far diventare surrealtà. Vicari, si riconnette con successo al documentario di Ivensi, realizzando un prodotto interessante e attento alla forma e al contenuto. Vicari ha dato un seguito a questo lavoro che ha chiamato Il mio paese 2.0, un'operazione di raccolta di video che documentino i mutamenti della società e dei propri territori.

Pubblicato da euriskon | Commenti

Tags: cinema

La dimensione del razzismo La giusta...

2008-09-25T12:04:56+02:00

La dimensione del razzismo La giusta distanza di Carlo Mazzacurati Dramma di moderato razzismo, di moderato impatto emotivo, girato con discreto mestiere. Il razzismo in Italia esiste davvero ed è ben più forte e devastante di quello di cui parla Mazzacurati nel suo film. Hassan è un immigrato tunisino, pienamente integrato in una realtà di provincia del nord-est, fino al punto di essere titolare di un'officina con dei lavoranti italiani. I suoi parenti sono titolari di altri esercizi commerciali e mandano, con successo, i loro figli a scuola. Hassan di innamora di una giovane maestra toscana e viene, a modo suo, ricambiato da questa. Quando verrà ingiustamente accusato di un delitto non commesso, un certo pregiudizio calerà su di lui. Molti immigrati metterebbero la firma per essere colpiti solo da quel certo pregiudizio (che forse colpirebbe tutti i partner rifiutati di persone uccise). In realtà Mazzacurati sbaglia a prendere le misure sul tema del razzismo in Italia. Qui migliaia di persone muiono in mare per venire a lavorare al nero presso la borghesia itailana che li cerca per sfruttarne il lavoro (e farli morire sui cantieri e nei campi). Non è impensabile pensare di trattare il tema del razzismo, prendendo spunto da una singola vicenda, ma occorre essere consapevoli della portata del tema. La sceneggiatura appare incerta (anche nel maneggiare alcuni dettagli:come mai non vengono trovate le impronte dell'assassino, nonostante il delitto sia sostanzialmente preterintenzionale?) e inadeguata al compito che l'attendeva. La messa in scena è caratterizzata da troppe tipizzazioni scontate nei personaggi. La tecnica di ripresa (anche contro la volontà del regista) è priva di slanci emotivi e poetici.

Pubblicato da euriskon | Commenti (2)

Tags: cinema, festacinemaroma2007

Il corpo e la mente. Di una donna Il...

2008-09-22T11:50:15+02:00

Il corpo e la mente. Di una donna Il matrimonio di Lorna di Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne Assistere ad un film dei fratelli Dardenne produce una sola attesa: quella dell'onestà. Non sai se il film ti piacerà (cosa che di solito accade) o se lo condividerai in pieno (cosa che di solito mi accade) ma ti attendi onestà da parte loro. Anche questa volta, nonostante alcuni cambiamenti di stile, l'attesa è stata ripagata. Il film contiene, seppur quasi solo simbolicamente, un accenno ad un commento musicale, vera rarità per i Dardenne. Non c'è più l'ansia che montava con la MdP a mano, anche se c'è un uso millimetrico del punto di fuoco che riesce a mettere fuori anche gli interlocutori più vicini a Lorna. L'attenzione deve essere spasmodicamente su di lei. Lorna è l'essenza di una donna. Determinata fino allo spasimo, riesce a non smarrire l'umanità. Sul baratro che produce la morte, non riesce a non scegliere la vita. Innamorata dell'amore riesce ad essergli fedele, anche condividendo il suo corpo con due uomini. Lorna riesce a sprigionare tutte le forze di cui (solo) una donna è capace. Ogni personaggio contribuisce a descrivere il mondo di Lorna e, probabilmente non casualmente, sono quasi tutti uomini. L'uomo che lei ama diventa preda del suo egoismo. L'uomo che dovrebbe aiutarla nel suo sogno è totalmente privo di umanità. L'uomo che lei non dovrebbe amare e che le implora aiuto è ridotto ad una nullità. L'uomo che le serve per raggiungere il suo obiettivo è solo un cinico componente di un cinico ingranaggio. Sullo sfondo il conflitto tra i popoli e tra gli stati. Gli uni stritolati, costretti a distruggere ogni sentimento di pietà, gli altri freddi spettatori che regolano disumani flussi di umani. Il finale, apparentemente tronco, in realtà taglia la diegesi in tempo per permetterle di confluire nella realtà. Perchè è quella la destinazione dove è diretto questo film.

Pubblicato da euriskon | Commenti (2)

Tags: cinema, cannes2008

La luce dell'angoscia Il primo giorno...

2008-09-17T10:12:28+02:00

La luce dell'angoscia Il primo giorno d'inverno di Mirko Locatelli Presentato nella sezione Orizzonti alla 65° edizione del Festival di Venezia. L'assenza di luce è forse il primo messaggio che ci giunge. Le immagini sono scure, soffrono per carenza di luce, gli interni non ne ricevono a sufficienza, negli esterni il sole non c'è. L'oscurità anticipa il senso di angoscia che pervade la storia, ambientata nelle campagne lombarde, l'inverno sta per sopraggiungere, è quasi Natale. Si parla di regali, si comincia a mangiare il panettone, ma non c'è un grammo di serenità nell'aria. E specialmente nella famiglia di Valerio, adolescente introverso che parla con un filo di voce, come volesse trattenerla per sè, per non dare niente ad un mondo che a lui pare non avergli dato nulla. Al centro degli eventi la scoperta da parte di Valerio di un rapporto omosessuale tra due suoi compagni di scuola che lo tormentavano. Valerio usa questa "scoperta" da subito come minaccia, vendetta che se da principio suona come liberazione dalle angherie, diventa ben presto una vera sopraffazione, con i connotati del ricatto. I due ragazzi coinvolti nella relazione, cedono ben presto. Un simile segreto appare ingestibile, non hanno neppure la forza di negare, come pure potrebbero data l'assenza di ulteriori testimoni. Matteo, il più fragile dei due, non reggerà la pressione. Qualche incertezza nella recitazione, soprattutto nei giovani attori non protagonisti, e in alcune soluzioni della messa in scena (come ad esempio la ripetizione della scena dell'inseguimento in motorino, non perfettamente riuscita nemmeno la prima volta) non riesce a togliere a questo film l'indubbio merito di trattare con sobrietà e attraverso le immagini del clima omofobico che ancora domina la società italiana.

Pubblicato da euriskon | Commenti

Tags: cinema, venezia2008

Notte fonda in Africa Teza di...

2008-09-16T11:27:43+02:00

Notte fonda in Africa Teza di Haile Gerima Film etiope, vincitore del premio speciale della giuria alla 65° edizione della Mostra di Venezia. C'è l'Africa, stupendamente fotografata, a fare da sfondo a una storia tutta politica. Anberber negli anni '70 è un giovane etiope che emigra in Germania. Qui aderisce alle teorie socialiste e comuniste. Dopo che nel 1974 un colpo di stato depone l'imperatore Selassiè, portando al potere il colonnello Menghistu che avvia una serie di riforme di stampo socialista, Anberber ritorna in patria per mettere le sue conoscenze di medico a disposizione del suo popolo. In Somalia trova un regime imbarbarito, preda di ras locali che interpretano in modo abnorme e arbitrario le teorie rivoluzionarie. Tornato in Germania, su incarico del governo, subisce un attentato da parte di un gruppo razzista, che gli provoca una grave lesione fisica. Infine ritorna, negli anni '90, nella sua terra, ancora dilaniata da una sanguinosa guerra civile che oppone ad un sedicente governo socialista una formazione anch'essa sedicente marxista (di ispirazione albanese). Anberber troverà, infine, nell'amore di una donna, messa ai margini da una società oberata dal carico cattolico-maschilista, e nell'insegnamento una nuova ragione di vita. Anberber conserva ancora i libri della sua gioventù su Marx e Lenin, non ha abbandonato le sue idee difronte al fallimento e al crollo di un mondo insensato quanto crudele. Anberber non è un parolaio occidentale, ha seguito le sue idee e la sua rivoluzione. Non ha cercato gruppetti di bambini disagiati da aiutare part-time per dare una vacanza a una stanca coscienza piccolo-borghese. Si è messo in gioco totalmente. E ha perso. Il suo "riflusso nel privato" non assomiglia per nulla al buen retiro freakkettone, ma ha tutto dell'ultimo baluardo di resistenza. Quando ogni linea d'attacco è stata travolta, l'ultimo fronte di resistenza diventa il proprio corpo e la propria singola vita. La surrealtà del mondo in Africa si permette il lusso dell'iperbole, gli esiti catastrofici non conoscono limiti umani, culturali e temporali. Ogni cosa appare con un di più di esasperazione, tutta regalata dal razionale Occidente. Vedere il cattolicesimo della madre di Anberber, il monumento ai caduti fascisti nelle guerre coloniali, la versione tribale del socialismo reale ci consegna una fotografia nitida del ripostiglio-africano in cui l'Occidente ha riposto le sue cose vecchie, mal riuscite e rotte, spacciate come nuove e mirabolanti. Ma non c'è neppure un prima da recuperare, un'età dell'oro a cui tornare. Per questo Gerima chiude il suo film con tre immagini chiave: la nascita di un bambino che sconfigge le tradizioni storiche del paese, dei bambini che vanno a scuola e il racconto di un'antica leggenda Etiope. Una nuova modernità, che superi reazioni, dogmatismi, religioni importate e native. L'alba del sole dell'avvenire appare molto lontana, in Africa è ancora notte fonda, ma un uomo nuovo s'è svegliato dal suo sonno fatto di incubi.

Pubblicato da euriskon | Commenti

Tags: cinema, venezia2008

Un operaio solo ThyssenKrupp blues di...

2008-09-12T12:24:28+02:00

Un operaio solo ThyssenKrupp blues di Pietro Balla e Monica Repetto Presentato nella sezione Orizzonte Eventi della 65° Mostra di Venezia. Documentario girato in digitale, iniziato a riprendere nel marzo del 2007 (l'incidente è del 5 dicembre 2007) e concluso nel mese di marzo 2008. Il fatto che sia stato iniziato in corrispondenza della decisione della Thyssen di chiudere lo stabilimento di Torino (con conseguente previsto trasferimento della gran parte dei lavoratori nello stabilimento di Terni) dimostra un rinnovato interesse per le tematiche del lavoro e questa è una buona notizia. Il film è costruito seguendo la vita di Carlo Marrapodi, operaio Calabrese, trasferitosi (un tempo si sarebbe detto emigrato) a Torino per lavoro. Carlo viene ripreso nella sua vita fuori dalla fabbrica, nella sua vita quotidiana, anche se il lavoro è il convitato di pietra intorno a cui gira la sua vita. Le riprese ricominciano dopo l'incidente mortale del dicembre 2007 e seguono Carlo anche dopo il suo ritorno nel suo paese natale (Pazzano). Il rientro tra i suoi vecchi amici, la sua famiglia, la sua terra, con i suoi riti antichi che sembrano rifiutare la modernità, senza enfasi, senza consapevolezza, per una naturale tendenza all'immobilità e refrattarietà al mondo esterno, resistenza a tutto, al bene e al male. Il documentario si sfrangia in diverse direzioni. Da un lato appare come una ricerca politica che prova a tirar fuori dal singolo (operaio) informazioni su una classe, dall'altro finisce per apparire come documento antropologico sulle trasformazioni dell'individuo sottoposto alle pressioni esercitate del mondo esterno al suo habitat originario. La tragedia dell'incidente si inserisce in mezzo a questi due obiettivi come evento inatteso che getta luci tragiche su un quadro già desolante di suo. Il documentario manca di informazioni e ricerche specifiche sul mondo del lavoro e sulla Thyssen in particolare. A tratti prova a stilizzare simbolicamente gli oggetti di suo interesse (inquadratura del fuoco di una stufa e ricollocazione di un cristo sull'altare di una chiesa), con esiti alterni (la prima inquadratura risulta forse troppo smaccatamente emotiva mentre la seconda afferma efficacemente il ruolo di corpo, costituito dall'operaio, di una società che vuol apparire come costituita esclusivamente di teste). Infine una considerazione sul digitale che si conferma mezzo adattissimo al documentario ma che denuncia forti limiti di poeticità dell'immagine. Tale deficit emerge stridente soprattutto quando il regista cerca un'emozione che l'immagine non riesce a rendere. Oltre agli strutturali limiti tecnici (una certa perdita di definizione sul grande schermo, colori piatti e freddi) del digitale, pare, tuttavia, esserci ancora una certa difficoltà nel suo utilizzo (ad. es. la resa notturna delle immagini sembra migliore di quella in piena luce diurna, pertanto certi effetti "emotivi" forse andrebbero tentati solo in certe condizioni di luce). Complessivamente, il documentario appare come un'encomiabile tentativo di studio ed analisi delle problematiche legate al lavoro ma denota anche limiti strutturali legati alla fase politica che viviamo. I due registi, ancor più di Calopresti, non riescono ad immaginare un racconto corale della classe lavoratrice. Il linguaggio politico precedente sembra essere stato spazzato da uno tsunami e il nuovo linguaggio politico che si prova ad utilizzare sembra troppo intimista e non ancora all'altezza di esprimere pienamente la complessità e la profondità della contrapposizione tra capitale e lavoro. Già, occorre continuare a pensare in termini di contrapposizione. Forse è questo il punto.

Pubblicato da euriskon | Commenti

Tags: cinema, venezia2008

Il politico è personale. Il...

2008-09-11T12:06:43+02:00

Il politico è personale. Il personale non è politico Rysa (titolo internazionale: Scratch) di Michal Rosa Film polacco presentato alle Giornate degli Autori a Venezia 2008 che, diciamolo subito, non contribuisce a tenere alto il nome del cinema patrio. Una coppia di intellettuali polacchi viene a scoprire che un ex-agente segreto accusa il marito si aver fatto parte dei servizi e di averla sposata per spiarne il padre, oppositore politico. La scelta degli attori non riesce ad essere emotivamente accattivante: sono ormai troppo vecchi e stanchi per recitare la parte degli innamorati (seppur delusi). Il film non è privo di qualche attenzione stilistica e di cura di alcuni personaggi (il vecchio amico del padre della protagonista), seppur a volte alcune scelte appaiono inappropriate ai contesti (l'uso delle lenti bifocali e la messa a fuoco). La trama contiene alcune lacune (che cosa dice il protagonista all'ex spia durante il loro incontro?) che sono essenziali al finale prestabilito ma tolgono forza ed efficacia alla narrazione. L'epilogo appare eccessivamente immotivato, anche a voler accettare l'inspiegabilità della vita. Nonostante l'apprezzabile spunto autoriflessivo sulle influenze della storia politica sul proprio vissuto non si può non evidenziare l'assenza totale di riflessione sui significati politici delle proprie azioni, forse sintomo dell'azzeramento della coscienza politica dei paesei ex-socialisti. Anche questo film, , contribuisce a delineare un periodo di incertezza del cinema polacco, eccessivamente attratto dalla narrazione lieve ed ellittica di certo cinema intellettualistico europeo ma con risultati che sfiorano più facilmente l'inconsistenza.

Pubblicato da euriskon | Commenti

Tags: cinema, venezia2008

Corpus hominis The wrestler di Darren...

2008-09-10T10:47:27+02:00

Corpus hominis The wrestler di Darren Aronofsky Ecco il vincitore della 65° mostra di Venezia. MdP a spalla, immagini sgranate, inquadrature incollate ai personaggi. Scena iniziale senza inquadrare mai il volto di Randy (Rourke), immagini in understatement quando la MdP inquadra lo spogliatoio dei wrestler, sembra quasi di trovarsi in un documentario. Poi inizia la storia e non ti molla più, e sono soprattutto le immagini a catturare. Sempre vive, sempre dentro la storia, a scavare nei volti degli attori, senza tregua, senza concedere lo spazio palcoscenico, per tirare il fiato, per nascondere un'incertezza del volto. E Rourke non sbaglia un'espressione, forse sarà davvero perchè questo personaggio gli assomiglia, perchè è un perdente come lui, fottuto dal successo, e dal troppo piacere agli altri. O forse sarà che questo personaggio gliel'hanno cucito addosso, che qualche agenzia pubblicitaria avrà messo in giro e arricchito tante storie su Rourke per farlo rinascere (il suo rifiuto di recitare una battuta contro l'IRA che l'avrebbe messo fuori da un produzione tanto tempo fa, il suo ritorno alla boxe nel '91 anche se poi la sua filmografia dice che non ha smesso di fare film, il fallimento del suo matrimonio e la sua solitudine, i problemi con alcol e droga, ... chissà se è un caso che all'uscita dell'anteprima romana distribuivano un questionario per sapere se si sarebbe assegnato un premio a Rourke) ma sta di fatto che Rourke questo film lo vive e lo fa vivere intensamente. La storia, forse non eccezionale, è costruita seguendo alla perfezione le regole di scrittura di una sceneggiatura in tre atti: presentazione, crisi, svolta, falso finale, climax, esito. E anche questo evidentemente conta. Ed è la storia di un fallimento costellato di falsi successi, la storia di un lungo abbaglio. Il wrestling si pone come involontaria, ma perfetta, metafora del sistema USA, un palese imbroglio, in cui ognuno gioca un ruolo, anche il pubblico che gode della sceneggiata. Eppure anche una sceneggiata ha il suo "dietro le quinte" fatto di miserie, delusioni e costi che forse eccedono il guadagno. Un sistema sostenuto dalla pubblicità che quando vende il palesemente falso non può nemmeno definirsi ingannevole. Un mondo che logora i suoi eroi, che ha bisogno di farli a pezzi. E quando una bambolina-sexy, amante del wrestling, riconda a Randy - The Ram quanto assomigli al Cristo di Mel Gibson, frustato a sangue per liberare l'uomo dai peccati, il corto-circuito che riconnette brutalmente le più alte aspirazioni di un'anima con la trivialità di un corpo fatto merce diventa evidente. Anche il sistema dei media e del consumo ha bisogno di corpi da sacrificare (consumare). Forse non saranno esattamente i wrestlers ad incarnare alla perfezione questo ruolo ma lo spostamento sembra suggerirlo un bambino che mentre gioca al videogioco del wrestling, alla fine sbotta annoiato dicendo che ora il nuovo gioco, davvero più divertente, è quello sulla guerra in Iraq, dove ogni giocatore può scegliere il suo ruolo. Ed è difficile lasciare il proprio ruolo, anche se fa schifo, soprattutto quando è l'unica cosa che ti resta.

Pubblicato da euriskon | Commenti

Tags: cinema, venezia2008