Pur non essendo un esperto di arte contemporanea il tema mi interessa molto, essendo oggi quello della manipolazione un tema centrale in campo cinematografico (il confine tra cinema documentario e cinema di fiction che, qualunque sia il punto di partenza, diventa sempre più sottile) e soprattutto nel campo dell'informazione e dei media che usano sempre più consapevolmente il loro ruolo di manipolatori della realtà. Lo stesso tema della memoria che ho enunciato nella presentazione del blog è strettamente correlato al tema della manipolazione, in quanto diventa sempre più urgente avere memoria, o riscoprire la memoria dei fatti accaduti, quando la manipolazione della realtà diventa pratica corrente come è oggi.
La mostra affronta il tema ovviamente da un punto di vista artistico, ma altrettanto ovviamente per un argomento del genere non mancano le sottolineature e le deduzioni di tipo sociale e politico. Le opere esposte sono tutte creazioni di artisti visuali e concettuali contemporanei, e sono fotografie analogiche, video e, solo in conclusione dell'esposizione, immagini create digitalmente.
Il percorso mostra le possibili manipolazioni della realtà secondo i diversi mezzi utilizzati e secondo i diversi impieghi (o non impieghi) delle immagini manipolate, contribuendo così a fornire un quadro chiarificatore e, forse, esaustivo sulle tecniche di manipolazione (visto il tema, il condizionale è d'obbligo).
Si incontrano così fotografie di riproduzioni di ambienti reali (come lo studio ovale della White House) volutamente seppur lievemente differenti dal reale, riproduzioni di fenomeni naturali (colate di lava, tornado) che, in quanto non unici, sono assai difficilmente distinguibili da una situazione reale e riproduzioni di situazioni che potrebbero essere vere ma che se lo fossero non sarebbero comunque divulgate in quanto portatrici di un significato politico inaccettabile (gli scenari di guerra in Iraq). Ma ci sono altre immagini che sono assolutamente reali, riprese durante la guerra in ex-Jugoslavia, e vengono censurate perché non hanno una 'ritmica' adatta ai tempi serrati dell'informazione giornalistica e al contrario ci sono immagini riprese dal vero in una strada dei sobborghi di Pittsburgh che possono essere diffuse senza problemi visto che sono riprese dalla street-car di Google, ma in realtà riproducono una realtà creata ad hoc da un gruppo di action-artists.
Il corto circuito anche semantico del mio post è inevitabile; il percorso della mostra comunica efficacemente il caos presente nella nostra civiltà dell'immagine, caos che raggiunge il suo apice con le immagini digitali nelle quali una realtà ormai indistinguibile (il foglio di carta accartocciato) può essere espansa e moltiplicata potenzialmente all'infinito. Un caos che però è perfettamente razionale per i manipolatori della realtà, e mi riferisco ai comunicatori, pubblici o privati che siano.
È sottinteso che consiglio a chiunque di fare una gita a Firenze per visitare la mostra. Concludo dicendo che la mostra fa parte di un più ampio progetto sulle realtà manipolate, al cui interno sono previste conferenze, eventi e anche la proiezione di Ceský Sen, già svolta con successo lo scorso 22 ottobre utilizzando i sottotitoli che ho tradotto in italiano per le proiezioni del Cineclub Fratelli Marx. Questo ha dato a tutti noi del Cineclub una grande soddisfazione!Pubblicato da marxbrothers | Commenti
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L'attività invernale del Cineclub si è conclusa lo scorso lunedì con l'ultimo appuntamento della rassegna "I film che nessuno voleva farvi vedere 3 e 1/3", e non abbiamo al momento previsto iniziative per l'estate ormai alle porte. Cercheremo di ripresentarci nel prossimo autunno, se le nostre forze oggi purtroppo molto limitate ce lo consentiranno.
Ma prima di salutarvi per questa lunga interruzione stagionale, c'è un ultimo appuntamento al quale siamo stati invitati e a cui siamo molto felici di partecipare.
Si tratta di Reggionarra, un evento molto festoso che occuperà tutta la città di Reggio Emilia nel prossimo fine settimana e durante il quale noi saremo presenti, sabato 9 maggio alle ore 21.30, in due piazze del centro cittadino con un programma di film d'animazione. Alcuni dei film in programma erano parte delle "Libere animazioni" che abbiamo presentato a Vicolo Bolognetti lo scorso febbraio, altri sono stati selezionati appositamente per comporre un percorso che prevede come filo conduttore quello della creatività. Si andrà quindi dai precursori storici dell'animazione come Ladislav Starevich fino ai maestri di oggi come John Lasseter, passando attraverso opere di Max Fleischer, Norman McLaren, Jan Svankmajer e diversi altri, il tutto per suscitare - speriamo - lo stupore e il piacere di piccoli ed adulti.
Al di là della nostra presenza, vi invitiamo comunque a partecipare a Reggionarra perché si tratta di un'occasione molto serena e divertente per vivere e condividere la città e restituirla alla sua dimensione umana.
Per saperne di più, visitate il sito ufficiale.Pubblicato da marxbrothers | Commenti
Il rapporto tra lui e la troupe che lo segue si configura in maniera totalmente sbilanciata; Benoît, oltre che avere le loro vite in mano, ha soldi; decide addirittura di sponsorizzare il film, essendo la troupe in difficoltà economiche. È dunque solo questione di tempo prima che la camera passi da strumento indagatore a mezzo per filmare le scempiaggini che Benoît ama compiere. Tant’è vero che la troupe sarà coinvolta fino a partecipare negli stessi crimini, perdendo ogni inibizione grazie ad un patrocinio totalmente compromettente.
L’intenzione documentaria viene dimenticata: è possibile registrare la verità senza modificarla con la propria presenza? La troupe dovrebbe intervenire per salvare le vittime o non intervenire per salvare la veridicità? Nel dubbio, interviene per uccidere qualche innocente. Questa confidenza però permette loro di entrare più nel profondo; ad ubriacarsi con lui e scoprire a che bassezze si può arrivare quando non c’è di mezzo la rispettabilità da mantenere.
Del resto, come canta Benoît ubriaco all’uscita del bar “Cinema, io sono il Cinema”, questo è cinema, ovvero soldi, tanto carisma, tanta violenza: eccetto che mentre la violenza sullo schermo generalmente è distaccata e falsamente recriminata, abbiamo qui una violenza pura, tanto più che il film ci porta all’immedesimazione con Benoît e la troupe.Pubblicato da marxbrothers | Commenti
I wristcutters, tagliatori di polsi, sono i suicidi, e dopo i primi tre minuti chiusi in una stanzetta con Dead and Lovely in sottofondo, tutto si svolgerà nell'aldilà dei suicidi: un posto uguale al mondo dei vivi, ma più uniformemente amaro. Grandi pianure grigie, montagne in lontananza, colori spenti, un atteggiamento generale più sull'atarassico che sul depresso. I protagonisti sono un ragazzo in cerca della sua ex, un russo coi baffoni dichiaratamente ispirato al cantante dei Gogol Bordello (le cui canzoni fanno da colonna sonora) in cerca di una cosa qualsiasi, una ragazza bruna, Shannyn Sossamon (che riesce a far vedere le cose alle persone in modo differente), in cerca della Gente Al Comando, un paterno Tom Waits (dati alla mano al suo terzo più importante ruolo da attore, dopo Down By Law ed America Oggi) in cerca del suo cane. Un road movie su un'auto a cui non funzionano i fari e che ha un buco nero sotto il sedile, un percorso fatto di piccoli incontri e nostalgie sospese.
La forza del film è riuscire a sfruttare gli spazi della California, rendendoli alieni e costruendo un'opera visivamente e narrativamente compatta, lineare e con un'idea cardine su cui giocare, ma senza per questo risultare macchinosa o ripetitiva. Si sfruttano a pieno le possibilità del contesto, dei personaggi, delle situazioni, creando dei rimandi simbolici e dei parallelismi espliciti ma convincenti, in un film di losers dove si riescono a fare le cose solo se non ci si pensa troppo, se queste vengono da sole.
(da slowfilm.splinder.com)
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I personaggi di questa piacevole, libera black comedy di Dagur Kári non hanno grandi obiettivi né la tenacia di perseguirli. Franc rimane incinta e la prospettiva della paternità diventa una minaccia per lo stile di vita disimpegnato di Daniel - una frattura che si riflette nella decisione improvvisa del film di tralasciare per un momento Daniel e di concentrarsi sull’esaurimento nervoso del giudice che aveva imposto a Daniel un periodo di servizio per la comunità.
Voksne Mennesker è il secondo lungometraggio di Dagur Kári. Il primo, Nói Albinói, aveva seguito un teenager solitario e problematico che sognava di abbandonare i fiordi per farsi una nuova vita in città. In Voksne mennesker le aspirazioni dei personaggi sono ancora meno definite. I titoli degli episodi danno una certa forma al plot ondivago, ma la struttura ad episodi e la scelta di girare in uno sgranato bianco e nero danno l’impressione di qualcosa ripulito dalla Nouvelle Vague, disassemblato da Kevin Smith e poi ancora destrutturato da Richard Linklater. Le traiettorie dei personaggi sono assurde e lievemente tristi, lo humour essenziale rimanda a un Jim Jarmusch asciugato del più minimale momento di Broken flowers.
Inevitabilmente per un film a così basso regime, sono i piccoli momenti che gli permettono di fiorire. La sofferta ammissione di Daniel all’ispettore fiscale che “quando lei parla di livello A e livello B di tassazione la mia mente va in blackout e non ho più voglia di vivere”, o una sequenza in cui il panciuto e pedante Nonno dà il suo esame da arbitro e poi si impone di violare ognuno dei dieci comandamenti costituiscono a pieno titolo dei compiuti cortometraggi.
Alcune sequenze vagano pericolosamente tra un accidentale surrealismo e la tenera melancolia, come se Kári non fosse molto sicuro di dove sia il confine tra il tragico e l’assurdo. La decisione, dopo un’ora di film, di lasciare Daniel e di entrare nello svagato mondo in crisi esistenziale del giudice Dommaren mentre passa un pomeriggio a bere in un albergo di Copenhagen, è un rischio ambizioso, ma se comprenderete l’intento sottostante a questa deviazione in una confusa reverie questa vi aprirà un intero nuovo quadro di riferimento.
L’unico flash di colore del film può indicare un lampo di rivelazione per il permanentemente passivo Daniel, o potrebbe semplicemente essere stato aggiunto per ricordare agli spettatori che in fondo c’è una storia che si sta svolgendo sotto i loro occhi. Gli artigianali suoni acustici provengono dalla band di Kári, gli Slowblow, ed evidenziano il fascino sgangherato del film. Tom Waits, fedelissimo di Jim Jarmusch, è nella lista degli attori del prossimo film di Kári, The good heart. Come per Waits e Jarmusch, lo sguardo romantico di Kári verso i perdenti, i piccoli cospiratori e i piccoli sognatori vi entra nella pelle se lo lasciate agire.
Il verdetto
Una deriva tranquilla attraverso le vite dei suoi piacevoli personaggi, Voksne mennesker merita di catturare i cuori di coloro per cui Jim Jarmusch non fa abbastanza film.
Jon Fortgang, www.channel4.comPubblicato da marxbrothers | Commenti
La Zwerin adotta anche alcune tecniche del cinema verité, soprattutto l’utilizzo dell’intervista, per rafforzare il realismo del film, ma è proprio quando Monk viene realmente mostrato, secondo modalità proprie dell’ostensione (mostrare un oggetto per comunicarne il significato), che prende forma la sensazione di trovarci davanti al vero Monk. Attraverso il Monk mostrato si accede con più immediatezza a cosa abbia significato Monk, a cosa egli sia stato. E in questo caso la bellezza del documentario coincide con la bellezza dell’oggetto filmato, ovvero Thelonious Monk. Charlotte Zwerin, che è stata sposata ad un musicista e ha girato parecchi documentari biografici su artisti, pittori e musicisti (suo è anche il documentario Gimme Shelter sui Rolling Stones, dove viene ripreso l’omicidio ad Altamont), in Straight, no chaser dimostra la propria abilità di filmmaker (soprattutto nel montare il materiale girato), ma anche, in sovrimpressione, l’amore per il musicista Monk, anzi per la persona Monk; pur non avendo prestato troppa attenzione alla cronologia, la Zwerin ci accompagna lungo la strada percorsa da Monk, quasi fosse Nellie (la moglie di Monk), con ammirazione, rispetto, comprensione e sincero affetto.
Per questo film la Zwerin ha attinto in gran parte a materiale girato nel 1968 da Michael e Christian Blackwood. Sono quasi tutti filmati che evidenziano una tecnica di ripresa sofisticata: numerosi sono i piano sequenza che avvolgono Monk e diventano quasi metafora di un abbraccio. La cinepresa quasi sempre è mossa con tale abilità che sembra tradire il realismo della “presa in diretta”, anticipa i movimenti di Monk, sembra muoversi seguendo una sceneggiatura, ed è proprio in questi casi che parrebbe ingannarci e trasformare il documentario in fiction.
L’uso delle inquadrature disegna in modo consapevole frame intepretativi: Monk pensoso, chiuso in se stesso o calato in un dolore sordo silenzioso; Monk ironico, Monk sorridente, Monk musicista. Le inquadrature delle mani mentre egli suona rivelano la personale e quasi paradossale tecnica pianistica (Monk suonava con le dita tese e piatte percuotendo i tasti, sovvertendo la tecnica tradizionale che vuole le dita arcuate) e (attraverso una forma di sineddoche) ci rimandano all’originalità di Monk pianista e compositore, per il quale la tecnica pianistica e compositiva erano strettamente legate. Le interviste hanno diverse funzioni nel dare forma alla struttura narrativa del film: soprattutto hanno la funzione di parentesi, di incisi nel discorso. Ma non aggiungono molto, spesso confermano, (e talvolta contraddicono) quanto mostrato e “detto” attraverso le immagini di Monk che suona, parla, dorme, vaga, gira su se stesso, si addensa in pensieri profondi e remoti. Altro elemento importante del testo è la musica: non è mai colonna sonora, ma l’elemento che da coerenza alla struttura narrativa e ne è parte integrante: la biografia di Thelonious Monk è anche la storia della sua musica.
Monk inizia prima del be-bop e vi finisce dentro quasi accidentalmente. Vi partecipa senza caricare di valore ideologico la propria presenza, a modo suo, come musicista nero ma senza porre la questione razziale. Si inserisce nella rivoluzione musicale del be-bop, da esistenzialista: Monk prima di tutto è Monk. Ed è anche attraverso narrazioni come quella del documentario di Charlotte Zwerin che si rafforza l’immagine di Monk come icona. Monk è il musicista che segue la propria voce, in modo personale, introverso e anticonformista, originale, libero da schemi, libero nell’espressione, il musicista che sovverte e innova i codici dei linguaggi musicali jazzistici a lui pre-esistenti o contemporanei. Monk in fondo è un’icona della libertà, della libera espressione e della libertà di essere. Questo è uno dei significati più chiari di Monk, e prevale sulle sue proprietà accidentali come “Monk, quello che è strano”, “Monk il pazzo”, Monk che “girovaga su stesso”, “Monk che sta sveglio per tre giorni e dorme per altri due”. (broz2008)
(*) Straight, no chaser è un’espressione che indica il whisky bevuto liscioPubblicato da marxbrothers | Commenti
già prenotato le date da tempo, è arrivata l'idea risolutiva: presentiamo i due film di cui riusciremo ad avere la traduzione in italiano dei sottotitoli e ad essi affianchiamo altri 4 titoli selezionati come "les meilleurs" delle tre rassegne precedenti.
2 film nuovi su 6 fa un terzo, e quindi la rassegna l'abbiamo numerata 3⅓... e se a qualcuno questo farà ricordare la saga della pallottola spuntata va bene lo stesso!
Per la cronaca, "les 4 meilleurs" sono stati scelti da un competente comitato formato interamente e solamente dai membri del cineclub le cui scelte sono, come si suol dire, insindacabili; il comitato ha espresso le preferenze per due film made in USA e due film scandinavi; sono 4 titoli che hanno in comune di essere leggeri e densi allo stesso tempo, di possedere limpide qualità cinematografiche e la capacità assai apprezzata da noi cinefili di rimanere in mente per un po' di tempo dopo la visione.
Ma è giunto il momento, come diceva Zio Paperone, di dire bando alle ciance e di darvi il programma completo della rassegna:
lunedì 16 marzo ore 20.15
AMERICAN SPLENDOR
di Robert Pulcini e Shari Springer Berman, USA, 2003
lunedì 23 marzo ore 20.30:
THELONIOUS MONK: STRAIGHT, NO CHASER
di Charlotte Zwerin, USA, 1988
lunedì 30 marzo ore 20.15
VOKSNE MENNESKER
di Dagur Kári, Danimarca/Islanda, 2004
lunedì 6 aprile ore 20.30
WRISTCUTTERS - A LOVE STORY
di Goran Dukic, USA/UK, 2006
lunedì 20 aprile ore 20.20
C'EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ VOUS
di Rémy Belvaux, André Bonzel e Benoît Poelvoorde, Belgio, 1992
lunedì 27 aprile ore 20.15
REPRISE
di Joachim Trier, Norvegia, 2006
Come sempre i film sono presentati nella loro lingua originale e con i sottotitoli in italiano; l'ingresso è gratuito e riservato agli associati al Cineclub.Pubblicato da marxbrothers | Commenti
familiare si trasforma in un incubo via via più disperato.
La voce off di Barbara Stanwyck che all'inizio del film ci accompagna lungo le highways del sud California ci fa capire da subito che la vacanza finirà in dramma, e che lei stessa si troverà di fronte a una di quelle domande a cui è difficile rispondere: "Mi chiedo se qualsiasi altra moglie avrebbe fatto quello che ho fatto io". Sì, perché alla fine di tutto, oltre alla tensione data dal crescendo di drammaticità, la cifra del film sta proprio nel 'discorso' sulla famiglia, messa in crisi dall'incontro con il fuggiasco violento ma assai virile (e anche dall'incontenibilità del figlioletto 'rompi'...).
Niente di particolarmente nuovo, quindi, ma sicuramente molto apprezzabile è la prova di Barbara Stanwyck, una delle icone del film noir, che domina il film con la sua forte personalità e dà vita a un dualismo intenso con Ralph Meeker, molto efficace nella parte dell'evaso. E comunque ci troviamo come sempre nel cinema classico americano di fronte a una sceneggiatura che ha grande rispetto verso lo spettatore, al quale viene lasciato il dubbio, e in fondo quindi la facoltà di decidere, su cosa realmente sia successo nel non visto. Così poi, una volta finito il film, si può passare un bel po' di tempo a discutere...Pubblicato da marxbrothers | Commenti
La sceneggiatura è precisa e tagliente sia per quanto riguarda i dialoghi che per la struttura del racconto e la successione degli avvenimenti. Non si può dire molto perché si toglierebbe il gusto a chi vuole vedere il film, ma l'elemento forse preponderante nella trama è quello di una insicurezza al limite della paranoia, che fa sì che ogni persona incontrata negli angusti spazi del treno in corsa su cui si svolgono tre quarti del film venga percepita come un potenziale nemico da parte del protagonista del film, il sergente Walter Brown (e pure da noi spettatori). Sarà naturalmente solo verso la fine del film che Brown e noi potremo capire cosa sta veramente succedendo su quel treno.
E il treno con i suoi spazi ristretti è il contenitore in cui Fleischer può scatenare tutta la sua inventiva registica, utilizzando al meglio le caratteristiche fisiche del mezzo di trasporto e delle persone in viaggio: ogni angolo diventa un anfratto in cui nascondersi o dal quale temere un agguato, le oscillazioni della carrozza contribuiscono a connotare fisicamente e visivamente l'incertezza dei rapporti tra le persone, i finestrini diventano le feritoie dalle quali spiare le mosse del nemico; tutto questo reso mediante un uso creativo, agile ed estremamente moderno della macchina da presa.
Dove non arrivano i soldi dei produttori a volte fortunatamente arriva l'estro dei cineasti, e The narrow margin è sicuramente uno di questi film baciati in fronte dalla dea della creatività...Pubblicato da marxbrothers | Commenti
Quando si dice che non è importante la meta del nostro viaggio ma piuttosto il viaggio in sé: per The big steal non è importante trovare la perfetta razionalità e consequenzialità della trama, quello che conta è farsi trascinare dal ritmo e dalle trovate della storia e andare a pescare le tante perle disseminate nel corso del film.
Tra queste è evidente la "chimica" presente tra gli attori, in particolare Mitchum e la Greer che avevano già recitato assieme nel precedente Out of the past (anch'esso ambientato in Messico). Tra l'altro, Mitchum era appena uscito di prigione dove aveva scontato la pena per consumo di marijuana, e per la parte di Joan la Greer aveva all'ultimo minuto sostituito Lizabeth Scott, che pare non avesse molta voglia di recitare assieme a un ex carcerato.
Perfetti nel loro ruolo anche il mitico William Bendix nella parte dello stolido capitano Blake e il divo del cinema muto Ramon Novarro, che da vero messicano con tutti i suoi problemi nel parlare correttamente in inglese interpreta l'ispettore Ortega. Proprio il personaggio dell'ispettore, assieme ad altre simpatiche situazioni, evidenzia una delle linee narrative del film, ovvero la presa in giro dell'american way of life, costantemente frenetico e nervoso, confrontato con lo stile molto più rilassato e umano dei messicani verso il quale è palese l'empatia della sceneggiatura e della regia di Don Siegel.
Per questi motivi, The big steal è un film che si guarda dall'inizio alla fine col sorriso sulle labbra; gli unici elementi puramente noir si trovano infatti nel finale, in cui la trama ha il suo definitivo e sorprendente colpo di scena, rivelando le vere finalità dei personaggi.Pubblicato da marxbrothers | Commenti