CINEMA, OH CINEMA!

BUON NATALE E FELICE ANNO NUOVO

cinemaohcinema — Mon, 17 Dec 2007 12:38:08 +0100

Auguri da Franca, Isa e Kid.

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Tags: trailer

Perdonateci La Réclame!

cinemaohcinema — Wed, 19 Sep 2007 16:33:21 +0200

Abbiam deciso di dedicare questo spazio a Franca ed alla promozione del suo libro. In fondo, questo blog è solo una costola dei suoi racconti. Pertanto, "sospendiamo" sino al Grande Evento il consueto viaggio nel Grande Cinema. Perdonateci la réclame, ma siamo due inguaribili fans e sappiamo che comprenderete... (Isa & Kid)
Una vita tra cinema e antifascismo
di Bruna Baldassarre
Franca Santi Invernizzi, la moglie di Lionello Santi, o "Sciabola", nome di battaglia del partigiano elbano sfuggito al plotone di esecuzione tedesco e "paracadutato nel giardino di Franchina e della sua vita", come scrive Lina Wertmüller nella prefazione al libro "Cinema Oh Cinema", Fuoridallerotte editore. Nella prossima presentazione a Roma. Il libro autobiografico è anche la storia di mezzo secolo di cinema italiano, politica, e arte. Presentato da Giorgio Faletti, Massimo Scelza, Paolo Ferruzzi, dall'editore, dal sindaco della città di Portoferraio, Isola d'Elba, nel chiostro incantevole, centro congressuale De Lauger, l'isola natia di Lionello Santi, noto produttore cinematografico, schivato come per destino al mestiere di medico oculista. Presenti molti personaggi della cultura, amici e simpatizzanti di "Franchina", che festeggia anche il suo compleanno, detta anche la "Zarina" la rossetta piena di efelidi e humor, come amava chiamarla il marito, perfetta padrona di casa e grande lavoratrice, famosa per il suo duro e affascinante lavoro nel cinema -settanta film italiani-, nel ruolo di segretaria di produzione, ruolo proposto inizialmente dal regista Rosi. Alla domanda di Faletti su come avesse incontrato il cinema, Franca risponde senza esitare che il cinema ha incontrato lei!
Nella sua villa elbana sono passati i più grandi del cinema italiano, tra registi e attori, e proprio di fronte all'affascinante mare azzurro sono stati ideati i migliori capolavori italiani. Film divertenti e impegnati, alcuni conosciuti anche a Hollyvood, come "Salvatore Giuliano", "Lucky Luciano" di Francesco Rosi, "Divorzio all'italiana" di Germi, e tanti altri, tra i quali spiccano i nomi di Antonioni, De Sica, Alberto Sordi, Lina Wertmüller.

Il libro, prettamente autobiografico, è anche una sorta di dizionario del cinema italiano, con curiosità e profili psicologici dei più noti attori nostrani. Una scenetta divertente riguarda la gaffe dell'autrice nel presentare sua nipote a Sophia Loren: "Ti presento mia nipote che quando guarda allo specchio la tua fotografia, le viene da vomitare". L'autrice, presa dall'emozione e dalla fretta della Loren, invertì la frase della nipote e così l'attrice, indignata, s'infilò rapidamente nell'ascensore senza il piacere di nessuna conoscenza!
Il cinema, con la loro casa di produzione "La Galatea" diventa per la coppia Santi-Invernizzi un'occasione d'impegno socio-politico. Entrambi provenienti da famiglie benestanti, nomi eccellenti dell'industria italiana, non si risparmiano responsabilità e gavetta, in senso sociale. A soli 19 anni Franca già partecipa alla lotta clandestina sotto la direzione di Cecilia Cicogna, addetta alla Resistenza come staffetta ciclo-taxi per il trasporto dei beni di prima necessità destinati ai campi di concentramento. Compie imprese più ardite e rischiose insieme al suo "Nello", insignito della Medaglia d'argento al valor militare. Nella storia biografica è evidente l'impegno coerente del marito con la loro esperienza, le passioni condivise per le battaglie personali e professionali. Emblematica l'amicizia e la collaborazione con Dario Fo e Franca Rame.
"Non è vero che invecchiare sia un male, si deve vivere serenamente la propria età e si può fare un bilancio positivo della propria vita pensando a tutto quello che i rapporti umani ci hanno dato".
ROMA, Casa del Cinema
martedì 9 ottobre 2007

ore 18.30

TUTTO IL GRANDE CINEMA
ALLA CASA DEL CINEMA

presentazione del libro
e incontro con l'Autrice

interverranno
Tullio Kezich
Francesco Rosi
Lina Wertmüller

Un click... INVITO ...e stampa!

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Tags: la vita è cinema

Ri - Eccoci!!!

cinemaohcinema — Mon, 17 Sep 2007 17:26:50 +0200

Il Cinema Italiano degli anni d’oro, con tutte le maiuscole del caso, nei ricordi e nelle testimonianze di una Protagonista.
(Lei sì, con la Maiuscola!)
Immagini di una mai stanca scrittrice, che ha seguito e vissuto il Cinema italiano dal 1965 all'ultimo decennio del secolo precedente. Una vita trascorsa in nome di una passione (che Donna fortunata!) a seguire attori, cineasti e registi – i migliori e i più invidiati dal cinema mondiale – come segretaria esecutiva di edizione. Che ha conosciuto il crescere del Cinema italiano dall’età più prolifica a oggi. E ce ne regala gli incantati/disincantati preziosi retroscena. Infatti: il libro restituisce uno schietto, colto e ciarliero riandare della memoria, il “cosa c’è dietro” a una produzione. Di certo umanità creativa e disposta a scommettere. La cultura italiana, dall’amusement più frivolo alla puntuale coraggiosa documentazione di fatti “chiave” della nostra storia, sui quali l’informazione corrente e consacrata latita. È Franca Santi Invernizzi. Cinema, Oh Cinema non è una autobiografia. È l'immagine schietta di un mondo che è cambiato, ma che rimane sempre la culla dei sogni di tutti noi.
Franca e Nello (suo marito e compagno di cineaste avventure: che singolare preziosissima fortuna il coincidere di sentimenti, passioni e vita!) hanno anche prodotto un'ottantina di film.

Milano
Libreria Porta Romana
C.so di Porta Romana, 51
martedì 18 settembre 2007

ore 18.00
presentazione del libro
e incontro con l'Autrice
interverranno
Luisa Morandini
Emilio Cozzi

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Tags: la vita è cinema

Buone Vacanze!

cinemaohcinema — Sat, 04 Aug 2007 08:19:00 +0200

Franca, Isacrazy e Kid vi danno appuntamento a settembre...

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Tags: trailer

Il Teatro di Conte Nebbia

thecappuccinokid — Tue, 31 Jul 2007 15:32:00 +0200

Quante sono ancora le pagine non scritte sulla più giovane delle Arti? Quante le rivelazioni ancora celate, le intuizioni sepolte, le assonanze da scoprire? Una di queste, ad esempio, è rappresentata dal fil rouge che unisce Federico Fellini a Mario Bava. Proprio così: il Grande Ingannatore ed il Sommo Artigiano sono stati fra i pochi degni eredi di Georges Méliès e del suo fantasmagorico cinema dell’Affabulazione. Ciò che li differenzia è, senza dubbio, il rapporto col laghetto di Narciso: Fellini non ha smesso di specchiarvisi un nanosecondo, Bava vi si è soffermato giusto un attimo per spegnere la cicca della sigaretta…Perso nel proprio giardino d’infanzia, l’uno, così gravido di totemiche ombre; avvolto nei fumi multicolori della propria officina alchemica, l’altro; proprio così: Se il padre di Otto e mezzo tramuterà in Puro Cinema gli arabeschi Liberty del Flash Gordon di Alex Raymond ed i deliri floreali di Antonio Rubino e del suo Corriere dei Piccoli, il papà di Danza Macabra non si dimenticherà mai di essere un pittore, irrimediabilmente attratto dall’espressionismo più umbratile e dall’oltranzismo delle avanguardie.
Ne è fulgida dimostrazione questo La frusta e il corpo, un film che sembra un raccontino abortito di Carolina Invernizio. Un’opera talmente incongruente dal punto di vista narrativo da sfiorare sovente il ridicolo. O il sublime, come nei film più “liberi” di Powell & Pressburger: e proprio al pari dell’ineguagliabile coppia di anglosassoni dandy il Nostro crea una “stordente atmosfera da serra” (bellissima definzione di Emanuela Martini per Narciso Nero) allo scopo di annullare una brutta sceneggiatura per dedicarsi all’adorata arte del trompe-l’œil. Infatti La frusta e il corpo, con quei corpi affilati, da Morgue Metafisica, con i suoi “caligarismi” cromatici, ed il continuo sibilare del vento e dello scudiscio non è altro che l’omaggio di Bava al “gotico astratto” del grande Alberto Martini, il pittore italiano più inquieto (ed inquietante) del 20° secolo.
Questo è il commento lasciato da contenebbia sul post La Frusta E Il Corpo. Conoscendo la preparazione del nostro Carissimo Amico in materia cinematografica, in particolare sul "genere", abbiamo richiesto all'autore di consentirne la pubblicazione in un post celebrativo. Senza nemmeno far ricorso a pallottole d'argento, aglio, croci, paletti in legno e lampade solari (anche i cacciatori di emofagi si aggiornano), il celeberrimo Vampiro splinderiano ha concesso il suo assenso alla pubblicazione della scheda, redatta appositamente dal nobile fumoso per Nocturno. Grazie, Conte!

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Tags: dite la vostra, b movie

Addio!

thecappuccinokid — Mon, 30 Jul 2007 17:17:39 +0200

Ingmar Bergman (1918 - 2007)
“Film come sogni, film come musica. Nessun'arte passa la nostra coscienza come il cinema, che va diretto alle nostre sensazioni, fino nel profondo, nelle stanze scure della nostra anima.”

Michelangelo Antonioni (1912 - 2007)
“Noi sappiamo che sotto l'immagine rivelata ce n'è un'altra più fedele alla realtà, e sotto quest'altra un'altra ancora, e di nuovo un'altra sotto quest'ultima, fino alla vera immagine di quella realtà, assoluta, misteriosa che nessuno vedrà mai, o forse fino alla scomposizione di qualsiasi immagine, di qualsiasi realtà.”

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Tags: grandi maestri

La Frusta E Il Corpo (1963)

cinemaohcinema — Sun, 29 Jul 2007 07:05:36 +0200

[Dedicato a contenebbia, Lollo e "Nonno" Luciano. The Cappuccino Kid]

Anno: 1963
Durata: 88 min.
Italia/Francia – Colore
35 mm (1:1.75), Panoramico - Technicolor
Genere: Horror
Produzione: Vox Film, Leone Film, Francinor, P.I.P.
Distribuzione: Titanus
Regia: Mario Bava (John M. Hold)
Soggetto e Sceneggiatura: Ernesto Gastaldi (Julian Berry), Ugo Guerra (Robert Hugo), Luciano Martino (Martin Hardy)
Fotografia: Ubaldo Terzano (David Hamilton)
Scenografia: Ottavio Scotti (Dick Gray)
Costumi: Anna Maria Palleri (Peg Fax)
Montaggio: Renato Cinquini (Rob King)
Musiche: Carlo Rustichelli (Jim Murphy)
Interpreti: Daliah Lavi, Christopher Lee, Luciano Stella (Tony Kendall), Ida Galli (Isli Oberon), Harriet Medin (Harriet White), Gustavo De Nardo (Dean Ardow), Luciano Pigozzi (Alan Collins), Jacques Herlin.

In un tetro castello vive l'aristocratica famiglia Menliff: il vecchio conte, il figlio Cristiano con la giovane moglie Nevenka e la nipote Katia oltre la governante e un vecchio servitore. Il ritorno al maniero dell'altro figlio del conte, Kurt, a suo tempo scacciato e diseredato per le sue scelleratezze, risveglia in Nevenka la passione per l'amante di un tempo. Kurt viene pugnalato alla gola. Il suo spirito comincia ad ossessionare Nevenka che crede di ricevere ancora le sue visite notturne e le sue torture. Poco dopo anche il vecchio conte viene ucciso. Il terrore regna al castello fin quando non si scopre il vero colpevole che in un momento di esaltazione si uccide. Giocato sulla psicologia del sadomasochismo (che gli procurò noie in censura), condotto a ritmo lento e ossessivo, ricco di ingegnose invenzioni registiche e di attori con le facce giuste, è uno dei migliori film di Mario Bava. (Il Morandini)

“Nella mia attività non ho mai avuto dissapori con i miei registi, tranne una volta, per un film di poco costo intitolato Caltilki il mostro immortale. In quell’occasione mi capitò addirittura di cacciare il regista dal set, si chiamava Riccardo Freda, era abbastanza famoso, e lo sostituii con il direttore della fotografia, Mario Bava, il quale poi divenne a sua volta famoso. Bava non osava fare il regista, ma io sapevo che possedeva le capacità per farlo, infatti è stato bravissimo perché ha avuto un successo enorme e ha continuato a lavorare per me facendo altri film, La maschera del demonio, film in bianco e nero fatto nel 1950 nel quale ho avuto come scenografo Piero Gherardi, Esther e il re, come aiuto di R. Walsh, Gli invasori, La ragazza che sapeva troppo, I tre volti della paura.” (Nello Santi)
ATTENZIONE. Il brano riportato è composto da estratti da “Cinema, Oh Cinema!”, di Franca Santi Invernizzi, edito da fuoridallerotte. Tutti i diritti appartengono all’Editore.

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Tags: b movie

[da RoGoPaG] La Ricotta (1963)

cinemaohcinema — Sun, 22 Jul 2007 07:06:11 +0200

Scritto e diretto da Pier Paolo Pasolini
Fotografia Tonino Delli Colli; architetto Flavio Mogherini; costumi Danilo Donati; commento e coordinamento musicale Carlo Rustichelli; montaggio Nino Baragli; aiuto alla regia Sergio Citti, Carlo di Carlo.
Interpreti e personaggi Orson Welles (il Regista, doppiato da Giorgio Bassani); Mario Cipriani (Stracci); Laura Betti (la "diva"); Edmonda Aldini (un'altra "diva"); Vittorio La Paglia (il giornalista); Maria Berardini (la stripteaseuse); Rossana Di Rocco (la figlia di Stracci).E inoltre: Tomas Milian, Ettore Garofolo, Lamberto Maggiorani, Alan Midgette, Giovanni Orgitano, Franca Pasut. Hanno partecipato anche: Giuseppe Berlingeri, Andrea Barbato, Giuliana Calandra, Adele Cambria, Romano Costa, Elsa de' Giorgi, Carlotta Del Pezzo, Gaio Fratini, John Francis Lane, Robertino Ortensi, Letizia Paolozzi, Enzo Siciliano.
Produzione Arco Film (Roma) / Cineriz (Roma) / Lyre Film (Parigi); produttore Alfredo Bini; pellicola Ferrania P 30, Kodak Eastman Color; formato: 35 mm, b/n e colore; macchine da ripresa Arriflex; sviluppo e stampa Istituto Nazionale Luce; doppiaggio CID-CDC; sincronizzazione Titanus; distribuzione Cineriz; durata 35 minuti.
Riprese ottobre-novembre 1962; teatri di posa Cinecittà; esterni periferia di Roma; premi Grolla d'oro per la regia, Saint Vincent, 4 luglio 1964.

La ricotta è un episodio del film RoGoPaG, prodotta da Alfredo Bini, il quale, deponendo al processo per vilipendio contro la religione dello Stato, intentato dal P.M. Di Gennaro contro Pier Paolo Pasolini, disse: "Il film è composto di quattro episodi. Il filo conduttore è costituito dai diversi aspetti di uno stesso fenomeno, il condizionamento dell'uomo nel mondo moderno. Il primo regista, Rossellini, si occupava del condizionamento dell'uomo nei suoi rapporti con la donna; il secondo, Gregoretti, si occupava del condizionamento relativo alla tecnologia ; Godard prevedeva in un prossimo futuro piccolissimi fattori di degenarazione che avrebbero portato alla fine del mondo senza scosse; Pasolini si occupava della maggior parte degli uomini non ancora in tale stato di condizionamento". La ricotta è, quindi, una denuncia della decadenza morale dell'uomo contemporaneo. Pasolini si serve di uno dei simboli del cristianesimo, la passione di Cristo, per rappresentare, attraverso l'immoralità della troupe di quel set cinematografico, il vero Cristo: Stracci. Stracci ha una duplice funzione: rappresenta il sottoproletario sacrificato al vuoto borghese, e rappresenta l'incarnazione reale e contemporanea del Cristo. Stracci viene sacrificato, condannato a morte dalla ferocia di un mondo gretto e teso al consumo a tutti i costi. Dirà Pasolini di questo film: "L'intenzione fondamentale era di rappresentare, accanto alla religiosità dello Stracci, la volgarità ridanciana, ironica, cinica, incredula del mondo contemporaneo. Questo è detto nei versi miei, che vengono letti nell'azione del film [...]. Le musiche tendono a creare un'atmosfera di sacralità estetizzante, nei vari momenti in cui gli attori si identificano con i loro personaggi. Momenti interrotti dalla volgarità del mondo circostante. [...] Col tono volgare, superficiale e sciocco, delle comparse e dei generici, non quando si identificano con i personaggi, ma quando se ne staccano, essi vengono a rappresentare la fondamentale incredulità dell'uomo moderno, con il quale mi indigno. Penso ad una rappresentazione sacra del Trecento, all'atmosfera di sacralità ispirata a chi la rappresentava e a chi vi assisteva. E non posso non pensare con indignazione, con dolore, con nostalgia, agli aspetti così atrocemente diversi che una sì analoga rappresentazione ottiene accadendo nel mondo moderno".

Pasolini fa largo uso di riferimenti a pittura e letteratura. Le Deposizioni del Rosso Fiorentino e del Pontormo vengono prese a esempi figurali; il Dies Irae accompagna molte scene del film; Orson Welles recita una poesia dello stesso Pasolini. Il film è girato tra la via Appia Nuova e la via Appia Antica presso la sorgente dell'Acqua Santa nell'autunno del 1963. Sullo sfondo le infinite distese dei palazzoni delle borgate romane, le stesse borgate di Ragazzi di vita, di Tommasino, di Accattone, di Mamma Roma, la stessa umanità antropologicamente identificata con i sottoproletari, ma un diverso approccio autobiografico e religioso. Quel set rappresenta per Pasolini il tempio invaso dai mercanti. Il film fu accolto con freddezza dalla critica, e la ragione va ricercata nelle parole di Moravia: "La chiave del mistero va ricercata, secondo noi, oltre che nell'impreparazione culturale di molti critici, anche nella ingenua mancanza di tatto di Pasolini. Diamine: il regista nell'intervista dichiara: 'L'Italia ha il popolo più analfabeta e la borghesia più ignorante d'Europa', ed ecco che scontenta così i partiti di destra come quelli di sinistra. Poi, peggio ancora, Orson Welles rincara: 'L'uomo medio è un pericoloso delinquente, un mostro. Esso è razzista, colonialista, schiavista, qualunquista', ed ecco scontentati tutti quanti. L'Italia del passato, infatti era il paese dell'uomo, in tutta la sua umanità; l'Italia di oggi, invece, è soltanto il paese dell'uomo medio".

Per quanto riguarda la partecipazione di Orson Welles nella parte del regista-marxista del "film nel film", dice al proposito Carlo di Carlo, aiuto alla regia, insieme a Sergio Citti, dell'episodio: "Riguardo La ricotta ricordo quel rapporto per me abbastanza assurdo con Welles. Pasolini lo volle a tutti i costi - e giustamente - perché nessuno meglio del 'mito' Welles poteva eprimere e rappresentare il regista (cioè il regista del film nel film). Welles accettò la parte solo per un fatto economico (non sapeva neanche chi era Pasolini) chiese una cifra spropositata per un film così breve che fece rimanere in bilico la realizzazione de La ricotta per molto tempo. Ma poi le sue condizioni vennero accettate. Orson Welles non sapeva mai nulla quando arrivava sul set. Si informava poco prima di ogni ciak cosa si doveva girare, mi chiedeva le battute tanto per sapere, a occhio e croce, di cosa si trattava, poi esigeva 'il gobbo'. L'italiano lo masticava abbastanza e avrebbe potuto tranquillamente imparare le battute. La scena più vistosamente eclatante della sua partecipazione al film fu quando doveva recitare la poesia di Pier Paolo: 'Io sono una forza del passato / solo nella tradizione è il mio amore...'. Allora Welles sulla sedia da regista venne posto al centro di una collinetta con gli occhiali abbassati tanto che potesse leggere (senza che lo si notasse perché favorito dal controluce) l'enorme 'gobbo' che io gli tenevo a una distanza di quattro metri e sul quale avevo trascritto la poesia". (Massimiliano Valente, estratto da www.pasolini.net)

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Tags: piccoli capolavori

Anatomia Di Un Rapimento (1963)

cinemaohcinema — Sat, 14 Jul 2007 08:02:03 +0200

Titolo: Anatomia di un rapimento (Tengoku to jigoku)
Regia: Akira Kurosawa
Sceneggiatura: Eijirô Hisaita, Ryuzo Kikushima, Akira Kurosawa, Hideo Oguni
Fotografia: Asakazu Nakai, Takao Saitô
Interpreti: Toshirô Mifune, Tatsuya Nakadai, Kyôto Kagawa, Tatsuya Mihashi, Isao Kimura, Kenjiro Ishiyama, Takeshi Kato, Takashi Shimura, Jun Tazaki, Nobuo Nakamura, Yusûke Itô, Tsutomu Yamakazi, Minoru Chiaki, Hiroshi Unayama, Eijirô Tono, Masao Shimizu, Yutaka Sada, Koji Mitsui
Nazionalità: Giappone, 1963
Durata: 1h. 44'

Ispirato al romanzo "Due colpi in uno" di Ed McBain, "Anatomia di un rapimento" è certamente tra i titoli meno importanti della fimografia di Akira Kurosawa ma non per questo è da considerarsi un film minore. Si tratta sì di una pellicola perfettamente inserita negli stilemi del genere poliziesco, ma la realizzazione è di gran livello - com'è giusto aspettarsi dal Maestro giapponese - e la riflessione sul Male e sul Destino degli uomini, così come sui rapporti tra vittima e carnefice, è tutt'altro che banale.

Gondo è un industriale delle calzature che sta per acquistare il pacchetto di maggioranza della National Shoes. Per farlo ha però dovuto ipotecare la casa, comunque sicuro della buona riuscita dell'affare. Pochi momenti prima che il suo segretario parta per Osaka con l'assegno per conlcudere la trattiva, una telefonata avvisa Gondo che suo figlio è stato rapito. Passano pochi minuti, però, prima che tutti si rendano conto che il bambino rapito non è il figlio di Gondo ma il figlio del suo autista. Pagare i 50 milioni di Yen del riscatto vorrebbe dire la rovina di Gondo, non pagare significherebbe la morte del bambino..

Qui si fermano le somiglianze tra il film di Kurosawa e il libro da cui è tratto. Se McBain mette in primo piano il mito del denaro e l'arrivismo professionale, Kurosawa si concentra sull'odio di classe e l'impossibilità di sfuggire alla propria vita. Dovendo anche adattare la trama e i personaggi alla società giapponese, Kurosawa si allontana da McBain e racconta una storia del tutto inedita nella seconda parte del suo film. A differenza di quanto accade nei classici gialli made in USA, Kurosawa indaga la psicologia del buono come quella del cattivo, col risultato di rendere più vivi i personaggi e più efficaci i fili invisibili che li legano l'uno all'altro.

Tutta la prima mezz'ora del film è ambientata all'interno della casa di Gondo (in realtà la versione italiana è tagliata della sequenza iniziale con una riunione dirigenziale della società di Gondo), ma la narrazione procede sempre veloce grazie al ritmo dei dialoghi e in perfetta contrapposizione alla regia statica voluta da Kurosawa, che bandisce il contatto fisico tra gli attori e sfrutta tra l'altro i personaggi secondari per inserire qualche tocco di umorismo.Nella seconda parte del film, il personaggio di Toshiro Mifune sparisce dallo schermo lasciando spazio alle indagini della polizia, sottolineate da una messinscena più complessa e sequenze di gran classe registica. In particolare, il quartiere dei drogati e la visita notturna alla casa sulla collina con "O Sole Mio" in sottofondo, che precedono un faccia a faccia finale ottimamente scritto e dal grande impatto emotivo. (Testo e immagini tratti da Cinefile.biz)

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Tags: non solo italia

Il Disprezzo (1963)

cinemaohcinema — Sat, 07 Jul 2007 08:44:37 +0200

Titolo Originale Le Mépris
Paese Francia Italia
Anno 1963
Durata 105’
Colore
Genere Drammatico
Sceneggiatura Jean-Luc Godard
Regia Jean-Luc Godard
Fotografia Raoul Coutard
Montaggio Agnes Guillemot, Lila Lakshmanan
Musica Geroges Delerue
Cast Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Jack Palance, Fritz Lang, Georgia Moll
Produzione Georges de Beauregard, Carlo Ponti, Joseph E. Levine

L'attraente moglie francese di uno sceneggiatore italiano disprezza il marito, troppo arrendevole ai compromessi con il produttore americano che l'ha scritturato per salvare un film diretto da un regista tedesco, Fritz Lang. Tratto dal romanzo (1954) di Alberto Moravia e maciullato nell'edizione italiana dal produttore Carlo Ponti, è un film imperniato sul rapporto classicità-modernità. Godard stravolge Moravia, criticandolo. Il suo talento lampeggia e s'impone, nonostante i tagli. (Il Morandini)

Non ci stupisce affatto la diatriba sorta fra Jean-Luc Godard e Carlo Ponti a proposito del film Il disprezzo, tratto dal romanzo di Alberto Moravia. C’era da aspettarsi che una simile collaborazione finisse in carta bollata. Nel mettere in cantiere un film con Brigitte Bardot, Ponti pensava evidentemente a un prodotto di un determinato livello tecnico e spettacolare. Nella sua alchimia produttiva il nome di Godard era come l’angostura in un cocktail: il produttore avrebbe voluto un pizzico, ma uno soltanto, della spregiudicatezza tipo “Cahiers”, tanto per dare al suo film un sapore più aggiornato. Godard ha accettato cercando di rovesciare le posizioni a proprio favore. Per riuscire in una simile impresa bisognava essere molto furbi e pazienti. Godard è sornione, impaziente e discontinuo: gli sono riusciti felicemente, finora, solo i film fatti tutti d’un fiato, sul filo di un’ispirazione precisa. Vedendo Il disprezzo si ha invece l’impressione che il regista non abbia mai deciso se amare o detestare il proprio film. Il complesso del produttore e la presenza di una vedette come la Bardot pesano sulle spalle del regista. Il romanzo di Moravia (benché lo scrittore, cavallerescamente, si dichiari soddisfatto) è deformato in un’interpretazione arbitraria, dove l’apatica e misteriosa Emilia diventa la nevrotica Brigitte dei rotocalchi, l’italianissimo produttore Battista si trasforma in un assurdo e cosmopolita Jack Palance (e dire che Godard aveva a portata di mano il modello per il suo personaggio), il regista tedesco Rheingold diventa Fritz Lang che impersona malamente Fritz Lang riprova che la verità non è sempre fotogenica né significante di per sé. Quanto al protagonista Riccardo Molteni, non è più l’intellettuale che affonda nella palude cinematografica perdendo addirittura il rispetto della moglie, ma la caricatura dello snob parigino degli anni Sessanta ricalcato sui mito del gangster cinematografico. Cappello in testa, sigaro fra le labbra, cuore di collegiale sotto una dura scorza di presunzione e di brutte maniere, Michel Piccoli è un abbozzo di autoritratto che Godard si diverte a schizzare. Però il regista è troppo malsicuro di sé per arrivare all’auto-critica. E la Bardot? Godard la presenta seduta al gabinetto sdraiata bocconi con l’unica copertura di un romanzo della “Série noire” aperto sul sedere; in molte scene si drappeggia in un accappatoio, che finisce per gettare fra le mani di Piccoli quando tronca brutalmente le diverse fasi del loro eterno litigio. Non si capisce se Godard abbia voluto prendere in giro Vadim o semplicemente adottare i suoi metodi. Certo riconosciamo il regista di Fino all’ultimo respiro nella scena in cui Brigitte sgrana, con freddezza e candore simulatissimi, una serie di parolacce. In questo gioco c’è qualcosa di autenticamente spudorato che manca nella rassegna dei nudi. E tuttavia ci appare chiaro, in ogni momento, che Godard cerca il tono giusto senza trovarlo. Il suo estro ci fa pensare a Gide, quando scriveva di Stendhal “Ciò che crea la vivacità del suo stile è il fatto di non attendere di formare tutta la frase in mente per scriverla... Sembra sempre che sorprenda il suo pensiero alzandosi dal letto, prima di fare toilette”. Questo è ciò che incanta nelle sequenze migliori di Godard ed è un atteggiamento che i francesi hanno ereditato dal loro idolo Rossellini (basta vedere come occhieggiano i manifesti di Viaggio in Italia in diversi film della nouvelle vague, incluso Il disprezzo). Ma Rossellini, che è un cineasta fuori classe e rientra nella categoria degli inventori, non poteva insegnare ai suoi allievi ciò che egli stesso non possiede: la capacità di maturare un’idea anche al di là della prima folgorante intuizione, il piacere di sostenere l’ispirazione con un assiduo lavoro di approfondimento. Se i francesi non si decideranno a imparare qualcosa anche da Flaubert, per il quale ogni riga era una sofferenza e una prova di forza, continueranno a darci alternativamente emozioni e delusioni inspiegabili.
(Tullio Kezich, Il cinema degli anni sessanta, 1962-1966, Edizioni Il Formichiere)

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Tags: non solo italia