L'hype di Chimy:
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L'hype di Chimy:
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Sergej Ejzenstejn, uno dei più grandi teorici (e non solo registi) della storia del cinema, ha sviluppato importanti riflessioni sull’uso del colore sul grande schermo in un senso prettamente “culturale”: queste sue riflessioni possono anche collegarsi direttamente al film protagonista di questa recensione.
I colori, per Ejzenstejn, hanno un significato sempre culturale e mai assoluto: esprimono qualcosa all’interno di una determinata tradizione.
Il bianco ha, sempre tradizionalmente parlando, nella nostra cultura (a differenza della tradizione orientale dove il bianco è il colore del lutto) una natura positiva. Ejzenstejn segue questa linea nel suo film Il vecchio e il nuovo; ma invece in Aleksandr Nevskij lo usa in termini antitetici.
Il bianco positivo viene usato in contrapposizione, nel film del 1938, per rappresentare invece la crudeltà dei cavalieri teutonici, simboleggiati proprio dai lunghi mantelli bianchi; un espediente simile usato per Moby Dick, la grande balena bianca, da Melville nel suo celebre romanzo.
Michael Haneke nel suo ultimo film Il nastro bianco sembra riprendere questa tradizione culturale. Il (nastro) bianco caratterizza i bambini del villaggio come esseri puri, immacolati, incapaci di qualsiasi forma di “sporcizia morale”.
In realtà proprio dentro di loro vi è la forma di sporcizia peggiore: il germe della violenza e del nazismo che verrà.
Il nastro bianco sembra quasi un trattato filosofico: Haneke (come sempre) mostra pochissimo e lascia intendere molto sulla società, in divenire, che vuole rappresentare.
La grande ambizione contenutistica del film viene accompagnata da una fotografia memorabile: raggelante, magniloquente, solenne.
Un bianco e nero splendido unito a una regia sempre precisa fin nei minimi movimenti rendono Il nastro bianco un film esteticamente perfetto. Probabilmente ad un livello mai raggiunto prima dal geniale regista nato a Monaco di Baviera.
La freddezza estrema della fotografia, e del film in generale, crea però anche una sorta di barriera nei confronti di uno spettatore che fatica ad entrare fino in fondo nella vicenda.
Un film esteticamente perfetto, ma molto distaccato a causa anche di un uso eccessivo della voce narrante e pieno di una freddezza che, seppur voluta, non permette agli spettatori di “partecipare al film” come avveniva invece in Funny Games o in Niente da nascondere. Qui non vi è spazio per “giochi divertenti” da fare con il pubblico in sala, l’opera rimane sempre ben distante da loro.
Anche l’inquietudine per quello che (non) stiamo vedendo raggiunge lo stomaco del pubblico soltanto raramente; rimaniamo a bocca aperta più per delle immagini magnifiche che per la scoperta che dietro i visi candidi di quei bambini si nascondano le prime perversioni che in futuro cambieranno in negativo la Storia.
Un’opera comunque necessaria. Formalmente perfetta e piena di quella purezza cinematografica che soltanto il bianco (e il nero?) può regalarci.
Chimy
Voto Chimy: 3/4Pubblicato da parachimy | Commenti (17)
Partiamo dalla fine. Heath Ledger è venuto a mancare prima della fine delle riprese, come tutti sappiamo, Gilliam e soci sono riusciti a ideare una trovata particolarissima per far proseguire ugualmente il film: Johnny Depp, Jude Law e Colin Farrell si sono alternati nella sua parte.
I problemi dovuti a questo cambiamento “in corsa” ci sono e si sentono all’interno della visione di Parnassus, ma soltanto nella conclusione (la parte con Colin Farrell): i difetti di una sceneggiatura che, anche se in piccola parte, è stata cambiata e i “vuoti” di un film che è stato interrotto e poi ripreso vanno ad accumularsi in una parte finale che risulta certamente sgangherata e sconclusionata.
Queste “incertezze”, oltre a essere più che giustificate da quello che è successo, riescono però ad andare completamente in secondo piano al termine della visione, perché Parnassus, prima della citata ultima parte, ha fatto vedere cose davvero egregie, trasmettendo agli spettatori un vero e proprio tourbillon di fantasmagoriche esperienze visive che potevano nascere soltanto dalla mente geniale di Terry Gilliam.
Il regista di Brazil ha realizzato con Parnassus una delle opere più personali di tutta la sua carriera: un insieme di tematiche e di tecniche registiche che hanno caratterizzato tutta la sua vita artistica. L’importanza della fantasia, del raccontare, dello sperimentare, sono motivi che vengono sviluppati nel film non soltanto dalle immagini, ma anche dalle parole pronunciate dai protagonisti.
I mondi che si celano dietro allo specchio magico di Parnassus hanno permesso a Gilliam di sbizzarrirsi dando libero sfogo alla sua fantasia che non è forse mai stata così positivamente senza freni.
Parnassus è per Gilliam quello che era stato per Tim Burton La fabbrica di cioccolato: le stanze/gli spazi si trasformano per i due in luoghi mentali dove la loro forza visionaria può uscire completamente senza dover più seguire alcuna logica razionale.
Parnassus, in senso più che positivo, è la masturbazione totale di Terry Gilliam.
A rendere però ancor più meravigliosi questi suoi mondi mentali trasposti sullo schermo un grande merito lo hanno anche gli attori di un cast davvero in stato di grazia: da Tom Waits a Christopher Plummer, da una bellissima Lily Cole a, soprattutto, un bravissimo Heath Ledger che, anche a costo di sembrare retorico, con una grande interpretazione, in un ruolo abbastanza inedito per lui, ci fa rimpiangere ancora di più la sua prematura scomparsa.
Se siamo partiti dalla fine nel mondo capovolto di Terry Gilliam è ora giusto concludere con l’inizio: forse la scena più bella del film, con l’arrivo dello spettacolo antico del Dr.Parnassus nella modernità della Londra contemporanea, fuori da una discoteca, luogo del divertimento superficiale dell’oggi, opposto proprio a quell’universo che mettono in scena i protagonisti del film.
Quando, qui, per la prima volta un ragazzo viene gettato oltre lo specchio, non possiamo che rimanere anche noi completamente affascinati dall’ingresso in quel bosco che pare di cartapesta, da quella meduse giganti e da tutti gli altri mondi che stanno all’interno del baraccone fantastico dell’immaginario del Dr.Gilliam. Perché naturalmente Parnassus è lui (e viceversa) e lo è da tutta la carriera.
Chimy
Voto Chimy: 3/4
Sarà il periodo, ma il cinema di oggi sembra volerci parlare, sempre più, di come il passato sia meglio del presente. E Parnassus non fa eccezione: Gilliam porta, palesemente, una realtà passata (lo spettacolo del Dr Parnassus, che è però finzione), all’interno della società presente. Una realtà passata che rappresenta la voglia di raccontare storie in un mondo dove di storie non se ne sente più il bisogno. Ma Parnassus non racconta la storia che deve sorreggere il mondo, bensì lascia che le storie vengano raccontate dai suoi pazienti, dalla loro stessa immaginazione, all’interno del suo specchio magico. Come non vedere in quello specchio uno schermo e nel Dr Parnassus un regista che mette in scena i pensieri altrui?
Ma Parnassus è, in quanto film, la messa in scena del pensiero (della storia) di Gilliam, arricchito o impoverito dalle vicissitudini produttive. Forse se ci fosse stato soltanto Heath Ledger il film sarebbe stato migliore, specie nell’ultima parte, ma non si può negare che il cambio di attori sembra una scelta precisa e coerente col personaggio di Antony Shepherd.
Forse il film vacilla un po’, è altalenante e, per assurdo, proprio nelle parti immaginifiche, la regia di Gilliam sembra farsi da parte rispetto alle affascinanti scenografie virtuali. Nelle parti cittadine, invece, come di consueto, Gilliam pone al centro la superiorità dei suoi personaggi, la superiorità del loro esser fuori luogo, eccentrici, strani, rispetto al mondo in cui si muovono (e rispetto allo spettatore), attraverso il ricorrente uso di contro plongée ormai inconfondibili.
Certamente non il miglior Gilliam, ma comunque una buona prova di cinema come somma di narrazione, fantasia, stupore e tecnica al servizio dell’immaginazione che, come ci ha abituato Gilliam, è davvero, sempre, senza confini.
Para
Voto Para: 3/4Pubblicato da parachimy | Commenti (16)
Up inizia con un cinegiornale, rendendo immediatamente palese quale sia uno dei suoi obiettivi: la rievocazione del passato.
Sia il film che il suo protagonista cercano di rievocare il passato, il secondo attraverso la concretizzazione di un sogno, il primo (il film) attraverso il riutilizzo di elementi (che appaiono cronologicamente) quali il cinegiornale, il cinema muto, il genere dell’avventura, la narrazione Disney.
Così la Pixar dimostra nuovamente come il discorso fondante del suo (ultimo) cinema sia la dialettica tra il cinema come storia (o come fenomeno spettatoriale) e la storia della narrazione. In Ratatouille era l’omonimo piatto a rappresentare il cinema, attraverso il critico-spettatore Anton Ego; in Wall-e era lo stesso robottino a rappresentare un cinema del passato come una tradizione da perseverare e proteggere come si dovrebbe fare con la nostra terra; e ora con Up è il film stesso a divenire un discorso sull’emozione dell’essere spettatori (e uomini).
Up si dipana con un discorso inverso a quello che viene intavolato nei primi 15-20 meravigliosi minuti di puro cinema, non solo muto (perché senza dialoghi), ma audiovisivo (perché fondamentale è la musica). In questa sequenza è efficacemente raccontata, dopo un breve incipit canonico e con dialoghi, la vita di una coppia dall’infanzia fino alla vecchiaia, condita di momenti felici e infelici, della gioia della speranza e del dolore della delusione (di non avere figli, di non poter tramandare e rivivere nella propria casa la gioia dell’infanzia). Questi primi minuti, come la parte fino alla “condanna” della casa di riposo per Carl, sono palesemente indirizzati ad un pubblico adulto, capace di metabolizzare e percepire l’emozione che significa vivere.
Pete Docter accelera la vita, toccando svariati punti, per portare lo spettatore, con il protagonista, a considerare e considerarsi rapidamente attaccati ad una situazione senza via di scampo (ma che verrà ribaltata, essendo cinema). Dalla partenza di Carl con la sua casa volante, invece, si regredisce verso l’infanzia, e da lì il film diventa un’avventura, anche disneyana, per tutti e per i bambini, che si immedesimano nel cinesino (un vecchio e un cinese, in un film anche sulle generazioni, non vi ricorda niente?), che si divertono coi cani parlanti (che parlano attraverso un mezzo, il collare, che è anche un ulteriore sottoriflesso del mezzo cinema, che rendere possibile l’impossibile, e che rievoca i ricordi, i sogni e le speranze, cioè quello che cerca di fare il protagonista) e che godono dell’happy ending, dopo le pregevoli sequenze d’azione e di divertimento. Così se la prima parte del film parla delle radici, che sono rappresentate dalla casa, la seconda parla del germoglio di quelle radici, rappresentate dalla leggera innocenza del palloncino, simbolo infantile, che può sradicare le radici e farle librare nel cielo, fino a render vivo il sogno d’infanzia. E il cielo diventa il tunnel spazio temporale per tornare indietro, attraverso una simbolica macchina del tempo (dei ricordi) volante. E il finale è l’unione materiale dell’anziano che ha potuto render vivo un sogno, e del bambino a cui va consegnato un testimone, una spilletta di latta, che è il passaggio del testimone della capacità di sperare, sognare, e vivere.
Nuovamente, la Pixar (che è diventata una firma, quasi indipendentemente da quale sia il regista di turno), è riuscita a fare propaganda (dopo quella morale di Wall-e) d’emozioni. E se qualcuno potrebbe dire Miyazaki, per il volo, per l’infanzia e per la speranza, forse si potrebbe soltanto dire che l’arte è nell’aria e ogni tanto, a qualcuno, capita di respirane un po’ a pieni polmoni.
Para
Voto Para: 3,5/4
Up: un titolo che diventa una particolare metafora della Pixar che ogni anno che passa riesce a salire sempre più su. È ormai impossibile riuscire a trovare ogni anno delle parole adatte a descrivere le meraviglie che ci troviamo davanti agli occhi quando bisogna recensire le nuove opere della Casa. Tutto era iniziato (nel campo dei lungometraggi) con Toy Story e le sue innovazioni, e lì si ritornerà l’anno prossimo con il già attesissimo Toy Story 3, per poi passare allo splendido A Bug’s Life e a una serie di altri film indimenticabili per grandi e piccini.
Forse la grande svolta è arrivata due anni fa, quando con il grandioso Ratatouille si iniziava un ragionamento sulla regia (a ricreare movimenti, e bellissimi, di una normale macchina da presa) che proseguì nel 2008 con il potentissimo Wall-E. La Pixar però non sembra fermarsi davvero mai, e il primo decennio del secondo secolo di vita del cinema (che ha visto la Pixar grandissima protagonista) si chiude con un film che forse riesce ad andare ancora più su (e, insieme a questo, una menzione speciale va al corto introduttivo Parzialmente nuvoloso che è un’ennesima meraviglia).
Up, un film con una forza narrativa talmente immensa che ci porta quasi a non accorgerci di una tecnica d’animazione sempre più avanzata, di una perfetta tempistica dei tagli di montaggio e di un uso del 3d mai invasivo ma estremamente efficace e avanzato.
Up è una poesia, le cui rime e i cui versi sono tracciati dal volo leggiadro di un palloncino. Up è un sogno: il sogno di una vita, il raggiungimento delle cascate Paradiso dove Carl ed Ellie avevano sempre voluto andare.
Up è un’avventura: la natura selvaggia, gli animali esotici, il volo verso luoghi sconosciuti, che da piccoli si potevano vedere soltanto al cinegiornale.
Up è una riflessione: sulla vecchiaia, sull’umanità stessa, sull’amore.
Up è il Cinema: in una delle sequenze più straordinarie del decennio, Pete Docter (già regista di Monsters & Co.) ci regala in pochissimi minuti la storia che hanno vissuto per tutta la vita Carl ed Ellie, dall’infanzia alla morte di lei. E qui, guardando il film, anche i più piccoli ci perdoneranno se non saremo in grado di spiegarli subito che quella donna anziana che fa fatica a scalare una collina era la bambina scatenata che c’era qualche secondo prima sullo schermo; ci perdoneranno vedendo che i nostri occhi, già estasiati di fronte alle meraviglia che stiamo ammirando, stanno davvero faticando a cercare di trattenere alcune lacrime.
Chimy
Voto Chimy: 3,5/4
Pubblicato da parachimy | Commenti (14)
La recensione del Para:
Da sempre l’incubo ricopre una posizione di assoluta rilevanza nella narrazione fantastica, specie nell’ambito della cinematografia horror.
Rob Zombie incentra il suo Halloween 2, seconda fase del progetto di riproposizione dello storico Halloween carpenteriano, attorno al sogno e all’incubo. E procede percorrendo due strade parallele.
Per il serial killer Michael Myers tutto ha inizio da un sogno, per lui magnifico, della propria madre, vestita di bianco, che accompagna un cavallo bianco percorrere un corridoio, anch’esso bianco. Questo sogno, che spesso diventa una visione, spinge Micheal a muoversi alla ricerca della sorella, per riunire la famiglia.
Se Micheal è spinto da un sogno meraviglioso, Micheal è portatore, all’opposto, di incubi. Onirici per la sorella, inconsapevole di essere legata carnalmente al carnefice che le tortura l’animo (e che l’ha perseguitata nel precedente film), ma reali per tutte le vittime del killer.
Curioso come Micheal Myers rappresenti l’incubo in carne ed ossa che si presenta nel massimo della propria ira la notte di Halloween, notte di veglia per eccellenza. Così, se l’incubo non può compiersi, in quanto ancora svegli, è necessario che di questo se ne occupi direttamente Myers.
Così il film si apre con la spiegazione del sogno di Micheal, con il raccordo al precedente film, e continua con un incubo che noi spettatori crediamo far parte dell’azione lineare del film. Questo incubo rappresenta una routine per la protagonista, i cui incubi si faranno progressivamente più nitidi e visionari, come a coincidere con l’avvicinamento del fratello, fino a diventare visioni materiali. E la frammentarietà del sogno e dell’incubo, si unisce la frammentarietà del raccordo tra le sequenze, realizzato con frammenti in flash forward.
Così il sogno di Micheal, tinto di candido bianco, diventa l’innesco dell’incubo per le sue vittime. Un cavallo bianco, il simbolo, e la madre, la figura, dell’innocenza, diventano in realtà simbolo e figura dell’incubo, il cavallo nella mitologia, e la madre nella psiche del killer.
Però, purtroppo, Halloween 2, nonostante il discorso, interessante e complesso che lo contraddistingue, ha i suoi problemi. Omicidi e tensioni sono palesemente collanti di una sceneggiatura non solida, con cui, oltre che contraddistinguere la pellicola nel suo genere, fare in modo di raggiungere in novanta minuti il bel finale.
Halloween 2, quindi, è un film che fa il suo discreto lavoro, e che ha la fortuna di contenere, come ci ha abituato Rob Zombie, un discorso, anche teorico, che riguarda sia il genere horror che il film stesso.
Non un gran film, ma almeno non è vuoto.
Para
Voto Para: 2,5/4
Pubblicato da parachimy | Commenti (2)
È la seconda volta, consecutiva, che la distribuzione italiana rovina il senso di un film di Ang Lee. Il precedente Lussuria toglieva al titolo originale (Lust, Caution!) quel geniale riferimento/presa in giro alla censura cinese che avrebbe presto cercato in ogni modo di fermare un’opera “tanto scandalosa”; ora abbiamo un titolo insipido come Motel Woodstock al posto dell’originale Taking Woodstock, tratto dal libro di Elliott Tiber e Tom Monte, i cui significati si possono comprendere soltanto a visione ultimata. Quella presa di Woodstock che è esattamente quello che Ang Lee vuole raccontare: il suo ultimo film non ci mostra infatti praticamente mai il celebre concerto, nè i cantanti che hanno preso parte all’evento; il regista taiwanese si concentra invece su come Woodstock è stato possibile, su quello che è avvenuto prima del concerto e su come è stato preso quel terreno da un giovane, Elliott Tiber (interpretato da un sorprendente Demetri Martin che, seppur con poche espressioni, rende molto bene la sorpresa di un ragazzo che ha contribuito a realizzare senza rendersene conto un evento memorabile), e da un ristretto gruppo di persone che l’ha aiutato nel suo intento. Meno perfetto formalmente dei precedenti film di Ang Lee, Motel Woodstock parte col freno a mano tirato, ma col passare dei minuti riesce a diventare un’opera interessante e piacevole da seguire; soprattutto quando arriva a raccontare (anche) la presa di consapevolezza del protagonista del mondo che lo circonda, che va ben oltre le mura del Motel dei suoi genitori. I personaggi di Liev Schreiber e Imelda Staunton contribuiscono poi alla creazione di un’opera divertente e delicata, dove a diverse sequenze “innocue” si alternano anche alcuni momenti estremamente emozionanti. Primo fra tutti la conclusione di un "trip da acido" del protagonista, dove la folla dei presenti si trasforma in un oceano vero e proprio: un momento in cui lo stesso Elliott prende finalmente coscienza che il centro stesso dell’universo, per tre giorni del 1969, si trovava proprio davanti ai suoi occhi. A Woodstock.
Chimy
Voto Chimy: 2,5/4Pubblicato da parachimy | Commenti (13)
Ha cercato di fare il suo capolavoro assoluto Quentin Tarantino, ce lo annuncia ben due volte nel corso di Bastardi senza gloria (già una era troppa), ma senza riuscirci (forse) per poco.
C’era una volta...nella Francia occupata dai nazisti: questo è il titolo dell’eccelso primo capitolo del film, vetta dell’opera e in assoluto fra i momenti più importanti di tutto la filmografia tarantiniana e, più in generale, del cinema degli ultimi anni.
Il respiro del western si fa vivo, tangibile, udibile, trasportato da motociclette tedesche che si sostituiscono ai cavalli americani; nella Francia del 1944 la minaccia non è più lo sputo di Henry Fonda, ora vi è la pipa di Christoph Waltz.
Il respiro del western esce poi leggero al termine del capitolo, soffiato fuori dalla luce di una porta che ci inoltra nei sentieri selvaggi che dovrà attraversare la giovane ragazza ebrea sfuggita alla carneficina; speranzosa che forse prima o poi Ethan Edwards arriverà a salvare anche lei.
Il mescolamento dei generi, i cambi di registro, sono ancora oggetto di importantissime riflessioni per Tarantino; anche se si è attenti a fare un “pasticcio” per palati più fini e delicati rispetto al sublime minestrone, che tutto ingoia e tutto fa ingoiare, di Kill Bill.
Non possono mancare i riferimenti alla storia del cinema, le citazioni e gli omaggi dove fondamentale è soprattutto il Vogliamo vivere! di Ernst Lubitsch, per un film dove è il cinema stesso a vincere, cambiando la Storia.
Non solo cinema di guerra, non solo western, ma anche (come ha sottolineato anche il ConteNebbia) la commedia sofisticata degli anni ’30 con i suoi dialoghi lunghi e taglienti: ed è forse qui che sta uno dei (pochi) difetti del film.
Dialoghi che a volte risultano eccessivamente piatti, tolgono dinamicità alla narrazione (e all’azione) allungando forse troppo la durata della pellicola. Se magnifiche sono le conversazioni nella locanda, in altri momenti (il dialogo al ristorante fra Shosanna e Landa o fra quest’ultimo e Raine prima dell’esplosione finale, ad esempio) manca quell’uso “magnetico” della parola spontanea che era molto presente in Grindhouse-A prova di morte. Questo cambiamento nello stile dei “tempi” filmici del regista ci mostra però anche come Tarantino abbia sempre il coraggio di rinnovarsi, di cambiare il suo cinema risultando sempre incisivo ad ogni pellicola (pochi film fatti, ma tutti assolutamente degni).
Come l’inizio, straordinario è poi il finale dove il volto gigante dello schermo che brucia ingoia Hitler, la guerra e la Storia stessa; dimostrandoci ancora una volta come Tarantino sappia e abbia capito da tempo che il Cinema è l’arte cannibalica per eccellenza.
Chimy
Voto Chimy: 3/4
Non facile proseguire il discorso dopo la bellissima recensione del Chimy. Indi per cui non lo farò: scriverei o una sottospecie di analisi o quello che, più o meno, è stato detto da molti altri cinebloggers.
Il motivo principale di questa scelta, però, è che oggi ho purtroppo letto una cosa che mi condizionerebbe, e finirei per ripetere molti dei concetti lì espressi. Questa cosa è l’osservazione/analisi di David Bordwell su Inglorius Basterds. Prendete e leggetene tutti. Per una volta lasciamo le considerazioni agli altri e parliamo solo in stellette (3,5) e in aggettivi: bellissimo, esaltante, veloce (Tarantino si riconferma un orologiaio Svizzero, ritmo precisissimo e senza mai un calo).
Unica considerazione: Tarantino brucia il cinema non da dentro ma da dietro. Arrogante, ci dice di aver fatto un capolavoro e ancor più arrogante brucia, letteralmente, vecchie pellicole per farle rivivere nuove, nel suo cinema. Brucia il cinema ma il cinema non muore, continua, proiettato anche sul fumo che lo stesso cinema alimenta bruciando. Cinema Immortale.
Para
Voto Para: 3,5/4Pubblicato da parachimy | Commenti (25)
La recensione del Para de Il mio vicino Totoro è qui, su Paperstreet!
Pubblicato da parachimy | Commenti (2)