e poi dritto fino al mattino!

IL RESTO DELLA NOTTE di Francesco Munzi

Fredric — Sun, 29 Jun 2008 15:56:13 +0200

Il film racconta dell’Italia di un benessere malato, un benessere (mal)vissuto con la paura che qualcuno lo porti via.
Non la paura di una crisi finanziaria ma, più sottile, la paura dell'Altro, di chi non possiede, di chi non si rassegna più alle fatiche del lavoro e sogna crudelmente il proprio posto al sole.
Questa crescente ossessione per la sicurezza, oggi diffusa tra gli italiani, dice più cose di tante inchieste, e trova nel Nord l'ideale teatro d'azione. Storie intrecciate di alti borghesi con tanto di villa e piscina, e di emigranti e drogati, che occupano lerci appartamenti di ringhiera. Non c'è poi tanta differenza di fondo. Tutti cercano sicurezza sia pure percorrendo itinerari opposti. Tutti hanno i loro torti. Senza distinzione. E la paura dell'altro si somma alla paura di se stessi, sino alla inevitabile tragedia.
Ben recitato, senza sbavature, fatto di racconti che corrono da soli, ma sono strettamente intrecciati, Il resto della notte è un film asciutto e niente affatto manicheo. Non ci sono buoni e cattivi, vittime e carnefici, e non c'è nemmeno il solito attacco moralistico contro la ricchezza che produce egoismo, il borghese affamatore, la corrotta società dei consumi... C'è, più in generale, un senso di disillusione, la consapevolezza di una perdita dell'innocenza, la sensazione di vivere in un perenne stato di assedio, dove quando il nemico non arriva dall'esterno è dentro di te, alimenta le tue inquietudini, ti porta a chiedere dove e cosa hai sbagliato... Gli attori sono tutti convincenti, immersi nella gelida luce di un Nord stanco, che aspetta la salvezza, ma intanto ha perso la gioia e la speranza.

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MARADONA di Emir Kusturica

Fredric — Wed, 25 Jun 2008 23:34:28 +0200

Senza essere apologia, questo film è un tributo, un atto di amore di un artista straordinario a una figura irripetibile del nostro tempo. È un film ai limiti dell’agiografia di un contro-santo che è di per sé interessante.
L' autore cita Borges, Falstaff, e dà al suo attore, che adora De Niro, la patente di rivoluzionario a tempo pieno, con il Che tatuato sul braccio, vedendolo uscito da un film di Leone o Peckinpah: ma sarebbe stata icona ideale di cultura pop se Warhol l' avesse conosciuto. Maradona parla, proclama, delira, impreca, accusa alla Beppe Grillo tutti i politici di essere corrotti.
Si percorre la vita di Dieguito con l'onestà intellettuale che hanno entrambi e il campione è duro con i suoi nemici come lo è con se stesso. Il resto è splendido contorno: il montaggio di tanti gol, sopraffino, sottolineato dai Sex Pistols; l'animazione che sottolinea le continue ripetizioni del "gol del secolo" contro l'Inghilterra- "con quello e il gol di mano ho vendicato le Malvinas"- che prende in giro, alternativamente, Thatcher, Blair, i reali d'Inghilterra, Bush e Reagan. Kusturica scopre ed inquadra un Maradona anche politico. ‘Un rivoluzionario’ lo definisce. E non ha torto. Il carisma di Diego si percepisce a pelle anche se lui non ha mai accettato di entrare in politica perché “non voglio rubare i soldi alla gente”. Niente politica quindi. Ma non è del tutto vero. Maradona usa la sua immagine per esaltare Fidel Castro, Che Guevara e per andare contro Bush, con tanto di maglietta Bush War Criminal, contro Carlo d’Inghilterra e contro tutti quelli che hanno “le mani insanguinate”.Manu Chao che fa una serenata personale a Maradona con la canzone che ha scritto per lui, La vida es una tombola, la seconda dopo Santa Maradona. "Pensate che gran giocatore- dice ironicamente- sarei stato senza la cocaina". Non giocava a calcio, era, ed è, ha ancora il tocco di un tempo, un artista, il migliore. Diego Armando Maradona dalle favelas di Villa Fiorito, Buenos Aires, è un uomo vero, divino nei piedi, umanissimo nel cuore e nel cervello, uno che ha sempre aiutato solo gli altri finendo per non aiutare se stesso. E se c'è chi lo considera Dio- Emir lo chiama Mr. God, nel film vediamo che esiste una chiesa maradoniana di fanatici- non è colpa sua. E’ solo che ha dato gioia, passione, amore a milioni di persone, rimanendone infine schiacciato.

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IL TRENO PER DARJEELING di Wes Anderson

Fredric — Sat, 24 May 2008 10:19:08 +0200

The Darjeeling Limited

On the road ferroviario che tra colori sovraccarichi e musiche irresistibili perfeziona il coté visionario della sua vocazione marxista (nel senso di Groucho). A bordo di un pittoresco convoglio slanciato verso il deserto del Rajasthan, con set di valigie firmate al seguito e il rutilante caleidoscopio di storia e leggenda, miseria e bellezza, armonia e anarchia proposto da un continente così vicino/così lontano dai propri e noti cliché. Le stralunate atmosfere elegiache e le assurde disavventure comiche - dalle peripezie sul treno in stile «Una notte all'opera» allo scontro fisico, emotivo e culturale provocato dagli effimeri contatti con le tradizioni locali - non annullano l'insinuante malinconia sprigionata dall'attesa ma alquanto improbabile «crescita spirituale». Grazie anche alla stupenda canzone «Where do you go to» di Peter Sarstedt, il tono estroso, sincopato e struggente prefigura al meglio il ritmo disconnesso e la poetica finto naif di un film forse per intenditori, da non perdere.

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BIÙTIFUL CAUNTRI di Esmeralda Calabria, Andrea D'Ambrosio, Peppe Ruggiero

Fredric — Sat, 26 Apr 2008 12:01:07 +0200

“I rifiuti in Campania sono una metafora della pattumiera politica, culturale e sociale che è diventato il Paese“
questo il commento di D’Ambrosio a proposito di “Biutiful Cauntri”
L'11 febbraio 1994 la nomina di un commissario governativo decreta una "emergenza rifiuti" della durata prevista di dieci mesi. Sono trascorsi 14 anni e di commissari se ne sono alternati ma lo stato di emergenza è rimasto. Si è anzi aggravato come le cronache ci ricordano ogni giorno.
Biùtifil cauntri è un grande storia di impegno civile sostenuta da una poetica originale e racconta di un territorio umano e geografico lasciato a sé stesso. A venticinque chilometri da Napoli, nei comuni di Giuliano, Qualiano, Acerra e Villaricca, il gregge pascola prima di essere abbattuto e gli agnelli, uccisi dalla diossina, si decompongono come fiori sui prati. Questo è l’incipit.
Le fuoriuscite del cobalto dalla fabbrica di Montefibre hanno contaminato fragole e pomodori, le discariche abusive e i chilometri di spazzatura e sacchetti hanno avvelenato pecore e bufale, quelle del pregiato latte bufalino che diventa mozzarella “elastica e resistente al primo morso“.
Gli agricoltori e i pastori campani sono soli contro le sopraffazioni e la ricerca del profitto, contro i trafficanti di rifiuti e la camorra casertana, contro le connivenze tra imprenditoria e politici, contro l’assenza dei controlli e l’arroganza dei poteri forti, contro il silenzio della stampa e la complicità degli organi statali. E le testimonianze non fanno che intensificare il malessere, il senso di impotenza e la denuncia forte nel voler vedere questa realtà forte come la verità, frutto di lunghi anni di malgoverno, di intrecci fra poteri forti (economici e politici) e camorra.
Raffaele Del Giudice, responsabile del circolo campano di Legambiente, ci accompagna nella zona di Acerra, Qualiano, Giugliano, Villaricca, tutti comuni vicino Napoli. Si pedinano gli scaricatori di rifiuti che ogni due o tre giorni arrivano con i camion. I colpevoli facilmente individuabili attraverso le intercettazioni telefoniche: voci dall'accento del nord prendono contatti con altri dall'accento campano, ovvero gli industriali furboni azzerano i costi dello smaltimento con le organizzazioni camorristiche che aggiungono al loro portfolio miliardario, accanto a droga e prostituzione, anche i rifiuti tossici. Un nome emerge tra i responsabili, la Fibe Impregilo, vincitrice di gara d'appalto nel 2000 accusata di «truffa e frode in pubbliche forniture».Quello che non ci dice mai la televisione, pur con i suoi continui servizi che aggiungono ulteriore immondizia mediatica, ce lo può dare il cinema.
Sullo sfondo di una camorra imprenditrice che usa camion e pale meccaniche al posto delle pistole. Una camorra dai colletti bianchi, imprenditori deviati ed istituzioni colluse, sono questi i meccanismi di un'attività violenta che sta provocando più morti, lente nel tempo, di qualsiasi altro fenomeno criminale.

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IL VENTO FA IL SUO GIRO di Giorgio Diritti

Fredric — Tue, 22 Apr 2008 08:46:05 +0200

Il film racconta in tre lingue (italiano, occitano, francese) il difficile trasloco, morale e materiale, di un pastore francese nel villaggio montano, valle occitana piemontese. Prima accettato e poi messo da parte, provocherà una serie di reazioni a catena che deturpano il paesaggio, la natura impedendo alla storia ogni deriva romantica o poetica, ma invece rendendola un crudele resoconto. Lo dice il titolo, le cose prima o poi ritornano; e in questo film, che usa un cast quasi tutto non professionista, c'è la sensazione di auscultare un mutamento biologico della gente che poi la tv si preoccuperà di ripresentare con piena falsità retorica. Nel film è centrale il tema del rapporto con il “diverso”. Si vogliono raccontare le dinamiche che si scatenano nell’incontro tra uno “straniero” e la comunità locale, come il piano dei rapporti tenda ad inclinarsi sempre di più, la fatica nel comprendere e superare, reciprocamente, le barriere culturali... non si è voluto stabilire chi avesse ragione e chi torto; ma semplicemente descrivere la storia di un incontro tra due “diversità. Nella maniera più trasparente e credibile possibile. Una storia che, pur prendendo spunto da fatti realmente accaduti, deve essere intesa in senso universale e non legata esclusivamente al contesto delle comunità montane. La cosa speciale di questo racconto è che non propone mai in modo semplicistico la dinamica tra conformismo e diversità. Non sventola facili slogan ecologisti o di ritorno alla natura. Della relazione dialettica tra il pastore francese e i suoi interlocutori/antagonisti indaga ogni piega: entrambi sono portatori di un'ideologia critica verso il modello di vita delle società ricche contemporanee. Ma il punto è che mentre gli uni hanno congelato quei valori in una difesa chiusa e conservatrice, l'altro li misura concretamente e faticosamente in una scelta di vita.

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QUATTRO MINUTI di Chris Kraus

Fredric — Tue, 11 Dec 2007 23:07:10 +0100

VIER MINUTEN
Quattro minuti di Chris Kraus è un film raffinato, intenso ed emozionante. È la storia dell'amicizia che nasce tra due donne: la vecchia maestra di piano che insegna nel carcere dal 1944 e una delle sue allieve, giovane detenuta esacerbata e ribelle, ex bambina prodigio dotata di grande talento musicale. Non è un'amicizia facile, tra le due diverse generazioni, classi sociali. La maestra considera indispensabili l'ordine, le buone maniere, il rispetto delle regole e l'amore per la musica classica. L'allieva ama la musica pop, è insofferente della disciplina, piena di rancore e spirito di rivolta.
Però l'amicizia nasce, rivela quale generazione sia davvero colpevole e quale innocente, aiuta l'allieva a partecipare a un concorso di piano e la maestra a essere solidale con lei, fa crescere l'affetto e il sentimento del perdono, permette di sopravvivere.
clip 1 - ita

clip 2 - ita

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DARATT di Mahamat-Saleh Haroun

Fredric — Tue, 06 Nov 2007 21:48:25 +0100

Daratt del ciadiano Mahamat-Saleh Haroun, Premio speciale della giuria a Venezia 2006. Coprodotto da Abderrahmane Sissako – altro nome di punta del cinema africano contemporaneo, presente alle JCC con il suo ultimo film Bamako – il film è stato inserito nell’ambito delle celebrazioni mozartiane per i 250 anni della nascita del compositore. Ed è straordinario constatare come il regista sia riuscito a creare un’opera personalissima e insieme una moderna riflessione sul tema del perdono e della riconciliazione, esplorato da Mozart in La clemenza di Tito. Un film pulito e semplice come una sonata mozartiana. Al suo terzo lungometraggio, Mahamat-Saleh Haroun dimostra di aver raggiunto una compiuta maturità stilistica, proseguendo il suo cammino lungo la strada di un cinema che riflette sullo stato delle società africane ma anche su come sia possibile parlarne, in maniera credibile e profonda, attraverso le immagini.
Un villaggio ai confini del deserto. Un inizio secco, arido, come lo sono le radici dell’odio e della vendetta. La macchina da presa pedina Atim, il protagonista, ma sempre a una certa distanza. In uno spazio-tempo che è quello sospeso dell’attesa e del dubbio, ogni inquadratura è aperta alle possibilità: una busta di plastica trascinata dal vento come un incontro fortuito con un amico improvvisato o con un militare sul quale sfogare la propria rabbia. Inquadratura dopo inquadratura, Haroun crea uno spazio interiore, asciutto anche sul piano sonoro: musica quasi assente, dialoghi essenziali. Il percorso di Atim è lineare, ma non facile: come uccidere un uomo dopo averlo conosciuto, dopo aver lavorato con lui, dopo aver conosciuto la moglie ed esserne diventato quasi un figlio adottivo?
Haroun mette in scena questo impossibile avvicinamento con un pudore e un equilibrio geniali: niente fronzoli o sottolineature, solo dei corpi in ascolto, alla ricerca di un modo di comunicare che riesca ad alleviare il dolore dell’esistenza e del ricordo. Atim è nato da una privazione ed ha di fronte a sé due uomini altrettanto menomati: il nonno è cieco, Nassara non può parlare. Il nonno cerca di vendicarsi attraverso il nipote, di vedere attraverso i suoi occhi, così come Nassara può parlare solo attraverso uno strumento esterno, meccanico. Atim diviene così, letteralmente e simbolicamente, il tramite attraverso cui entrambi gli uomini possono mettere fine alla spirale di violenza. Alla fine, all’ennesima richiesta di Nassara e di sua moglie di diventare loro figlio, Atim si decide e prende l’unica decisione possibile, che è anche quella del regista. Mettere in scena, simbolicamente, la vendetta e la violenza, per superarle definitivamente con un atto di catarsi collettivo. Cos’altro può essere il cinema? Il film di Haroun è esattamente questo. Un colpo di pistola nel vuoto. Il vento che accarezza il deserto. E, forse, una nuova vita.

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LA DUCHESSA DI LANGEAIS di Jacques Rivette

Fredric — Tue, 23 Oct 2007 23:34:35 +0200

ne touchez pas la hache

Passione, stile, rigore. Il tutto trasformato in arte dallo sguardo trasfigurante di un talento che non invecchia, benché ottantenne. Jacques Rivette ha catturato le sue prede e le ha chiuse in una splendida gabbia per oltre due ore, in cui le ha addestrate al gioco della seduzione che si fa pena d’amore sotto l’occhio vigile del suo nume tutelare Honoré de Balzac. Si parla de La Duchessa di Langeais, racconto dell’autore della Commedia umana, che Rivette ha fatto proprio per realizzare di Ne touchez pas la hache (in Italia ha ripreso il titolo della fonte letteraria) rimanendovi aderente con maniacalità in un film che è puro godimento per i sensi e l’intelletto. Vi si mettono in scena i sipari dell’amour fou tra Antoniette de Navarreins consorte del Duca di Langeais e il generale Armand de Montriveau. Un colpo di fulmine, che assume nei giorni le tinte di un paranoico gioco di seduzione, condotto rispettivamente prima dalla donna, poi dall’uomo. Gli ammiccamenti della Duchessa, civetta e mondana, catturano il militare che, umiliato dai costanti rifiuti della donna matura una vendetta psicologica che ricade fatalmente su entrambi. A nulla è valso l’avvertimento “Non toccare l’ascia” (ne touchez pas la hache). E mentre Armand respinge le lettere quotidiane di Antoniette, si assiste con empatia allo struggimento di lei, che diventa sofferenza e poi dolore insopportabile. Perché, si dice nel testo balzachiano, “una donna innamorata diventa ingenua”, vulnerabile fino alla distruzione. Per un errore del destino, troppo a lungo messo alla prova, i due amanti ancora virtuali non riescono a dar giustizia ai propri sentimenti e quando l’ultimo appuntamento a cui la straziata Duchessa invita Armand non viene da questi onorato, la donna saluta per sempre la vita mondana ritirandosi in clausura un convento spagnolo. L’uomo, disperato, la cerca e la trova. Ma è troppo tardi, almeno in questa vita. Gli interpreti Jeanne Balibar e Guillarme Depardieu, animano il crescendo di questo tormento dei sentimenti con scene da manuale, specie la Balibar, già vista in Va Savoir. Il giovane Depardieu, dal canto suo, offre l’immagine di un militare molto introverso e fin dall’inizio tormentato, dando prova di essere degno di “tanto” cognome. La vicenda, per come Rivette ha scelto di rappresentarla, ha il naturale sapore del dramma teatrale ma la presenza ad intervalli delle didascalie - tratte dal testo originale - offrono un tocco ironico sullo sfondo tragico. La cura dello stile è onnipresente: straordinario l’apparato scenografico ottenuto in location autentiche (palazzi francesi dell’epoca) ed illuminato dalla splendida fotografia del veterano e amico William Lubtchansky.

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LA GIUSTA DISTANZA di Carlo Mazzacurati

Fredric — Sat, 20 Oct 2007 22:22:09 +0200

“La giusta distanza” è quella che un giornalista dovrebbe saper tenere tra sé e la notizia: non troppo lontano da sembrare indifferente, ma nemmeno troppo vicino, perché l’emozione, a volte, ti può abbagliare.
Ci sono posti in cui il presente sembra arrivato solo in parte. Concadalbero, il paese immaginario, ma assolutamente plausibile in cui questa storia è ambientata, è esattamente questo, un microcosmo alla periferia della realtà.
Un luogo anonimo, misterioso, struggente, nell’"eterna" provincia padana, con foschie felliniane e trovate alla Calvino. I mutamenti, ma anche il senso di fissità e immobilità di questa terra, la sua vastità e la solitudine che evoca.Tutto intorno un nuvolo di personaggi di colore e di spessore.
Un teatro di posa all’aperto in cui si inventa un mondo. Il film ha il merito di saper leggere con grande acutezza (e senza pretese sociologiche) il rapporto tra “stanziali” di una comunità e gli "elementi estranei". Una pellicola che mantiene “la giusta distanza” da ogni componente della storia senza rinunciare alla passione di racconto quasi “letterario”.

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COME L'OMBRA di Marina Spada

Fredric — Tue, 16 Oct 2007 22:13:41 +0200

...come vuole l’ombra staccarsi dal corpo,
come vuole la carne separarsi dall’anima,
così io adesso voglio essere dimenticata.

Anna Achmatova
Ambientato in una Milano estiva e silenziosa, il film scruta dentro l' esistenza solitaria di Claudia, la cui vita sembra dividersi monotonamente tra l'agenzia di viaggio dove lavora di giorno e una casa da single dove si rifugia di sera. Cinema come pedinamento fisico ed esistenziale, è questa la chiave di lettura di tutto il film, con l' obiettivo della macchina da presa che spia la protagonista, spesso inquadrata dietro una finestra o una vetrina, incarcerata tra pareti e tramezzi, piuttosto che esaltarne la presenza all' interno dell' inquadratura. Ce lo dice bene la primissima scena, con Claudia chiusa in quella specie di acquario insonorizzato che è la cima della Torre Branca, dove sembra evitare con puntiglio ogni sincronia con l' obiettivo: lei si sposta, sparisce, e quando si fa ritrovare dalla macchina da presa sembra volersi nascondere ancora. Come l' ombra è cinema in caccia, che scava nella realtà per cercare qualche cosa che non è immediatamente evidente, come a ricordarci che tra cinema e mondo reale esiste una differenza irriducibile, dove la complessità della vita rischia in ogni momento di sfuggire.

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