Gahan at the Movies

Joshua (Ratliff, 2007)

gahan — Tue, 15 Jul 2008 10:26:42 +0200

** [6+] Lasciamo perdere subito l'idea che il piccolo protagonista del film sia un banale emissario del demonio, come vorrebbero farci credere i distributori. Parliamo invece del regista e co-sceneggiatore (con David Gilbert) George Ratliff. Nello spettrale anno 2001 veniva presentato a Toronto (giorno fissato per la proiezione: 11 settembre—come potete intuire, hanno dovuto rimandare) il suo documentario Hell House, che registrava con spaventata e divertita oggettività la materializzazione di un fenomeno a quanto pare abbastanza diffuso negli USA grazie all'operato della destra religiosa, che l'11 settembre probabilmente deve aver visto confermate le proprie teorie sul Male e sulla necessità di combatterlo preventivamente: il ritrovo organizzato dai membri della Chiesa Pentecostale della Trinità di Cedar Hill, Texas. Tale ritrovo si svolge annualmente in corrispondenza di Halloween presso una casa di fantasmi, in tutto e per tutto simile all'attrazione di un parco divertimenti, ma con l'intento di (provare a) “salvare” quante più fra le circa 13.000 anime partecipanti, prima che per loro sia troppo tardi, convertendole al Signore.

Il sito della National Public Radio descrive così lo spettacolo che il film si limita a documentare: «anziché urla e scheletri spettrali, “Hell House” descrive quelli che la destra pentecostale considera peccati: una ragazza che abortisce... un'altra che prende droga ad un rave, che viene violentata, che poi si uccide... un ragazzo che si suicida in un'aula scolastica. In ogni scena elaboratamente rappresentata, Satana punzecchia il peccatore, e poi lo trascina all'inferno. L'intento è quello di salvare anime attraverso la paura. Circa 40 persone alla volta vengono condotte come un gregge attraverso una dozzina di scene simili. Alla fine, i peccatori vengono mostrati mentre soffrono la loro dannazione eterna. Poi ai visitatori viene chiesto se vogliono accettare Gesù ed entrare nella Chiesa. Circa uno su cinque lo fa». I normali predicatori che fanno i miracoli coi loro toupet non bastano più, par di capire.

Abbiamo ora gli strumenti per parlare di Joshua, che potete immaginare come un'altra scena della casa di fantasmi testé descritta. Anche se il demonio in realtà non c'entra nulla, né tantomeno il “peccatore” dipinto finisce all'inferno. Questo ragazzino di nove anni (interpretato da Jacob Kogan), di facoltosa famiglia newyorkese, è sempre stato un po' “strano”, e si è reso conto perfettamente che per i pur apparentemente comprensivi genitori lui non è come dovrebbe essere: è troppo attendo a sistemarsi i capelli, ad esempio; non gli sono mai piaciuti il calcio ed il baseball cui il babbo cerca di abituarlo, e dovendo scegliere preferisce nettamente il piano (anche qui, comunque, si dimostra insolitamente “creativo”); non gli sono mai piaciuti neanche i suoi comuni e costosi giocattoli da maschietto, tanto che appena può li dà in beneficenza appassionandosi di contro alla mummificazione egizia—in opposizione forse all'amico, il celebre Mosè, di colui che gli ha dato il nome. Nessuno se n'è mai accorto, perché tutti pensano sia solo una fase neanche troppo grave, che passerà. Stanno tutti cercando di “salvarlo”, chiaramente i genitori su tutti, ignorando la sua “stranezza”.

Il film inizia (e da qui si iniziano a contare i giorni) quando gli nasce una sorellina, e d'improvviso il suo mondo si tinge letteralmente di rosa—naturalmente, più che un mondo roseo diventa semmai un mondo “rosa-sangue”, dato che questo sarebbe un horror. «Salvare anime attraverso la paura», si diceva. Considerate la prima sequenza in cui Joshua incontra la bambina. La stanno preparando accuratamente nella nursery per portarla nella stanza della mamma; Joshua la osserva da dietro il vetro. Poi si taglia sul corridoio dell'ospedale che porta alla stanza dov'è la mamma che aspetta: la parete sinistra è illuminata da una tonalità quasi-mistica di rosa che sbuca da dietro la macchina da presa; dopo un po' spunta fuori, seguendo a distanza la sorellina portata dall'infermiere, Joshua. In seguito, tornati a casa, il ragazzino se ne sta da solo al pianoforte mentre mamma Abby (Vera Farmiga) e papà Brad (Sam Rockwell) coccolano la piccola assieme ai nonni paterni. Oltre al fatto che il ragazzino è sempre solo al piano, sarà un segnale il fatto che sta indossando una camicetta rosa?

Nessuno, ancora, si accorge di nulla né tantomeno riesce a capirlo. Tranne lo zio preferito di Joshua, lo zio Ned (Dallas Roberts). Ned, neanche lui uno propriamente “normale” (quelli della Chiesa della Trinità potrebbero usarlo per re-inscenare le colpe degli abitanti peccatori di Sodoma—anche l'evangelica nonna Hazel di Celia Weston sarebbe d'accordo, e infatti prova a convertire personalmente a Gesù, e quindi alla normalità, il nipote non ancora battezzato, proprio come lo zio, in quanto nato da madre ebrea), si siede accanto a lui e si mette a suonare col ragazzino. In seguito Joshua comincia a manifestare in modo più preoccupante la propria sofferenza da incompreso, non fermando il sole come il suo antenato biblico ma quasi; tanto che quando una psicologa viene chiamata dal babbo per visitarlo sarà lei a capire che il ragazzo è stato a tutti gli effetti maltrattato, anche se mamma e papà pensano di averlo cresciuto nel migliore dei modi. Volevano “salvarlo”: e se invece avessero provato a salvare sé stessi, e l'avessero lasciato giocare di più con lo zio?

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (6)

Tags: recensioni

Funny Games (Haneke, 2007)

gahan — Sun, 13 Jul 2008 11:37:56 +0200

**½ [7] Procediamo a dimostrare, ancora una volta, che un autore fa sempre lo stesso film; e che ciononostante non fa mai lo stesso film. Noi non dovremo far nulla, d'altronde son cose che si dovrebbero spiegare alla prima lezione di (meta?)fisica alle superiori. Ci penserà l'autore medesimo, supportato—guarda caso—dal suo ben noto spirito didattico: nel suo ultimo, Michael Haneke decide di prendere l'incarico (sfibrantemente) sul serio, e rifà letteralmente lo stesso film. Eppure, ovviamente, come è vero che due righelli “lunghi trenta centimetri” non saranno mai perfettamente uguali, né saranno lunghi esattamente trenta centimetri, così pure i due Funny Games non sono lo stesso film.

Ci si trova di conseguenza di fronte alla situazione alquanto imbarazzante di rimanere senza parole nel dover descrivere la versione americana, ma per motivi fondamentalmente estranei al disagio di fronte a quella austriaca. È evidente infatti che per parlare del Funny Games 2007 si dovrebbe ripetere, anche qui alla lettera, tutto ciò che si è detto e ripetuto su quello del 1997. Essendo questa una pratica che si rivelerebbe subito ben poco interessante—onestamente, un po' come la visione del remake approssimativamente identico—per chi scrive e per chi legge, bisognerà cercare il quid del film, che andrà letto ancor più come un “funny game” del suo autore, altrove. Siamo dunque già oltre la prima dimensione metatestuale che diamo già per scontata—o meglio siamo in una dimensione metatestuale con essa parzialmente tangente, e qui sta il grosso della diversità.

Stando alle dichiarazioni del prof. Haneke, questo remake servirebbe a far arrivare al suo pubblico (quello americano, e possibilmente quello generalista dei multiplex) una pellicola che ai tempi si è perso: via i sottotitoli, dentro attori conosciuti, ora lo spettacolo è fruibile anche dagli adolescenti di Des Moines (Iowa), che ascoltando nella colonna sonora la band di John Zorn potranno avere meglio di noi l'impressione che si tratti di roba inedita degli Slipknot. Questo, sembrerebbe ammettere candidamente Haneke, è un film che serve agli Americani: si chiama, per mettere la cosa in chiaro, Funny Games U.S.. Se anche voi, come me, non siete americani, guardatevi direttamente—qualora non l'aveste ancora fatto—l'originale. O forse no.

Su questo versante, quello preparativo al test, Haneke provvede, portando loro il veleno sotto casa (e, cosa a quanto pare più importante, senza fastidiosi sottotitoli), a prendere i suoi topi da laboratorio ancor più per fessi. Non solo, come già era stato dieci anni prima per non abbastanza Americani, li fa arrivare in sala con la promessa di un thriller/horror con alcuni primi elementi tramici che potrebbero aiutarli ad orientarsi e tranquillizzarsi, per poi toglierglieli; ma offre, come detto, quattro volti familiari per aumentare ancor più l'appeal sadicamente commerciale, e quindi la sicurezza di sapere cosa si sta vedendo, e poi frustrarlo con gusto perverso. Se non fosse già chiaro, Haneke si mette a giocare ancor prima che il film inizi.

Succede quindi che la famiglia americana modello ha per moglie una bionda anglo-australiana bella tosta, che si promette ad un certo punto rimarrà anche semi-nuda (Naomi Watts), e per marito un inglese noto soprattutto per le parti da cattivo (Tim Roth). Vuoi che proprio loro adesso si mettano a fare i deboli e crepino? I cattivi, per parte loro, sono due facce angeliche ma con un background abbastanza limpido: Michael Pitt—fra le altre cose—è stato traviato in tenera età da Larry Clark, ha ascoltato troppi discorsi franco-leftisti per colpa di Bertolucci, e si è già lasciato morire—vacuità dell'esistenza e chitarra in mano—per Gus Van Sant; Brady Corbet, nel suo piccolo, ha già fatto il ragazzino traumatizzato per Gregg Araki. Vuoi che davvero questi due non siano, alternativamente, disadattati o viziati che derubano facoltose ville per procurarsi i soldi per la droga o per occupare il tempo uccidendo il vuoto?

Li conosciamo (o crediamo di conoscerli) talmente bene—anche noi che americani non siamo, inutile farsi illusioni continentali: Haneke sta prendendo di nuovo per fessi anche noi—che per suggerirci ancora relativamente presto che (forse) è tutto un gioco, irrealtà, Michael Pitt—voltandosi verso di noi mentre aiuta la Watts a ritrovare il primo oggetto sacro della famiglia-tipo, il cane—non ha neppure più il bisogno di farci l'occhiolino come faceva Arno Frisch. Haneke, in altre parole, è talmente sicuro di averci fatto di nuovo abboccare, che il suo alter ego demiurgo può permettersi di farsi semplicemente un calmo sorrisino mentre noi ci riguardiamo dal suo punto visuale, con di poco aggiustato spirito consumistico, l'esperimento.

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (10)

Tags: recensioni

Agente Smart - Casino totale (Segal, 2008)

gahan — Sat, 12 Jul 2008 12:38:35 +0200

** [6] «Finché non comprendiamo che anche i nostri nemici sono esseri umani, non saremo mai capaci di sconfiggerli». Questa, in soldoni, è la tattica operativa caparbiamente e disarmatamente perseguita dall'agente Smart (Steve Carell). Sembra che quanto è rimasto dopo la guerra fredda sia il suo esatto opposto, ovvero un inatteso calore (nei limiti del possibile) fra gli agenti segreti basati a Washington e Mosca, e si auspicherebbe fra gli agenti di tutto il mondo. Quando pronuncia questa frase chiave, Smart sta spiegando in riunione l'importanza di badare al dettaglio umano, raccontandoci le ansie che si celano dietro l'apparentemente casuale scelta di un muffin per colazione, registrata in una conversazione fra due agenti russi. Un suo collega (David Koechner) si identifica immediatamente con l'agente intercettato, anche lui alle prese con noie coniugali.

Ecco quindi che Smart più che imbranato è sanamente sveglio, o meglio capisce come nessun altro cosa c'è davvero dietro ai vorticosi inseguimenti ed intrufolamenti incrociati che tengono occupate le agenzie segrete governative. D'altronde non ci vuol molto per capire che in realtà tutto questo far scena fra party, fabbriche (o forni) e Disney Hall è null'altro che una scusa (un MacMuffin?) per evitare di affrontare il fatto che il tutto non ha senso. Insomma, tralasciando il fatto che nel 2008 siamo ancora qui a parlare—insensatamente, appunto, come forse è sempre stato—di Americani e Russi: i vari agenti sono ridotti a servire da una parte, quella dei “cattivi”, un pazzo frustrato che fa di testa sua, forse perché non l'hanno preso al conservatorio (Terence Stamp); dall'altra, quella dei “buoni”, un Presidente che non vale quanto una maestra d'asilo, e che di certo non sarebbe una grossa perdita (James Caan).

Giustappunto, in questo film troverete un momento toccante ormai standard—assieme ad almeno altri due immancabili motivetti comici (il momento «Cos'è questo cattivo odore?» e quello in cui si ha l'impressione errata di star vedendo due uomini inchiappettarsi) che a quanto pare fanno sempre ridere. Mentre un edificio dove si costruiscono testate nucleari sta per crollare, Smart e la collega Agente 99 (Anne Hathaway) tentano di fermare la colluttazione con un energumeno cattivo (Dalip Singh, intuibilmente un wrestler): memore delle intercettazioni attentamente studiate in migliaia di pagine di rapporto, Smart punta ancora sul pulsante dell'umana comprensione, ritirando fuori la storia coniugale del burbero e sbrigliando così la matassa. «All you need is love»: semplice, scontato e per questo verissimo. Se solo, ovviamente, gli incapaci che li comandano se ne accorgessero.

Gli agenti, si è capito, sono veri e propri ostaggi al servizio di non si sa cosa. Gli scagnozzi del “cattivo” (fra i quali c'è il borattiano Ken Davitian, che è immancabilmente quello che sembra farsi inchiappettare a favore di uno dei momenti sovracitati) sono costretti nolenti a servirlo per tutelare la propria famiglia (una sorella, una moglie); quelli del “buono” di famiglia non hanno neanche il tempo di procurarsene o tenersene una. Smart aspira al massimo ad un cagnolino e ad un pesciolino rosso che latita; la bella Agente 99 ha sacrificato la faccia della mamma e la possibilità di innamorarsi per continuare a dedicarsi all'azione. Quello messo peggio, però, è sicuramente l'Agente 13 di Bill Murray, ridotto in lacrime alla disperata ricerca di un po' di compagnia e di qualcuno con cui chiacchierare. «Le comunicazioni sono interrotte e mi hanno vestito da albero»: se c'è qualcuno costretto dai vertici a far cose senza senso, non c'è dubbio, è lui.

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (4)

Tags: recensioni

Dr. Plonk (de Heer, 2007)

gahan — Fri, 11 Jul 2008 11:13:32 +0200

** [6+] Nella sua opera di rispolvero il più possibile autentico—un oggetto interessante, persino da amare nonostante un certo senso di esaurimento espressivo, evidente della parte prettamente slapstick—Rolf de Heer dimostra ancora una volta un'affezione palpabile per la sua terra adottiva. Il momento più illuminato del film—in effetti, una netta e decisa dichiarazione politica in piena regola—si presenta probabilmente quando, impostando con estrema e definitiva precisione le coordinate spaziali della sua macchina del tempo, il Dr. Plonk (Nigel Lunghi), frustrato per non esser riuscito ad entrare nella Casa del Parlamento australiano dei nostri giorni, piomba col primo ministro del 1907 (Wayne Anthoney) direttamente nell'ufficio del suo pari dell'anno 2007, cui presta gentilmente il volto (e l'ufficio) il premier del South Australia Mike Rann.

La scena in questione si apre, dopo la didascalia, con una breve panoramica su alcuni ritratti disposti in fila su una parete. A rigore dovrebbe trattarsi dei primi ministri australiani succedutisi negli anni; e invece i ritratti presentano, in una serie apparentemente casuale ed irregolare, per quanto cronologica, un'alternanza di volti di primi ministri australiani di fianco a presidenti americani (sono nell'ordine: Lincoln, Reagan e Bush). Gli ultimi due accoppiati della lista sono il da poco rimandato a casa John Howard e George W., che a casa dovrà tornare per forza alla fine di quest'anno. Giustappunto, in virtù del suo ossequio nel seguire a comando le impopolari decisioni di politica estera (e non solo) dell'amministrazione del collega, in casa il primo ministro Howard era solito essere descritto come il cagnolino obbediente del presidente Bush.

In basso, non appeso come gli altri ma ancora appoggiato in disparte, se ne sta in solitudine il ritratto di Rann, primo ministro australiano del 2007 del film. Come l'appena eletto alle vere elezioni politiche dello scorso novembre, il neo-premier laburista Kevin Rudd, anche lui si è appena insediato in carica. Dove andrà a posizionarsi lui, e quindi il suo ritratto? Mentre fa la sua comparsa nell'ufficio la cassa con i personaggi in arrivo dal 1907, lo vediamo seduto alla sua scrivania, apparentemente preso dal lavoro al portatile. Abbiamo appena il tempo di vedere, prima che chiuda l'applicazione per rendersi conto di cosa sta succedendo nella stanza, che il suo lavoro consisteva nel giocare a solitario. Ecco, sembra dire lasciando pochi equivoci de Heer: forse è giunto il momento per l'Australia di giocare un po' più assertivamente in solitario e smetterla di seguire le amministrazioni americane, come quei ritratti testimoniano essere stato storicamente vero.

È un auspicio che però de Heer, com'è giusto, fa rimanere amaramente come tale. Il suo protagonista deve infatti far la parte del comico da film muto, pesce fuor d'acqua tempestato da mille traversie. Ecco dunque che su di lui si scaglia infine proprio l'importata, paranoica politica interna antiterrorismo, che con i pochi mezzi e uomini di fortuna da film action fa piombare dal cielo polizia, reparti speciali ed esercito, assieme agli artificieri che deflagreranno la sua capsola del tempo, che con involontario spirito di preveggenza si era già preparato come una cassa da morto.

Il film si conclude così con uno strano senso di sospensione, in verità tutt'altro che inusuale dati i migliori esempi del muto cui si rifà. Plonk, “terrorista” connazionale che vuol salvare il mondo e non riesce a spiegarsi, né pare riesca a capire, specchio di una nuova Australia che lo ignora e rinchiude, sembra l'ospite pazzo di un manicomio comandato remotamente da un sadico Caligari. Intanto, nel 1907, nonostante la didascalia ci rassicuri che almeno la signora Plonk (Magda Szubanski) e l'assistente sordo Paulus (Paul Blackwell) stanno escogitando un modo per tirarlo fuori, anche loro fanno presto finta sia scomparso per sempre. E a noi non rimane che chiederci se quello che ha visto Plonk sia stato solo un sogno che possiamo dimenticare, oppure se davvero la tv ci sta annunciando la fine del mondo e noi crediamo sia il trailer di una fiction.

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (3)

Tags: recensioni

Perfect Creature (Standring, 2006)

gahan — Wed, 09 Jul 2008 06:21:04 +0200

** [6+] Vediamo come si può rappresentare Santa Madre Chiesa in un onestissimamente malizioso horror girato col giusto look nella lontana Nuova Zelanda—inutile dire che non si sarebbe mai potuto fare in quel di Roma, dato che per aver accesso ai siti non bastano neanche i dollari della Columbia/Sony Pictures. Nel film di Glenn Standring i vampiri, il cui nome di classe non viene mai pronunciato, sono sacerdoti mandati da Dio. Il loro quartier generale è una chiesa (sono noti difatti come la Chiesa, oltre che come “I Fratelli”) nel centro della capitale delle colonie del Pacifico, ultimo e precario feudo di rifugio di Sua Maestà in un mondo spazzato dall'epidemia.

La chiesa in questione è strutturata né più né meno come un grattacielo dove albergano la sede sociale e gli uffici di un'influente multinazionale, con gotiche cupole ed orpelli a dare il tratto caratterizzante. Naturalmente, dato che la sede sociale è ivi ubicata, l'influenza della potente multinazionale è più direttamente avvertibile sul sistema politico-amministrativo della colonia stessa. Sua Maestà, per riverenza istituzionale, è la prima ossequiosa—invisibile, dato che non compare mai—per necessità di preservarsi a sua volta; di converso, qualche dipendente dello Stato nutre un po' di acrimonia perché vorrebbe poter fare il proprio lavoro in nome della legge, senza dover concedere trattamenti di favore.

Dentro il massiccio edificio marmoreo, nel cui atrio d'ingresso si trova come intuibile una segretaria a smistare le varie richieste, gli umani si recano in segno di devozione. All'apparire di un appartenente all'ordine, l'umano di turno china il capo e bacia la mano del porporato. Di più, in cerimonia gli umani—anziché far loro la comunione con ostia e vino—forniscono volontariamente la materia prima per la comunione dei porporati: il proprio sangue («Questo è il mio sangue»?), estratto con tubo dotato di rubinetto direttamente dal braccio, che i porporati bevono sul momento in raffinati bicchierini dopo averlo velocemente distillato, in un angolo dedicato della chiesa che non ha nulla da invidiare ad un elegante ed esclusivo bar capitolino.

C'è insomma una perfetta intesa, favorita dal setting severo e plumbeo, data l'epidemia che devasta il mondo intero e minaccia angosciantemente la stessa colonia. Gli umani sono convinti che i vampiri siano l'espressione diretta e bonaria della volontà di Dio, e siano stati mandati per proteggerli proprio dalla punizione divina per le loro esecrabili sperimentazioni genetiche. D'altronde sono i vampiri stessi, o meglio la Chiesa, ad aver diffuso da secoli questa versione—in una scena, un alto prelato impartisce una lezione di catechismo ad un gruppo di bambini. Ad un certo punto, però, un membro interno dell'ordine comincia a non voler stare più al gioco, e spezza l'intesa di cui sopra. Per tutte le istituzioni dell'intesa, che continuano a collaborare anche durante la crisi, ovviamente, il cattivo, sovversivo da eliminare, è lui.

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (1)

Tags: recensioni

Cambio di gioco (Fickman, 2007)

gahan — Mon, 07 Jul 2008 08:25:11 +0200

*½ [5+] «Se la Disney vuole un omaccione con propria ferrea autodisciplina sportivo-militare da rivoltare come un calzino alla vista di angelico-pestiferi bambini, tanto vale che quell'uomo sia io: dopotutto l'ha fatto anche Vin Diesel, quindi perché no?». L'uomo che deve aver fatto più o meno alla lettera questo lineare ragionamento, The Rock, sta forse per diventare definitivamente Dwayne Johnson, e con questo film ci annuncia la sua svolta adulta: il suo Joe Kingman impara a non essere più un'isola, mette su famiglia e abbandona così l'egoismo dentro e fuori dal campo. Che poi Johnson abbia divorziato pochi mesi fa nella vita reale poco importa.

Nel momento in cui ci vengono presentati i suoi compagni della squadra di football dei Boston Rebels, una combriccola di commilitoni un po' grezzi, ma come lui dal cuore tenero sotto la scorza, si nota subito il più minaccioso di tutti, naturalmente nero, con una voce robotica ben lugubre da cattivo dei cartoni animati: sappiamo subito che ad un certo punto del film questa massa imponente ed arida scoppierà in un pianto incontrollabile. La cosa si verifica puntuale quando vede l'energico capitano quarterback danzare con la figlioletta ad un ballo, agghindato nella sua calzamaglia verde. Come intuirete, tutta la squadra è lì a godersi lo spettacolo, e se prima l'ha bellamente beffeggiato, ora fa un tifo estasiato.

Il piano di gioco designato per Joe è molto semplice, ed è quello fatto su misura per la famiglia target del prodotto: comporre appunto una famiglia. Sul finale del numero musicale su “Burning Love” che chiude il film dando il via ai titoli di coda, appare anche un bel disegno con bambina e “genitori”, con a seguire un'istantanea dei tre cinti da tanto di cuoricini. A nobilitare ancor più lo spirito del film c'è un reiterato j'accuse al fast food, nemico del viver sano: non a caso il proprietario della catena sponsor troverà la felicità con la crudelica agente di Kyra Sedgwick.

La cosa essenziale all'uopo è trovare una bambina che, dopo l'iniziale impiccio, sappia intenerire per sfinimento progressivo il Nostro, e per amore a prima vista noi: la piccola e graziosissima (come richiesto) Madison Pettis fa decisamente al caso nostro. Oh, e appena ce ne sia l'occasione si può far pronunciare la classica sentenza «E tu questa la chiami vita?» al compagno di squadra saggio, in quanto sposato, che abbandona il triste party di San Silvestro per tornare a casa. A quanto pare moglie e figli non sono ammessi alle feste che Joe organizza a casa sua.

Forse è perché resterebbero scioccati (specie la moglie, che potrebbe avere la balzana idea che il marito viva in un mondo di tentazioni) dalla presenza in generosa quantità di modelle, soprattutto la giustamente polare donna dell'est del padrone di casa (Kate Nauta, che ricorderete come la polare bionda assassina dell'est di Transporter: Extreme). Dato che le donne dell'est, specie se modelle, hanno fama di essere una tentazione troppo algida e ben poco affidabile, l'insegnante di danza della neo-figlia è una calda portoricana (Roselyn Sanchez), che fornisce più garanzie per una duratura unione “finché morte non vi separi”. Anche perché sembra non saper nulla del mondo delle tentazioni, e a giudicare dalle sue coreografie non dovrebbe saper molto neppure di danza classica.

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (1)

Tags: recensioni

Il diario di Jack (Binder, 2006)

gahan — Sun, 06 Jul 2008 10:18:16 +0200

** [6] Difficile trovare gente realmente felice, soprattutto in quella città ragnatela un po' disorientata nella quale i talenti mordi e fuggi si sprecano, ossia Los Angeles. Lì la scrittura, di qualunque qualità, regna e sempre regnerà. Nel film di Mike Binder ci sono le due categorie degli aspiranti vincenti e di quelli che sembrerebbe ce l'abbiano fatta, e giustappunto nessuna delle due sembra esser soddisfatta. Nell'ultima rientra il protagonista Jack Giamoro (Ben Affleck), talent agent specializzato proprio in sceneggiatori, che di punto in bianco decide di cercar risposta facendosi insegnare da John Cleese come si scrive un diario. Un po' di rigore britannico, non c'è dubbio, potrà esser d'aiuto. Di questo rigore, invece, il film si disinteressa.

La stessa pellicola è di quelle tipicamente agli ordini della scrittura, dato che dobbiamo coprire un—non sempre propriamente sostenuto come avrebbe voluto il prof. Cleese—arco narrativo all'estremità finale del quale, con un po' di comprensibile programmaticità, il mondo di Jack dovrà trovare un'accettazione d'equilibrio. Al crocevia della sua vita si incontrano infatti—in virtù della regola incrementale secondo la quale è bene far succedere tutto nello stesso momento—professione e privato, visti tradimenti incrociati nelle due sfere, causando un ingorgo il cui punto di rottura viene fornito per ironia del destino proprio da un'outcast (Bai Ling) che vuol vendicarsi della poca attenzione riservatale dal Nostro.

Lo sceneggiatore/scrittore/attore Binder cerca di contenere il languido ed il pagliaccesco a breve distanza e successione l'uno dall'altro, faticando in effetti un po'. Si fa però anche qui venire in soccorso dalla scrittura, o meglio dal diario che il protagonista va scrivendo, facendo una disamina spazio-temporale (guarda caso, momento di mezzo è il furto del diario stesso) dei suoi movimenti su e giù per i suoi trascorsi, da ragazzo e durante i cinque anni di matrimonio con Nina (Rebecca Romijn, che in questo film appare con un po' di ciccia in più nei posti comandati—e direi che va molto bene così), mentre la storia procede.

Di certo, Binder non è particolarmente dotato in nessuno dei tre comparti in cui è ormai solito cimentarsi. Il film, come detto, viaggia in maniera mai troppo ispirata (fatta forse eccezione per la rocambolesca conclusione “Basic Instinct” in ufficio), non trovando una distintiva virtù nelle proprie discontinuità interne. La presenza di Affleck richiama in particolare un altro suo film, Jersey Girl, e sembra in effetti che Binder cerchi in alcuni frangenti di mimare le “irregolarità” frammiste a zuccherosità di Kevin Smith (c'è anche il marchio di fabbrica dell'umorismo lesbo, e se chiami Gina Gershon è anche inevitabile). Non mi sentirei di dire che la cosa gli riesca con troppo successo, considerando che già Smith si tiene affettuosamente a galla con difficoltà—diciamolo, Jersey Girl è talmente onestamente adorabile che si può detestare. Questo è un po' meno adorabile, e volendo esser cattivi altrettanto detestabile.

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (5)

Tags: recensioni

Wanted - Scegli il tuo destino (Bekmambetov, 2008)

gahan — Sat, 05 Jul 2008 08:46:02 +0200

*½ [5] Wesley Gibson (James McAvoy) cerca il proprio nome su Google, e non trova nessun risultato. Se invece avesse cercato “Paul Hackett” avrebbe scoperto che la sua esistenza da sig. Nessuno in un loculo per contabili l'ha già vissuta e risolta (non risolvendola, al contrario di quel che accade qui) qualcun altro. Oltre a svariati altri milioni di colletti bianchi in giro per il mondo, a occhio e croce. C'è da aver paura, stando a quanto si può ricavare dal film del russo Timur Bekmambetov, dei sempre più numerosi appartenenti indiani alla categoria, figli dell'outsourcing dei servizi, che tra un po' potrebbero svegliarsi ed infuriarsi a loro volta. Ma per il momento bastano gli americani, che forse si accaniscono implicitamente proprio perché stanno cominciando a rubare il—poco entusiasmante, va concesso—lavoro anche a loro, dopo gli operai delle fabbriche.

Ora, Michael Brandt e Derek Haas (che, difficile a crederlo, sono stati dietro al ben diverso riadattamento di Quel treno per Yuma), assieme a Chris Morgan, ne fanno—fuori tempo massimo, come appunto si trattasse di un rigurgito—l'emblema dell'uomo (inteso proprio come maschio) alienato dal contemporaneo, le cui coartazioni gli impediscono di vivere la propria vita come comanderebbero i propri migliori istinti. Il nostro eroe che deve riprendere il controllo dei propri mezzi (slacciandone il guinzaglio) sembra quindi rifarsi ad un avanzo reazionario di Fight Club, sporcato giusto da qualche interferenza—si direbbe un'amnesia—con un episodio dei dilemmi di Jason Bourne sulla giustizia delle proprie azioni sotto copertura, dai quali però fugge subito via come il Chev Chelios di Crank. Adrenalina, ordunque: s'ha da correre.

Quindi, se il tuo capo è una insopportabile grassona e la tua donna una sgualdrina che non sa tenere la bocca chiusa causandoti l'emicrania, buona al massimo come vacca da monta (da parte di qualcun altro), a salvarti rimorchiandoti in un supermarket ci pensa la cavallerizza dei tuoi sogni (Angelina Jolie), che ti tiene indeciso fra il volerla dominare e il voler da lei essere dominato—con forzata predilezione per la seconda opzione, visto il rapporto di stazza sfavorevole. Al momento giusto, saprà onorare fino alle estreme conseguenze il suo ruolo salvifico, rimediando alla proverbiale diavoleria femminile, anche se non c'era propriamente il bisogno di tal display mortuario di dedizione. Ma nel frattempo c'è un bell'addestramento che ti forgia ovviamente nel dolore, ed ecco che sei pronto per crear danni collaterali («Uccidi uno dei cattivi e salvi milioni di vite americane», dice il noto ritornello) in difesa della democrazia, o di quello che vi pare.

Come si diceva, ad un certo punto Gibson si chiede come Bourne se ne valga la pena, il motivo per cui debba uccidere sotto comando cattivi presunti dei quali non sa neppure vagamente perché e come siano cattivi. L'interrogativo, infingardamente incastrato dal montaggio per esser meglio nascosto e più presto dimenticabile nella lezione opposta, svanisce immediatamente: bisognava solo aspettare di voltar l'angolo, altrimenti era impossibile far sterzare ad effetto il proiettile. Per il resto, non chiedere: segui il tuo istinto, dice Morgan Freeman. «E voi che cazzo avete fatto ultimamente?», chiede a noi il protagonista che intanto si è ripreso assertivamente il controllo. Eccola, la domanda che si voleva rivolgere allo spettatore—se ne sono accorti anche i nostri distributori. Per giungervi con un sol colpo, Bekmambetov avanza sul versante balistico-cinetico facendo piazza pulita del dubbio di qualsiasi genere. D'altronde, lo si è detto: s'ha da correre.

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (9)

Tags: recensioni

12 (Mikhalkov, 2007)

gahan — Fri, 04 Jul 2008 00:20:35 +0200

**½ [7] Per capire la messa a regime del film di Nikita Mikhalkov basterà già partire dal fatto che rispetto al ben noto antecedente si passa da una stanza dedicata, nel palazzo di un tribunale, ad un ritrovo di fortuna, la palestra di una scuola. Se il film di Lumet accorciava la sua America nella confessione tenacemente estorta di dodici uomini che finivano per inveire contro le sue contraddizioni, Mikhalkov allunga—spalma, quasi—la sua Russia su un ampio terreno di gioco. La cosa vale non solo per l'ambientazione, ma per la stessa organizzazione del testo, che prolunga ed interrompe la stretta unità di tempo e luogo dalla quale si partiva.

Il ragionamento sociologico del film viene in questo modo a farsi meno serrato e polivalente, puntando al contrario su una sorta di balletto etnico (anziché di ceto e razziale) nel quale i vari aliti vitali (e di morte) dell'ex-impero vengono calati in un contesto di richiami molto contemporaneo—quasi un reality show, come quello con triste ironia intitolato “Il pianeta del bene” che sta preparando il personaggio del produttore tv.

Rispetto al materiale di partenza, dunque, Mikhalkov si pone, come ci si aspetterebbe da parte sua, in un'ottica più spiccatamente interna (nel senso di attinente la sua nazione), aggiustando nelle ammissioni di memoria che pian piano vanno scagionando l'imputato delle glosse sul funzionamento sfaldato della Russia di oggi e del suo modus ponens.

Si va componendo così un percorso ad ostacoli fra lo zuzzurellone ed il gravoso con gli attrezzi ginnici fisicamente disponibili, saltando i quali—o meglio, spostandoli—appaiono le commodities della Russia fattasi classe media (chi ha la Audi, chi l'amante in arrivo da Dubai—posto dove i ricchi russi, anche quelli non ricchissimi, adesso abbondano), di un modo di vivere e pensare in via di ristrutturazione, come il tribunale della nuova legalità, ma nei fatti governato dall'adattamento nell'alto e nel basso alle nuove leggi della corruzione, come le tubature arroccate al soffitto.

Non a caso, la lunga coda finale sporge aperta querela quando va ad individuare non solo il “ragionevole dubbio” sulla colpevolezza dell'imputato (la cui imprescindibilità, in virtù della sua inesistenza come principio legale nel caso in specie, diventa semplice richiamo filosofico), ma il vero colpevole nella nuova contorsione di interessi dietro a quello che, a questo punto, appare come giusto un danno collaterale.

Così, quando i giurati si dicono addio terminato il loro ottimo lavoro, autorassicurandosi nella convinzione di aver per una volta seguito alla lettera ciò che la legge imponeva loro, ovvero scagionare un innocente, sono (quasi) tutti troppo impegnati a star dietro alle loro nuove occupazioni per farsi carico delle meno dorate conseguenze del futuro.

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (7)

Tags: recensioni

Rovine (Carter Smith, 2008)

gahan — Mon, 30 Jun 2008 08:43:30 +0200

** [6+] Tornando a sceneggiare da un suo romanzo, uscito dopo tredici anni dal primo che lui stesso aveva riadattato per il Soldi sporchi di Raimi (fra i suoi estimatori c'è nientemeno che Stephen King; guarda caso, il regista—stesso cognome, nessuna parentela—Carter Smith è nato nel Maine), Scott Smith si ributta a capofitto nei ticchettii del gruppo chiuso, preso alle spalle da sé stesso. L'avviamento della vicenda è anche in questo caso non propriamente sconosciuto, ed è anzi parte diventata apparentemente obbligatoria di quel sottogenere dedicato ai cannibali “studi etnologici a rovescio” prepotentemente in voga nell'horror.

Presto detto, la trappola tesa al gruppo di studenti americani (più un greco ed un tedesco, che comprensibilmente saranno i primi ad abbandonarci), desiderosi più per noia del villaggio vacanze che per interesse di avere un assaggio “autentico” del Messico precolombiano dove non si parla nemmeno lo spagnolo, va a configurarsi come un «Ve la siete cercata» che se la prende chiaramente con l'abulia culturale che si portano dietro da casa. Assieme alle proprie risposte pronte, quantomai fuori luogo, incapsulate nella fideica certezza che quattro americani scomparsi in Messico non possano esser lasciati da soli. E invece.

Ridotta all'osso, la saldezza dell'abbiente statunitense, del quale il brillante studente di medicina Jeff (Jonathan Tucker) è prototipo in fieri ma con già tutta la spocchia (ereditata quasi certamente dal babbo che gli sta pagando la laurea ed il break di primavera), va ad esser posta di fronte alla resistenza del gruppo per biblica definizione più naturale: l'uomo e la donna. Le due coppie composte da Jeff ed Amy (Jena Malone) e da Eric (Shawn Ashmore) e Stacey (Laura Ramsey) si annoiavano e procedevano per inerzia, fra banali segretini e bestialità civilizzate: ora sentono le loro stesse voci che li intimano a uccidersi a vicenda.

Il babau vegetale, un “happening” organizzato da madre natura a favore esclusivo dei nostri, circoscrive e garrisce come un TomTom, procedendo prima per via fisica ad entrare nell'organismo in vacanza e poi a fargli aprire, in maniera altrettanto concreta, la mente. Non che per questo abbia intenzione di perdonarla. Progressivamente, questa va sfaldandosi, il finto coraggio della propria irrevocabile infallibilità è contraddetto dalla fatale determinazione dei fatti, e prima ancora dal fatto che il partner—soprattutto quello maschile—ha sempre fatto finta di ascoltare l'altro, per ascoltare invece solo quello che voleva dicesse. Le coppie si sfracellano, insomma, e sembra se lo siano meritato.

pubblicata su Cine Zone

Pubblicato da gahan | Commenti (8)

Tags: recensioni