geiger dysf

La scomparsa del cadavere

2009-11-06T18:34:25+01:00

monsterpiecetheater.blogspot.com/

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Tag: cinema

Exposition Universelle de Paris, 1900

2009-11-05T17:36:00+01:00

L’interesse per le Esposizioni Universali (o Expo) è spesso ricorrente nella fiction come nella produzione artistica e artigianale steampunk (io stesso ne ho accennato più volte) sia per quanto riguarda le innovazioni tecnico-scientifiche che per gli aspetti spettacolari. Questi aspetti sono sanciti nel manifesto stesso del Bureau international des expositions, in cui le Esposizioni vengono definite come dei “luoghi unici di incontro in cui l’educazione passa per la sperimentazione, la cooperazione per la partecipazione e lo sviluppo per l’innovazione. Sono l’espressione di un messaggio di interesse universale; un’esperienza educativa e ricreativa; dei laboratori di sperimentazione che mostrano lo straordinario e il nuovo”. Fin dalle prime Esposizioni di Londra (1851) e Parigi (1855) esse sono concepite come grande emporio internazionale delle merci che fa tutt’uno con la festa popolare, quando ancora non esiste un ambito specializzato dell’industria del divertimento. E’ l’aspetto “festoso” o “festivo” delle merci, la cui fantasmagoria viene letteralmente suscitata dalle “distrazioni”, dai divertimenti e dagli illusionismi, dalla lanterna magica al circo, dal primo cinematografo al burlesque, dalla moda alla pubblicità (la réclame). Tecnica, merci e spettacolo sembrano indistinguibili. Fantasmagoria è un termine quanto mai appropriato, in quanto combina fantasma + agorà, “fare apparire, con arte o con uso di effetti ingannevoli, delle figure luminose in fondo a una profonda oscurità, delle fantasìe o spettri”, e che s’adatta bene a queste immagini tremolanti della lanterna magica o del primo cinema, che effettivamente sembravano suscitare, agli occhi dei primi spettatori, dei fantasmi sorti dal nulla. E il termine agorà indica anche la folla, la passeggiata, l’assemblea, il forum, il luogo di raduno. A distanza di 150 anni dalle prime Esposizioni, queste immagini tremolanti sembrano riportarci quasi a un tempo primitivo ed esotico della Rivoluzione industriale, dove l’industria e la merce potevano ammantarsi di prodigio, di avventura e di fantasia. E’ quel che Bruce Sterling definisce la magia o il sublime della tecnologia, e che a partire dagli anni Trenta del XX secolo si trasformerà nel mito tecnicizzato delle terrificanti macchine da guerra delle superpotenze. Nell’anno 1900 l’Expo si tenne per la quinta volta a Parigi. Fu la più importante Esposizione Universale tenutasi in Francia, emblema della Belle Epoque trionfante. Thomas Edison vi inviò i suoi operatori kinetoscope per catturare l’eccitazione della Ville Lumière. Questo video è una compilation di vari filmati che riprendono la Torre Eiffel, la Senna, i Campi di Marzo, les Champs Elysees e tanti altri luoghi della città. Cory Gross (voyagesextraordinaires.blogspot.com) ha estratto questo breve video da un totale di circa mezzora, eliminando le parti più ripetitive, accelerando quelle più lente, e mettendo in rilievo le scene più esemplari, sottolineate dalla colonna sonora “anacronistica” di Lucienne Boyer. I filmati originali sono disponibili negli archivi della Library of Congress. www.youtube.com/user/CoryTheRaven

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Tag: cinema, eventi, video, cinema muto, exposition universelle

Beautiful Industry

2009-11-04T08:45:00+01:00

Ma lo steampunk è un movimento a favore o contro la tecnologia? Tecnofilo o tecnofobo? Apparentemente, dopo tanto parlare di Leonardo da Vinci, Charles Babbage, Nikola Tesla, macchine e congegni di tutti i tipi, lo steampunk è un fan accanito ed entusiasta di vecchie/nuove tecnologie ibridate da usi & design che non ci sono mai stati o che non sono ancora esistenti o che avrebbero potuto essere in un mondo alternativo. In realtà la risposta è più articolata, e a questo tema è dedicato il nr.9 di Gatehousee Gazette appena uscito, che riprende l’affermazione fatta sul nr.6 di Steampunk Magazine secondo cui il problema non sono le macchine ma l’industria: lo steampunk è “non-industriale”, ama le macchine ma odia le fabbriche della riproduzione seriale, della riproduzione infinita di copie “senz’anima”. Grosso modo, quella espressa da Steampunk Magazine è una posizione anarco-luddista e romantica che trova riscontro nelle pratiche “fai-da-te” (do-it-yourself) e nell’Art & Crafts. All’altro capo, l’editorialista di Gatehouse Gazette, Nick Ottens, pur non negando i vizi e difetti dell’industrialismo, dal colonialismo all’inquinamento, dall’urbanizzazione selvaggia allo sfruttamento, sostiene che comunque l’industria ha introdotto una nuova era di progresso e prosperità, di realizzazioni prima impensabili, senza dimenticare il prezzo di questo cambiamento: ma le crisi e i problemi determinati dallo sviluppo tecnologico non devono indurci a un atteggiamento di rassegnazione o di depressione circa l’inevitabile corruzione e decadenza. Di qui dunque il titolo di questo numero, “Beautiful Industry”, che spero induca ad ulteriori approfondimenti. Del resto la fantascienza, di cui lo Steampunk è per così dire una versione “movimentista” e post-moderna nell'era di Internet e di SecondLife, si è sempre occupata, con entusiasmo o con terrore, fin dall’inizio con lo stesso Jules Verne, di entrambi i poli, delle invenzioni prodigiose come delle minacce catastrofiche, degli sviluppi pacifici come di quelli bellici delle tecnologie. Il nr.9 è scaricabile qui: www.ottens.co.uk/gatehouse/tag/gazette

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Tag: tecnologia, riviste, steampunk

Werewolf of London 1935

2009-11-02T18:58:00+01:00

La serie dell’uomo-lupo della Universal anni ’40 con Lon Chaney Jr./Larry Talbot (vedi qui) ha un meno noto precedente in un film del 1935, The Werewolf of London (in italiano Il segreto del Tibet), nel quale l’uomo-lupo è il Dr.Glendon (int.Henry Hull), noto scienziato botanico che per caso incrocia sulle montagne del Tibet il Dr Yogami (int.Warner Oland, noto anche come interprete del detective Charlie Chan). E in effetti questa è anche una storia di detection, della misteriosa pianta Marifasa Lupino Lumino (che sostituisce l’aconito) e dello spietato assassino di donne a Londra. Il Dr. Glendon, divenuto anch'egli lupo mannaro dopo essere stato morso in Tibet, tornato a Londra instaura una corsa contro il tempo per tentare di far fiorire la Marifasa in laboratorio prima di tornare a uccidere per la terza volta, mentre il Dr.Yogami cerca di rubaglierla, e di prevenire anche il dilagare di un’epidemia di licantropia. Per questi continui sdoppiamenti il film venne visto come una replica del Dr. Jekyll and Mr. Hyde del 1931, anche per via dei riferimenti botanici, e quindi ebbe meno successo di pubblico, successo decretato invece al successivo The Wolf Man del 1941 e ai suoi sequel. Recitato, sceneggiato e fotografato in maniera brillante, The Werewolf of London è anche una storia di amore trascurato e di scienziato incompreso alla Nikola Tesla coi suoi "raggi lunari", alle prese con le superstizioni e i limiti dell'ambiente sociale dell'epoca. Alla fine, la vera vittima è lui, il Dr. Glendon.

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Tag: cinema, mostri

Elvira, The Queen of Halloween

2009-10-31T19:02:00+01:00

Quale migliore introduzione alla notte di Halloween, se non Elvira, Mistress of the Dark? Nella lunga carriera gothic camp di Cassandra Peterson c’è perfino una particina nel film Roma di Fellini (indovinate chi è), e sempre all’inizio degli anni 70 soggiornò per qualche tempo in Italia, diventando cantante dei Latins Ochanats… E qui il mistero si infittisce, perchè di questa band non c’è traccia se non nelle biografie della Peterson, la quale all’epoca era già così (l'ultimo a sinistra mi sembra di riconoscerlo!ah!ah!ah!) Chissà che qualche fan dell’epoca non se la ricordi a qualche concerto in giro per l’Italia! Ma intanto consoliamoci con i suoi brani e video su my space. Cosa sarebbe successo se Cassandra fosse rimasta in Italia, sfondando a Cinecittà e alla …Ricordi? www.elvira.com/home_1.html www.myspace.com/2macabre

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Tag: musica, horror, halloween, gothic

Music for Halloween 2009: King Kong, Surfing Bird, The Voodoo Man

2009-10-30T13:15:14+01:00

Music for Halloween 2009 PLAYLIST SITTIN' BY SITTIN' BULL (J. Driftwood)--Eddy Arnold, 1959. THE PURPLE PEOPLE EATER MEETS THE WITCH DOCTOR--Joe South, 1958. THE THING (Grean)--Arthur Godfrey, 1950. THE VOODOO MAN--Del Vikings w. Carl Stevens Orch., 1958. THE BELLS--Billy Ward and His Dominoes, 1952. BIG BAD WOLF (Bartel)--Don Cherry w. Ray Conniff Orch., 1958. LAUGHING OVER MY GRAVE--Ray Stevens, 1964. SURFIN' BIRD--Hit Parader Records 27 IT'S ABOUT TIME (Wylie-Schwartz-Fried)--Wade Denning and the Port Washingtons, 1966. KING KONG--Wade Denning and the Port Washingtons, 1966. Download: www.box.net/shared/dl1y5v9mbx via: musicyouwont.blogspot.com/

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Tag: musica, halloween

Welcome to Classic Cinema Online

2009-10-29T01:54:00+01:00

Welcome to Classic Cinema Online -- Where the REAL men are And adventure awaits you! Oggi 29 ottobre è il giorno del mio compleanno e mi faccio una vagonata di classici dell’horror. Dove? Ma su Classic Cinema Online, naturalmente! Che oggi ha in cartello nientemeno che Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla (1952), Dracula (1931), The House on Haunted Hill (1959, Spooks Run Wild (1941), The Bat (1959) e dulcis in fundo The Cyclops (1957). Il sito offre, con un semplice umile click del vostro ditino, centinaia di vecchi film di ogni genere, da Metropolis a Nosferatu, dai film muti ai classici degli anni ’50 (dormirò stanotte?). Provare per credere! www.classiccinemaonline.com/1/

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Tag: cinema, visioni, internet

Attack of the Airships (1908)

2009-10-28T00:03:00+01:00

Charles Urban Attack of the Airships Dal 1908 un film preveggente di Charles Urban sull’Inghilterra sotto attacco dal cielo, difesa da scienziati audaci e arditi aviatori. Charles Urban (1867-1942) è stato uno dei registi più significativi del cinema dei primordi, soprattutto documentari, film scientifici e industriali, news, viaggi, propaganda di guerra, film didattici. E’ stato anche produttore del primo sistema di colorazione delle pellicole, il Kinemacolor. Non si è occupato molto di fiction, ma ha realizzato col mago dei trucchi Walter Booth alcuni film di proto-fantascienza aventi per tema dominante l’attacco dal cielo. Booth realizzò altri film come The Aerial Submarine (1910), The Aerial Anarchists (1911) and The Automatic Motorist (1911). www.charlesurban.com/index.html

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Tag: cinema, fantascienza, cinema muto, dirigibili

The Wolfman (febbraio 2010)

2009-10-26T13:47:00+01:00

La leggenda (cinematografica) continua: Even a man who is pure of heart and says his prayers by night may become a wolf when the wolfbane blooms and the autumn moon is bright “Anche un uomo puro di cuore e che ogni sera recita le sue preghiere, può diventare un lupo quando fiorisce l'aconito, e splende la luna d’autunno” (Curt Siodmak, 1941) Questa poesia scritta dallo sceneggiatore Curt Siodmak compare per la prima volta nel film The Wolf Man del 1941 (con Lon Chaney, Bela Lugosi, etc.) e poi viene ripresa nei sequel con lo stesso protagonista Larry Talbot/L’uomo lupo (e nell’ultimo Van Helsing). Contiene due dei simboli più frequentemente associati alle leggende sui licantropi, l’aconito e la luna, “piena e splendente”. In realtà in quel film non veniva mostrato né l’uno né l’altro, e bisognerà aspettare il film successivo, Frankenstein Meets the Wolf Man (1943) affinchè comparisse la luna piena. Al contrario, il film del 1941 introdusse altri simboli, come il bastone dal pomo argentato e il pentagramma, che nel folclore originale i licantropi condividevano coi vampiri e altre creature soprannaturali. Frutto di questa contaminazione con le storie di vampirismo, fu la trovata del morso come causa della metamorfosi di Talbot in lupo mannaro, che non esisteva nella tradizione relativa ai licantropi. Lo spostamento interpretativo è importante, perché dalle vecchie storie di magia e streghe si passa al licantropo-vampiro, dalla trasformazione volontaria si passa a quella involontaria e subita come maledizione. Le ibridazioni di storie diverse continuano nei film successivi della serie Talbot/Wolfman (sempre con Lon Chaney insieme a Bela Lugosi, John Carradine, Boris Karloff): Frankenstein Meets the Wolf Man (1943), House of Frankenstein (1944), House of Dracula (1945), Abbott and Costello Meet Frankenstein (1948). Il remake che uscirà nel febbraio 2010, diretto da Joe Johnston con Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Emily Blunt e Geraldine Chaplin, si rifà alla stessa trama del film del 1941, con qualche piccola variante (il villaggio di Blackmore e Londra invece del villaggio gallese di Llanwelly; Gwen come fidanzata del fratello di Talbot, la morte della madre e i traumi dell’infanzia). Il film è stato co-prodotto dallo stesso Benicio del Toro, un accanito fan e collezionista dei vecchi film di lupi mannari. Il make up è di Rick Baker (Un lupo mannaro americano a Londra) che a suo dire non ha avuto difficoltà nel trasformare Benicio del Toro nel nuovo Wolf Man. Sito ufficiale: http://www.thewolfmanmovie.com

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Tag: cinema, horror

Voyages en Orient: Gaia Scuderi

2009-10-24T10:01:00+02:00

Coreografia tratta dal DVD allegato al manuale "La Danza del Ventre", scritto da Gaia Scuderi e Roberta Bongini, Gremese Ed. Musica: Loreena McKennitt, “Marco Polo”. Il destino delle danze popolari e tradizionali nella cultura moderna è abbastanza controverso. Prima condannate, represse e umiliate, relegate ai margini e condannate dalla morale pubblica, vengono declassate a folclore, a caricatura, a sopravvivenza arcaica, e subiscono un processo di degradazione e di impoverimento tecnico. Successivamente vengono ripescate dagli artisti e dagli scrittori “maledetti” dell’Ottocento, come fenomeno esotico o come bandiera di riscatto, per poi esser fatte proprie dal cinema o dalla musica pop, in termini di trasgressione, cultura alternativa o antagonista o altra, o dalla cultura “alta”, come teatro, balletto, spiritualità. La loro “riscoperta” è perciò sempre un processo lungo e contraddittorio, socialmente altalenante, ed è anzitutto una riscoperta tecnica e strumentale, oltre che storica e culturale. Il viaggio della “danza orientale” o arabic dance nella cultura occidentale risale all’Orientalismo ottocentesco e alle produzioni del teatro “minore” (vaudeville, burlesque) prestate poi alla nascente industria cinematografica e a Hollywood in particolare. Lo stesso termine “belly dancing” (che in realtà indica solo una parte di una danza che implica il movimento di tutto il corpo) viene inventato nel 1893 in occasione della Fiera internazionale di Chicago, cui parteciparono numerosi gruppi di danza provenienti dal Medio Oriente e dal Nord Africa, fra cui l’ Egyptian Theater of The Street. All’inizio la diffusione della “danza del ventre”, incorporandosi alle danze dei paesi ospitanti, aveva un carattere eclettico e ambiguo moralmente e socialmente. Si deve alla danzatrice e coreografa statunitense Ruth St.Denis, una delle pioniere della danza moderna, il primo tentativo, all’inizio del XX secolo, di dare alla “danza orientale” una forma “rispettabile” nel contesto di un balletto, Shakuntala. Successivamente la St.Denis si dedicò a concepire “danze egiziane” legate all’Oriente e al misticismo indiano in particolare, fra cui la famosa Radha. La St.Denis era profondamente attenta e sensibile sia alla tecnica e alla composizione musicale, col suo sistema detto Music Visualisation, sia agli aspetti religiosi della danza, con la sua Society of Spiritual Arts (1931), per cui scrisse un libro inedito, The Divine Dance. In questo rapidissimo accenno alle transizioni della “danza orientale” nella cultura occidentale, siano esse nella forma della tribal fusion statunitense, col suo melting pot multiculturale, che nella forma della danza contemporanea, si possono cogliere alcune delle caratteristiche peculiari della belly dance attuale, spesso oscillanti fra aspirazioni colte e mainstream e derive subculturali o tribal. Alla base c’è sempre, oltre la passione e la “vocazione” personale, una grande disciplina tecnica, che richiede anni di allenamento e di studio per poter eseguire movimenti, gesti e passi ritmici con leggerezza, flessibilità e velocità. La musica strumentale e il canto sono strettamente connessi alla danza. La musica non è o non deve mai essere casuale, i suoni ritmici e melodici devono corrispondere rispettivamente ai movimenti del corpo (movimenti ritmici secchi e duri) e della psiche (movimenti morbidi e flessibili). Danza, musica, costumi, scenografia e tema devono creare un unicum di grande potenziale emotivo, sia che si tratti di una performance solista che di una coreografia più complessa. Nel panorama italiano ed europeo Gaia Scuderi è una delle danzatrici, coreografe e maestre più apprezzate e amate, sia per la sua straordinaria bravura e versatlità che per la ricerca stilistica che fonde danza orientale e danza contemporanea, flamenco e danza classica. Figlia d’arte (l’insegnante di danza contemporanea e araba Roberta Bongini), assegna subito grande importanza al lavoro pratico e teorico, oltre che alla creatività e alla ricerca stilistica, come personale rivisitazione che lei definisce contaminazione fra i diversi stili di danza e il teatro. Con la madre ha scritto il manuale La danza del ventre (Gremese, 2007, con annesso DVD), e collabora con musicisti di grande talento come Jamal Ouassini , direttore dell’ Orchestra di Tangeri, il pianista e compositore Stefano Maurizi e il regista irakeno Kassim Bayatly. Considerata come una delle migliori soliste in Europa, si esibisce in festival teatrali e spettacoli di vario genere, opere liriche, concerti di musica classica, sacra, etnica, video clip musicali. Fondendo allenamento e studio, tiene regolarmente stage e corsi in tutta Italia e Europa, in un insegnamento che tiene conto sia della tecnica che della ricerca stilistica ed espressiva, fra danza e teatro. Ulteriori approfondimenti: www.gaiascuderi.it/index.html www.youtube.com/user/StaffGaiaScuderi

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Tag: orientalismo, bellydance