Il nuovo episodio di Friday Prejudice.Pubblicato da kekkoz | Commenti (2)
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Il nuovo episodio di Friday Prejudice.Pubblicato da kekkoz | Commenti (2)
Zombieland
di Ruben Fleischer, 2009
Pur mostrandomi convenientemente gasato a priori, era difficile investire incontrastata fiducia in un progetto come Zombieland: un po' perché Fleischer è un esordiente e i due sceneggiatori hanno un curriculum difficilmente verificabile, un po' perché la horcom sembrava aver esaurito tutto quello che aveva da dire dopo essersi moltiplicata in un numero di epigoni di Shaun of the dead. E anche perché la stagione per il genere horror e le sue contaminazioni sembrava già troppo positiva.
E invece Zombieland finisce lassù, in cima alla lista. Lo riconosco, che a volte sembro entusiasta e poi in realtà si tratta di un dato relativo: difficile quantificarlo in senso oggettivo, l'entusiasmo. Stavolta però si fa sul serio: Zombieland è davvero uno dei film più divertenti, scatenati ed esaltanti dell'anno. Una "commedia on the road con gli zombi" ambientata in un'America abbandonata e dominata dai morti viventi, i cui relitti sono osservati con cinico distacco e dove l'ultimo dei sopravvissuti è colui per il quale un contagio globale non faceva poi questa gran differenza. Un film scritto e interpretato talmente bene da riuscire persino a mettere gli zombi in secondo piano. Tanto che a un certo punto quasi non servono più.
Tutt'altro che una robetta scema e vacua, insomma. Se Rhett Reese e Paul Wernick mostrano una consapevolezza impressionante delle regole (appunto) del gioco e ne fanno buon uso per compiacere il nerd e il cinefilo infarcendo il film di trovate, Ruben Fleischer stupisce con una messa in scena immediatamente esplosiva - i primi 5 minuti del film sono tra i migliori incipit dell'anno, se non il migliore. Il cast non potrebbe essere meglio assortito, soprattutto l'improbabile buddy relashionship tra Jesse Eisenberg e Woody Harrelson, ma anche Emma Stone (già addocchiata in Superbad e The house bunny) è adorabile. Mentre è proprio geniale la trovata delle sovraimpressioni tridimensionali: non soltanto un gioco ma un vero "svelamento" dei meccanismi narrativi e degli innesti della sceneggiatura.
E come se tutto questo non bastasse, c'è tutta la lunga sequenza ambientata nella villa di un certo attore: assolutamente sublime.
Il film uscirà in Italia, pare, nel maggio 2010 con il titolo Benvenuti a Zombieland. Alla faccia del tempismo.Pubblicato da kekkoz | Commenti (15)
Gli abbracci spezzati (Los abrazos rotos)
di Pedro Almodóvar, 2009
Se il cinema di Almodóvar ha preso sempre più una piega definitivamente cinefila, di questo percorso Los abrazos rotos è probabilmente il punto di arrivo e il culmine: la mescolanza di noir e melodramma pesca sia dalla tradizione americana che da quella europea, ma questa volta si scoprono davvero quasi tutte le carte: quando in un film un personaggio si avvicina a uno scaffale pieno di dvd e comincia a elencarne i titoli è chiaro dove si voglia andare a parare.
Ma l'ultimo lavoro del regista spagnolo non è soltanto straboccante e strabordante di citazioni, spudoratamente compiaciuto nell'omaggiare il suo cinema del cuore (da Sirk a Malle a Visconti) e il suo stesso cinema (la riproposizione finale del metodo-Almodóvar anni '80), ma è anche un'opera splendida a vedersi grazie alla fotografia satura e precisa (di Rodrigo Prieto, che viene da Inarritu) e soprattutto un film complesso e stratificato su una magnifica ossessione. Duplice: quella per una donna e quella per un film, per cui i nuclei narrativi come il triangolo amoroso e tematici come la scopofilia (una delle citazioni più palesi è quella di Peeping Tom, capolavoro di Michael Powell), rimandano sempre e comunque a un fattore comune: l'eterno abbraccio tra la vita e l'immagine, unite e insieme spezzate dalla lama bidimensionale di uno schermo.
Forse l'intenzione di girare la sua confessione definitiva di fronte all'altare del cinema, di "girare il suo 8 e mezzo" insomma (non a caso il film è presente nello scaffale di cui sopra) fallisce sotto il peso di una sceneggiatura che sa lavorare alla perfezione su stilemi dei generi ma che giunti alla resa dei conti non evita di dilungarsi in didascalie che parlano sicuramente meno di uno sguardo di Penélope Cruz. Ciò nonostante, è proprio in quest'abbraccio non più filtrato tra il regista e la sua arte che ritroviamo il miglior Almodóvar, ne riscopriamo la passionalità - e, qua e là, persino il genio.Pubblicato da kekkoz | Commenti (4)
Toh, c'è il nuovo episodio di Friday Prejudice. Almeno è breve.Pubblicato da kekkoz | Commenti
Nemico pubblico (Public enemies)
di Michael Mann, 2009
Come sia andata, nel rapporto tra me e questo film, è cosa assai curiosa: mentre "manniani" ben più convinti di me hanno aspettato questo film come l'avvento di un messia per mesi per poi dirsi, almeno nella metà dei casi per quanto riguarda le mie conoscenze, sostianzialmente delusi di fronte al fatto compiuto, complice la freddezza della critica americana ho aspettato questo film con la certezza che non mi sarebbe piaciuto.Quando mi sono deciso ad affontarlo, l'ho fatto quasi con aggressività. Vieni e colpisci, Michael Mann. Non mi fai paura.
E non si può dire che Mann non ci abbia messo del suo, per non farsi piacere: perché la prima metà secca del film, dopo l'ottima partenza (anche se lontana millenni luce dall'incipit di Miami Vice), è un'esperienza piuttosto frustrante. Nei primi 70 minuti, tutto quel che ha da dire e da mostrare, il regista lo mette soltanto in ciò che lo interessa di più, da spudorato romantico qual è, ovvero nel rapporto amoroso, dichiaratamente distruttivo, utopico e fallimentare e proprio per questo incredibilmente struggente, tra il John Dillinger di Johnny Depp e la Billie Frechette di Marion Cotillard. E ancora di più, la dialettica tra John Dillinger e Melvin Purvis: che semplicemente, non esiste. Ed ancora presto per accorgersi che forse è semplicemente irrilevante.
Poi il film prende un'altra piega - prima di tutto inserendo una sequenza assolutamente fenomenale e rivelatrice come quella dei "due Dillinger" nella sala cinematografica (ben prima che il cinema finisca al centro di un'altra delle sequenze-cardine del film), e diventando poi tutto ciò che non era riuscito a essere fino ad allora, con un'accelerazione cupa e violenta che non lascia tregua fino ai due finali - uno che si confà ai toni più canonici dell'epopea gangster, l'altro disperato e struggente come l'ultima delle lacrime. E' davvero un grande film, la seconda metà di Public enemies: persino l'arrancante fotografia digitale, che nelle scene dialogate e nelle più assolate sequenze della prima parte sembrava ingiustificata quando non irritante, crea finalmente il ricercato contrasto con la patina della ricostruzione storica - dopotutto, il set decoration è l'ultimissimo problema di Mann: dopo la Los Angeles di Collateral e la Miami di Miami Vice, Public Enemies è un film disperatamente antropocentrico. Un film in cui persino i grandangoli vengono usati per i primissimi piani, un film che si poteva girare anche in un teatro di posa vuoto.
E nonostante il crescendo d'azione e le sparatorie gli consentano, come già nei film immediatamente precedenti, di lavorare sul montaggio sfruttando proprio il digitale in modo furioso, e sulla costruzione dei corpi nello spazio in modo davvero sublime, la messa a fuoco di Public enemies rimane la stessa della prima metà, ben precisa - la speranza che John Dillinger ha visto negli occhi e nella bocca di una donna con cui ha scelto di danzare, di fare l'amore, e infine di provarci. Lo si vede dall'attenzione che Mann dedica a scene come quella, magistrale, dell'arresto di Billie, della rabbia soffocata di Dillinger che arretra e si allontana in lacrime. Da lì in poi, in mente c'è solo un destino macchiato di sangue, che è come la foto mancante sulla bacheca dell'ufficio dei federali, spiata dal punto di vista di un fantasma innamorato che si prepara a morire sul serio.Pubblicato da kekkoz | Commenti (13)
Moon
di Duncan Jones, 2009
Presentato all'ultimo festival di Sundance e poi accolto in USA e UK con unanime entusiasmo, il primo lungometraggio diretto da Duncan Jones è davvero una bella sorpresa - forse, dandogli tempo, una di quelle che lasciano il segno: Jones si dimostra fin da principio un regista e soggettista abile e sensibile, ma il fatto che più sconcerta è come questo suo esordio vada in una direzione differente rispetto a quella che siamo abituati a vedere nelle opere prime - più cupa e "sottrattiva": una scelta impeccabile, per quello che vuole ottenere.
Infatti Moon è costato "soltanto" 5 milioni di dollari, eppure è anche uno dei film di fantascienza più rigorosi e profondi degli ultimi tempi: forse perché Jones ha il coraggio di non chinare la testa di fronte ai classici, di genere e non solo, ispirandosi addirittura con sfrontatezza a modelli "alti" come Solaris e 2001: Odissea nello spazio (il computer di bordo GERTY rappresenta una curiosa variazione sul tema di HAL) restituendo al grande schermo un'idea di fantascienza filosofica e metafisica che era andata perduta - il tutto con pochissimi elementi (un solo attore, ovviamente enorme, un set claustrofobico, un conto alla rovescia, una paura, una rivelazione, l'impulso alla libertà) che permettono di andare a fondo in una riflessione decadente e malinconica sull'uomo e la sua identità. Senza rinunciare all'impatto visivo, ovviamente, e soprattutto a una notevole ricerca, fin nel dettaglio, sull'armamentario futuribile - di cui il film fa sfoggio senza un briciolo di spocchia.
Difficile dire granché senza rivelare dettagli della trama: fatto sta che Moon riesce da solo a dare una boccata d'aria a un genere forse soffocato da un decennio di sensazionalismi, e che l'opera prima di questo 38enne inglese - che per un caso non tanto fortuito è pure il figlio di Ziggy Stardust - sembra già quella di un autore affermato, con una sua mitologia e, parrebbe, una sua ben definita impronta personale.
L'universo narrativo dovrebbe secondo le intenzioni di Jones dare vita a una trilogia*: speriamo, e confidiamo, che gli episodi successivi mantengano anche solo la metà di ciò che Moon promette.
Nei cinema dal 4 dicembre 2009
Il dvd britannico esce il 16 novembre e si può già acquistare.
*per quanto fonti riportino questa informazione, è in realtà improbabile che una trilogia si completi in questi anni: i prossimi progetti da regista di Duncan Jones dovrebbero infatti essere altri due film. Il primo è Source Code, scritto da Ben Ripley con Jake Gyllenhaal su un soldato che prima di un'esplosione si ritrova nel corpo di un'altra persona, e prima ancora Mute, un progetto più piccolo, un noir fantascientifico ambientato nella Germania del 2046.Pubblicato da kekkoz | Commenti (14)
Una notte da leoni (The hangover)
di Todd Philips, 2009
Non ci sarebbe molto da dire su questo film, amatissimo dalla critica in patria e dagli amanti della commedia americana, che non si possa riassumere nella frase tanto sciocco quanto divertente. Insomma, se Cose molto cattive di Peter Berg aveva il coraggio di andare più in là su un canovaccio analogo mentre Philips si ferma alla divertita goliardia, e se il film non è proprio un gioiello di comicità raffinata (spesso è episodico e, come spesso accade, gioca molto su personaggi di secondo piano scelti dalla pletora di comici della nuova comicità USA: qui Ken Jeong e Rob Riggle), nonostante ciò The hangover è veramente uno dei film più spassosi dell'anno. Tutto lì, alla fine: ma volendo dire altro?
I punti di forza del film, che gli permettono di smarcarsi dagli ormai risaputi meccanismi della bromedy, misoginia scalpitante inclusa, sono fondamentalmente due. E il primo è ovviamente la struttura, che ha l'idea brillante di togliere del tutto dalla scena un elemento che chiunque si giocherebbe come cardine, cancellarlo e sostituirlo con tutta una specie di detection story e basando quindi l'intero film su un vero e proprio buco nero narrativo (che permette di giocare anche con aspettative e i meccanismi di sceneggiatura: la verità sul pollo?) per poi rivomitare il tutto fuori fuori alla fine, nei titoli di coda, quando si pensava che "la verità", tra virgolette, non sarebbe mai arrivata. Il risultato a quel punto è un'esplosione decisamente esilarante: ma non c'è dubbio, Philips e soci hanno scelto la strada più lunga, tortuosa e difficile. Onore a loro, visto che sono stati ben ripagati: scendendo a patti con il proprio cervello, ci si diverte davvero come pazzi. Tutto lì, alla fine: volevate di più?
Il "di più" è il secondo punto di forza, in realtà ancora più rilevante: ovvero il personaggio di Alan. Il vero elemento di rottura del film, una forza anarchica e devastante, a cui non sono solo affidate tutte le battute migliori ma che riesce tra le pieghe di frasi non dette ad aprire scenari quasi disturbanti - anche, perché no, en passant, sul contesto sociale in cui è inserito il film. Per lui e per Zach Galifianakis, scusatemi tanto, non ho parole se non di entusiasmo.Pubblicato da kekkoz | Commenti (16)
500 giorni insieme (500 days of Summer)
di Marc Webb, 2009
Per un motivo o per l'altro, il lungometraggio d'esordio di Marc Webb, presentato al Sundance lo scorso inverno e poi a Locarno in estate, è divenuto uno dei casi dell'anno - anche per via del collegamento inevitabile tra il film e il suo target o pubblico di riferimento: può essere preso sul serio, si sono chiesti in molti, un film in cui l'incontro fatale tra i due protagonisti avviene grazie a una canzone degli Smiths, con tutto quello che gli Smiths rappresentano? Oppure, se esiste una linea del paraculo, questa è stata bellamente superata?
Sono la persona sbagliata a cui porre questa domanda: io avevo già preso sul serio Garden State, che innescava una storia d'amore in modo analogo ma con un pezzo degli Shins. E aggiungo due considerazioni: la prima, che essere paraculo non è un difetto di per sé, se poi viene fuori un bel film. E che una colonna sonora bella (o bellissima, come nel caso di questo film) non ha mai fatto male a nessuno. Comunque, tutte le considerazioni in merito si possono/potevano fare, e sono state fatte, anche a priori, ben prima di vedere il film. Una volta chiuso il capitolo, lo possiamo vedere, questo benedetto film?
Detto, fatto: e la verità è che forse è stata fatica sprecata: 500 days of Summer è una commedia romantica, punto. Divertente, e perfettamente inserito nel suo contesto, il film di Webb è in realtà molto più disilluso e cinico e molto meno pucci di quanto dia l'impressione: ma niente di rivoluzionario come, allo stesso tempo, niente per cui imbestialirsi - se si esclude la performance stralunata di Zooey Deschanel: e lì, va da sé, è solo questione di gusti. In un esordio, quanto si poteva chiedere di può rispetto a un film così ben scritto e così ben girato, anche se con le sue diaboliche tentazioni? Mi riferisco alla complessa struttura a incastro da primo della classe e a qualche derivetta da videoclip: ma se la prima è funzionale allo smarrimento amoroso del protagonista, anche le seconde (come il musical o la stilizzazione grafica) sono gestite con buon talento visivo.
Poi, le ambizioni si fermano a un certo punto, che a mio avviso è anche il punto giusto, è il punto che riesce a mantenere l'equilibrio tra la leggerezza del film e la sua "riconoscibilità", più generazionale che universale - anche se qua e là Webb prova e talvolta riesce anche a infilarci qualcosa di più: come la geniale e ultra-citata sequenza in split-screen su "aspettativa e realtà" che, toh, guarda caso, si applica così bene anche al film stesso. Una buona commedia romantica (o anti-romantica, fate voi) è merce rara, di questi tempi. Una di quelle che chiede tanto così, ma che stavolta restituisce qualcosa di più. Quanto basta? Quanto basta.
Nell'edizione italiana Summer si chiama Sole, e vabbè: ma per chiunque abbia visto il film o sappia di cosa diavolo parli, il titolo italiano è davvero un EPIC FAIL.
Nei cinema dal 27 novembre 2008Pubblicato da kekkoz | Commenti (16)
The house of the devil
di Ti West, 2009
Quando un film prende esplicitamente la strada dell'omaggio cinefilo, è inevitabile che si passi attraverso una fase in cui ci si domanda come e quanto il film riesca a riprodurre o a far riaffiorare lo spirito di un determinato tipo di cinema. Dopo ciò, è ovvio, bisognerebbe andare anche a vedere se il film riesca effettivamente a funzionare al di là del gioco citazionista, anche del più filologico e/o appassionato.
In tal senso, The house of the devil è una gran bella sorpresa, e lo è su entrambi i fronti: osannato da alcuni blog americani come uno dei migliori horror dell'anno (o addirittura il miglior) ma sostanzialmente apprezzato anche dalla critica più "tradizionale", il terzo film di Ti West, passato al vaglio del video-on-demand per poi trovare una distribuzione nelle sale americane in occasione di Halloween, è tutte e due le cose. Prima di tutto, è un film che riproduce in modo perfetto, dalla fotografia alle musiche, dai titoli alla struttura, la sensazione palpabile di un horror girato negli anni '80 (oltre che ambientato negli anni '80, per rendere tutto ancora più chiaro)
Che l'interesse del progetto vada in questa direzione lo dimostra anche la scelta di girare in 16mm invece che lasciare più facilmente alla post-produzione il lavoro di riproduzione della "patina" di quegli anni. Ma pur essendo un film che sembra nato appunto per far gongolare gli appassionati del genere, The house of the devil è molto altro - è un horror scaltro e ambizioso, quasi "intellettuale" eppure sinceramente "scary", un cupo incubo satanista come non se ne fanno più e girato come nessuno oserebbe più fare: rimandando allo sfinimento il "succo" della questione, montando il senso d'angoscia fino all'inevitabile doccia di sangue.
Il film è infatti tripartito: nella prima mezz'ora non succede assolutamente nulla, tutto è giocato su accenni musicali e "canoni" visivi e sonori (o entrambi: il telefono pubblico che squilla). A mezz'ora c'è una prima esplosione di violenza, improvvisa quanto annunciata, che rimane isolata ma che permette di alzare il tiro: da quel momento in poi ogni minimo dettaglio può diventare, e diventa, un tangibile presagio di morte. Per la catartica mezz'ora finale, con una chiusa beffarda in linea con i classici, bisogna aspettare più di un'ora.
Un gran film, a tutti gli effetti - anche grazie a un gran lavoro sul cast: i due padroni di casa Tom Noonan e Mary Woronov sono una garanzia, e c'è anche la stupenda Greta Gerwig, musa del cinema mumblecore. Ma il grosso del lavoro se lo accolla la semi-esordiente, meravigliosa, protagonista: Jocelin Donahue.
Link: Nanni Cobretti su I 400 Calci, Hunter Stephenson su Slashfilm, Metacritic.
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