Il nuovo episodio di Friday Prejudice.Pubblicato da kekkoz | Commenti (2)
Tag: friday prejudice
]]>
Il nuovo episodio di Friday Prejudice.Pubblicato da kekkoz | Commenti (2)
Recount
di Jay Roach, 2008
Vincitore dell'ultimo Emmy come migliore film televisivo dell'anno passato (premio consegnato postumo anche al produttore Sydney Pollack), resoconto romanzato ma millimetrico del macello che avenne in Florida nelle settimane successive alle presidenziali statunitensi del 2000 e che portò all'elezione di George W. Bush, Recount ha prima di tutto un merito immediato: quello di far sì che ci si capisca qualcosa. Merito dell'impeccabile esordio alla sceneggiatura di Danny Strong, attore televisivo visto tra l'altro in Buffy e Gilmore Girls, mostra una grande scioltezza nel muoversi tra le regole elettorali e il loro sovvertimento, tra il desiderio eroico di democrazia e i compromessi di un sistema zoppicante.
Facile perdersi qualche passaggio storico o numerico, ma poco importa - anche perché come da tradizione anche Recount è un film di personaggi. La differenza la fa quindi anche il cast, con performace radicalmente distanti: un ritrovato Kevin Spacey, proprio perché nella parte di un personaggio dai caratteri smussati e poco incisivo; Tom Wilkinson che interpreta un repubblicano con professionalità e distacco, e non a caso è un attore britannico; e soprattutto Laura Dern (premiata con un Golden Globe) che porta sullo schermo una Katherine Harris sopra le righe, quasi parodistica, ritratta con un maturo senso del ridicolo e con spietata lucidità. Jay Roach, premiato anche lui con l'Emmy, in passato è stato un pessimo regista alla guida di celebri commedie, ma qui è irriconoscibile: astuto, preciso, gagliardo. Il piccolo schermo gli fa bene.
Il film è disponibile in DVD inglese e ve lo tirano dietro.Pubblicato da kekkoz | Commenti (1)
The Goods: Live Hard, Sell Hard
di Neal Brennan, 2009
"Ahhhh, it feels like a Smurf jizzed all over my face!"
Più che un film, The Goods sembra un esperimento di resistenza: quanto si può tirare la corda riproponendo pedissequamente gli elementi di film precedenti - in questo caso quelli, stracitati, della premiata ditta Ferrell-McKay? Si può ottenere lo stesso risultato cambiando semplicemente l'ambientazione e il cast (e nemmeno tutto) e lasciare che il pilota automatico faccia il resto? Un esperimento, dicevo: perché mettere Jeremy Piven a fare il verso a Will Ferrell in un quasi-sequel di Anchorman con la regia in mano a un (quasi) esordiente suona quasi masochistico. Uno va a cercare una spiegazione.
Quasi consolante, anche perché conferma presagite impressioni, che la risposta insomma sia proprio che no, non si può - e che stanno pure cominciando a rompere le balle, oltre che la corda. Si intenda, The Goods le sue risate le strappa, se non cercate altro potreste pure essere accontentati. Ma a funzionare è sostanzialmente solo il nutrito cast di caratteristi di contorno (in particolare Kathryn Hahn: il cielo la benedica, adesso posso avere un film tutto su Babs Merrick?) con un sistema che a posteriori lascia di stucco: a ciascuno viene affidata una gag, una sola, che sia riuscita o meno, da reiterare per tutto il film. Tutto lì. Il fatto che un paio portino a casa la giornata e due ghignate è più colpa della nostra contingente deficienza e dell'attrazione per sciocchezze simili che merito del film*.
Inutile dire che il resto sia quantomeno disastroso, Don Ready è il solito americano arrogante e presuntuoso fino all'ovvia redenzione finale ma stavolta non funziona, non buca lo schermo, fa pure un po' innervosire. Colpa di Jeremy Piven? Fino a un certo punto: è anche colpa di una scrittura che non fa più un briciolo di sforzo, un cinema addormentato su se stesso che avrebbe bisogno di una scossetta e che invece si accontenta di ripetersi allo sfinimento.
*le due sequenze con Will Ferrell himself, prima con la "pioggia di dildo" e poi con i due angeli che insultano Piven in gospel, mi hanno fatto ridere come un cretino - e non nascondo un senso di leggera vergogna.Pubblicato da kekkoz | Commenti (1)
Nel paese delle creature selvagge (Where the wild things are)
di Spike Jonze, 2009
(questo post, per forza di cose, è una rielaborazione più noiosa di quanto già detto di là)
Sapete che c'è? Che un po' vi capisco. Sono molte le volte in cui, di fronte a un dissenso totale sullo stesso film da parte di persone intellettualmente abili, pur invocando un soggettivismo e un rispetto per le opinioni altrui che da queste parti sono sacri o quasi, non sono riuscito a capire dove stia il problema. Negli anni, tempo fa, li abbiamo chiamati "film divisòri", un termine scherzoso che nascondeva un certo imbarazzo e, in alcuni casi, ne sono sicuro, un certo livore e una sana incomprensione.
Stavolta è diverso: comprendo perfettamente, Where the wild things are è un film che può lasciare insoddisfatti, scontenti, arrabbiati. E se ne scrivo qui è perché questo è uno degli aspetti questo film che trovo più interessanti, almeno a posteriori. La mia interpretazione più semplice è che si tratti un film di fronte a cui bisogna per forza abbassare la guardia, un film che può non funzionare - o meglio: che non può funzionare da spalti scavati nelle trincee. Quelle delle opinioni degli altri, delle nostre aspettative, del filtro di cinismo che spesso e volentieri ha l'utile funzione del frutto proibito ma che, davvero, stavolta non ha senso di essere portato con sé in sala.
Non è un problema mio, forse, né vostro, né probabilmente del film, insomma: quello che Jonze è riuscito a portare sullo schermo con tutta questa fatica (che si vede, e che lo rende irrisolto, sì, ma anche materico e "pesante", quasi come i passi dei mostri selvaggi), è qualcosa di spudoratamente, oscenamente personale che non si ferma alla riproposizione meccanica di un sistema onirico né alla stesura di una tematizzazione del contrasto tra infanzia ed età adulta. Sarebbe troppo facile. Jonze invece ha puntato a un'immersione visionaria senza compromessi, senza nemmeno il beneficio dello scarto del punto di vista (ad eccezione di una brevissima scena verso la fine, il film è narrato esclusivamente attraverso l'osservazione di Max, artificio che rende quella stessa scena così straniante e "violenta"), una cosa piuttosto difficile da accettare, se non scendendo a patti con il proprio inconscio - e forse, a volte, con il proprio passato.
Pur non essendo il miglior film dell'anno né il capolavoro infallibile che qualcuno, forse scioccamente, dava per scontato (e perché mai, visto che non è diretto da un regista infallibile?), Where the wild things are è in realtà un film che mi ha colpito a livello più primordiale - che ha toccato me, personcina che scrive questo post, per il quale non riesco a provare una profonda simpatia (che, capiamoci bene, ha anche a che fare razionalmente con il risultato in sé, con ciò di cui il film parla, con ciò che il film ottiene, soltanto che è meno divertente discuterne ora), che mi ha trascinato e da cui io, insieme a molti altri, ho avuto la fortuna e la sfrontatezza di farmi trascinare, fottendomene.
Quindi ecco che c'è, che vi capisco. Ma stavolta, di essere nel torto, sono ben lieto.Pubblicato da kekkoz | Commenti (19)
Deadgirl
di Marcel Sarmiento e Gadi Harel, 2008
Per avere una prima idea di cosa vi aspetta, potete dare un'occhiata alle motivazioni del rating "R" da parte della MPAA: "strong aberrant sexuality, graphic nudity, bloody violence and pervasive lanuage". Se non fosse abbastanza chiaro: Deadgirl è un film che raccoglie la vasta eredità dei film (non solo horror) in cui la metafora dominante è l'estremizzazione dei conflitti adolescenziali, in particolare all'interno dell'universo delle high school, spostando più in là i confini del raccontabile e - pur con un uso preponderante del fuoricampo - del rappresentabile.
Quel che Sarmiento e Harel ottengono è uno dei film più volutamente sgradevoli degli ultimi anni, e non solo per la puntuale scena di catrazione: due giovani "loser" trovano nei sotterranei di un ospedale abbandonato una donna nuda e apparentemente morta legata e nascosta sotto un telo di plastica. Ma la donna "non muore". Decidono di fare di lei quello che difficilmente un personaggio di un film, anche il più malato, avrebbe fatto. Non solo: nell'economia narrativa e alla luce del ritratto dei due personaggi, sembra quasi una scelta obbligata - che lo rende ancora più inquietante.
In realtà Deadgirl è un film più interessante che davvero riuscito, molto limitato sia produttivamente (e sospetto che non sia solo una questione economica) che nel suo concentrarsi su una serie ristretta di elementi narrativi e provocazioni gore. Ciò nonostante, è anche un film visivamente molto libero e indipendente, oltre che sinceramente disturbante: senza bisogno di usare la parola con la Z e senza addormentarsi sul facile grottesco, decide invece di andare a scavare con le unghie e con i denti nel purulento buco nero nascosto nel petto di una generazione.Pubblicato da kekkoz | Commenti (7)
E il nuovo episodio di Perjantai Prejudice.Pubblicato da kekkoz | Commenti (2)
Orphan
di Jaume Collet-Serra, 2009
Sono molti gli elementi che danno una scossa a Orphan permettendogli di rendersi interessante (e non certo un horroraccio da due soldi), ma il primo è probabilmente la presenza scenica di Isabelle Fuhrman. Questo film sarà pure una spassosa sciocchezza, ma io di dodicenni che recitano così, e così bene, ne ho viste davvero poche. Il film passa e va, la Fuhrman resta. L'altro lato della medaglia è la coppia di "adulti" protagonisti, Vera Farmiga e Peter Sarsgaard, che sono veri attori, recitano, funzionano: la cosa fa la differenza più di quanto si possa immaginare.
C'è altro, in realtà: anche se, come capita spesso ai thriller che giocano molto su un twist narrativo così forte, gran parte del minutaggio è palesemente preparatorio e ciò che più caratterizza il film è la parte finale. Ma se Orphan riesce, con una perfetta sequenza-climax in montaggio parallelo, a imboccarci una svolta narrativa così sensazionale e bislacca senza farci dire bif, facendola seguire da una escalation di violenza che lascia a bocca aperta, gli facciamo passare qualche inconsistenza e lungaggine. Anche perché in tutta la lunga fase che porta a quel punto cruciale, Collet-Serra lavora benino sulla decostruzione del nucleo famigliare, centellinando inquietudini e dubbi anche piuttosto disturbanti (soprattutto sul malcapitato padre adottivo) - non andando molto in là, è vero, ma non è per forza un difetto.
Devo ammetterlo, nonostante non sia uno dei titoli migliori in una stagione davvero fortunatissima per il genere, mi sono divertito. E mica poco. Quanto basta. No, un po' di più.Pubblicato da kekkoz | Commenti (12)
Parnassus (The imaginarium of Doctor Parnassus)
di Terry Gilliam, 2009
Mi sono reso conto che ci sono cose che concedo volentieri a Terry Gilliam e che non concederei quasi a nessun altro: la magia di Parnassus risiede forse proprio nel suo essere un film scombinato e scombiccherato? E inoltre, è un film sfortunato, mutilato, infine miracolato. L'artificio grazie al quale Gilliam ha risolto il dilemma della dipartita di Heath Ledger rivoltando la sceneggiatura e facendo ripartire da zero persino assunti di base del suo immaginario è geniale, ma non toglie che nel film, in ogni sua inquadratura, si senta il peso di un'assenza. Che non è soltanto quella dell'attore australiano, ma quella del film che era - come se dentro al corpo ciancicato di questo Parnassus si muovesse il fantasma di un Parnassus che non vedremo mai.
Per il resto, Parnassus è davvero il primo vero erede diretto di Le avventure del barone di Münchausen (con Christopher Plummer dove c'era John Neville e la splendida, ammaliante Lily Cole dove c'era una giovanissima Sarah Polley) ed è quanto di più lontano possa esserci dall'appeal commerciale di un Tim Burton ed è destinato, con il suo ritmo scivoloso e squilibrato, a fare arrabbiare il pubblico "medio" in caccia di volti da star - mentre sembra nato per fare la gioia di chi segue Gilliam da una vita: ci ritroverà quella stessa apparentemente ingenua e amabile spavalderia nel cantare le lodi della narrazione e nell'elogiare il potere dell'immaginazione, oltre che l'inimitabile modo in cui il regista ha sempre giocato con i piani del racconto, tra sonno e veglia, tra realtà e finzione, tra i baracconi di cartone di cui è fatto il mondo e la pulsione e il desiderio di cui sono fatti i sogni.Pubblicato da kekkoz | Commenti (6)
Il nastro bianco (Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte)
di Michael Haneke, 2009
Una delle prima cose che ho pensato dopo Il nastro bianco è stata che di rado di recente mi è capitato di vedere una tale incondizionata dedizione al contesto: il paradosso dell'ultimo film del grande regista austriaco è proprio la frustrazione della sua natura lineare di mystery tale, la negazione di una progressione risolutiva - nonostante il film inizi proprio con un mistero da decrittare. Infatti, tale enigma rimarrà per sempre irrisolto. O meglio, lo sarà ai personaggi, non allo spettatore, omnisciente suo malgrado: Il nastro bianco è un film che fa prima di tutto entrare lo spettatore all'interno della narrazione, rendendolo parte dell'intreccio proprio perché unico (o quasi) possibile testimone della Verità.
Da qui la dedizione al contesto: anche perché la soluzione dell'enigma non esiste, perché è sotto gli occhi di tutti. Troppo orribile, vero, ma soprattutto inconsciamente impossibile da ammettere: farlo vorrebbe dire di fatto arrendersi alle proprie disperate mostruose responsabilità, di fronte ai propri figli e al futuro del paese stesso - e il fatto che i personaggi la ignorino, anzi, non la prendano in considerazione fino all'epifania di una "anima pura" (a suo modo purificata dal sentimento in un mondo che sembra aver applicato un principio di repressione in cui la parte più scoperta del gioco è la soggezione dell'universo femminile) non fa che aumentare l'angoscia dello spettatore. Sono procedimenti che Haneke ben conosce e che applica sempre con grande mestria: Il nastro bianco è un film che, con il magnifico bianco e nero di Christian Berger, sembra ricercare il distacco più totale, ma che finisce per diventare, a suo modo, quasi un ossimorico film interattivo.
L'orrore che il paese e il suo affresco nasconde può essere svelato infatti solo da ne chi conosce il seguito: perché se Il nastro bianco è un film sulle radici più cupe della cultura tedesca del novecento, una "nascita della nazione" profondamente perturbante non solo se si pensa all'annuncio che chiude il racconto ma a quel che accadrà dopo, quello costruito da Haneke è più generalmente uno sguardo sui germogli di tutto il secolo breve nell'intero continente, un film su un Novecento le cui pagine sono scritte con il sangue e le cui parole recitano discriminazione, sopraffazione, punizione. La responsabilità, come al solito, sta nei semi di menzogna, castrazione e violenza lasciati dai padri: e il futuro, anche il nostro, nello sguardo dato a un passato così lontano e a ciò a cui gli anni a venire avrebbero assistito, non potrebbe essere più nero.
Ma Il nastro bianco non è soltanto questo: la dedizione al contesto di cui si diceva non è soltanto tematica ma anche figurativa - un livello, questo, su cui il film di Haneke si pone invece più semplicemente tra i risultati più alti delle ultime stagioni cinematografiche. Non soltanto la già citata stupefacente fotografia, ma tutta una messa in scena, sintetica, algida e crudele, che porta con sé l'esperienza del cinema di Haneke (per esempio sull'uso significativo dei piani lunghi, o del fuoricampo) cristallizzandola nella forma più lucida e perfetta.
Pubblicato da kekkoz | Commenti (11)
Il nuovo episodio di Friday Prejudice è online.Pubblicato da kekkoz | Commenti (5)