Qui non si parla di cinema 2

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2007-09-04T20:20:31+02:00

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2007-08-12T11:23:49+02:00

Silberling non è uno...

2007-03-09T16:46:36+01:00

Silberling non è uno qualsiasi. Non è uno che confeziona filmetti da popcorn. È uno che, in un filmetto che si accompagna volentieri a un cestello di popcorn, innesta un sostrato di consapevolezza esistenziale e una riflessione al limite della vita che non è così usuale. I suoi sono sempre personaggi dall’animo puro e disarmato. C’era il giovane Joe Nast in Moonlight mile, diviso tra la pietà e la propria vita, c’era Susan Sarandon, mamma strepitosa, inquieta e materna allo stesso tempo. Ora ci sono Violet, Klaus e Sunny, tre ragazzini orfani, con un sensore interiore per l’ingiustizia e con un’impellente necessità di trovare casa. Devono tutti cercare casa, i personaggi di Silberling, in senso materiale ed effettivo, oltre che simbolico: alle spalle c’è un’assenza e di fronte c’è la necessità di trovare il proprio posto. Anime che vagano e che abitano ciò che hanno intorno, che si costruiscono uno spazio (la tenda e le invenzioni per i tre giovani Baudelaire e le fughe al bar per Joe) e cercano di renderlo abitabile. Non partono, non fuggono. Al contrario, restano e si inventano qualcosa. E’ la la forte adesione di Silberling all’imperfezione della vita che addirittura induce un angelo a diventare uomo. E’ un mondo di umani non umani, di segnali di vita che combattono con se stessi: fantasmi, angeli e lutti che rimangono sullo sfondo ma condizionano il film. E d’altro canto risposte che si cercano dal nulla (le lettere di Moonlight mile e le fotografie e la lettera dei genitori Baudelaire). I film di Silberling sono sempre un dialogo con ciò che non si vede e non si conosce. In compenso ciò che si vede, ciò che cade sotto l’occhio, brucia inesorabilmente. C’è uno sfuggire la messa a fuoco da parte di Silberling, un rappresentare tramite le ombre e silouette che è davvero poesia. Joe Nast rappresentava la cifra del tocco di Silberling che è proprio quella pietà di cui si è detto, uno sguardo vicino pur nascosto, un’adesione partecipata benché silenziosa; e quell’impotenza di Joe Nast che infine si arrendeva al gorgo di parole troppo a lungo trattenute. Un’impotenza che però si affida a una positività di fondo dell’universo silberlinghiano, universo che non disconosce nulla, ma ha fede. Joe Nast, dicevamo, è la cifra del tocco di Silberling. Ma in questo secondo suo film risalta come inconsueta, per il tipo di operazione, la malinconia lieve che va a sostutire il clima sinistro dark dell’originale letterario. E ritorna prepotente la giocosità di fondo che caratterizza la cinematografia di Silberling, che in film come Moonlight mile e City of Angel faceva capolino nelle peculiarità e nelle bizzarrie dei personaggi e che, in film adatti anche ai bambini come Lemony Snicket e Casper, si prende tutto il respiro desiderato e consente anche di sbeffeggiare un cattivo senza rimorsi come il conte Olaf.

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L’orco Shrek torna in azione dopo...

2007-03-09T16:38:50+01:00

L’orco Shrek torna in azione dopo aver sbancato i botteghini due stagioni fa. Torna per reimmergersi nella vita pratica dopo che l’amore ha travolto il suo tran tran quotidiano della palude. E, tra i doveri di un bravo marito, c’è anche quello di conoscere i genitori della consorte e cercare di andarci d’accordo. In questo secondo capitolo di Shrek c’è dunque la presentazione dello sposo alla famiglia, c’è il fatidico confronto tra Shrek e il Principe Azzurro, e c’è l’ingresso di un nuovo personaggio nella coppia Shrek-Ciuchino, ossia un’esilarante versione del Gatto con gli stivali. Coerentemente con lo spirito dissacratorio dell’originale, in questo Shrek 2 si esce dalla favola, com’è logico che sia quando si chiude il libro e si va a vedere che cosa c’è dopo il “Tutti vissero felici e contenti”. I nostri si trovano coinvolti nel confronto con la realtà e con gli obblighi formali delle fiabe originali. Sintomatico, peraltro, che sarà proprio con l’aiuto dei personaggi delle favole, Pinocchio emulo di Tom Cruise, o l’Omino focaccina imprevedibile Gozilla, che Fiona e Shrek riusciranno a coronare il loro sogno d’amore e a fuggire a gambe levate dalla reggia dei suoceri e dal regno di Molto molto lontano, sorta di Beverly Hills abitata dai personaggi delle fiabe più aristocratiche. Naturalmente la rivisitazione del mondo delle fiabe rimane spregiudicata e, come ogni film demenziale che si rispetti, resta il gusto di capovolgere i personaggi, farne vedere anche il lato nascosto tridimensionale e farne parodia. E la parodia coinvolge pure il cinema: moltissime, infatti, le citazioni cinematografiche. Libero dall’esigenza di costruire la storia e i personaggi, questo secondo Shrek ha la sua marcia in più nell’accostamento fiaba-realtà che, senza smentire l’ispirazione favolesca, consente di giocare a tutto campo con i numerosissimi personaggi (camei a non finire, in questo film) e di giungere a un esito tanto romantico quanto canzonatorio. Decisamente migliore del primo, dunque, questa seconda saga di Shrek, sia per compiutezza ché, se dissacrazione dev’essere, allora sia e non risparmi nessuno, sia per il ritmo precipitoso e per le trovate demenziali, innumerevoli e sempre a segno. E anche sul lato tecnico, i miglioramenti rispetto al precedente sono evidenti: la naturalezza dei disegni è sempre maggiore. Shrek e Shrek 2 sembrano quasi un manifesto dei nuovi cartoons Pixar e Dreamworks che, come giovani impudenti, si prendono gioco dei tradizionalisti cartoni della Disney.

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Con Quando meno te l'aspetti Garry...

2007-03-09T16:32:25+01:00

Con Quando meno te l'aspetti Garry Marshall torna sul luogo del delitto quindici anni dopo. Ieri, su quel pavimento lustro di un hotel di Beverly Hills, la pretty Vivian ringraziava il direttore dell’albergo Barney, gli faceva un buffetto, gli diceva ‘Sei forte’, e se ne andava via dall’hotel credendo di salutare per sempre un sogno e tornare alla amara realtà. Oggi una Helen sul pavimento lucido di una rivendita di auto nel Queens saluta ancora Hector Elizondo, questa volta nei panni del proprietario della rivendita, gli fa un complimento complice, e se ne va a costruire il suo sogno di realtà. Ma in queste due scene, per il resto identiche, c’è una differenza. Stavolta Elizondo non ricopre il ruolo a cui Marshall ci ha abituati. O meglio, infine lo ricopre, ma mediante una casualità, con una distrazione che Helen deve raccogliere da sè. Perché crescere, per la giovane Helen, significa innanzitutto muoversi da sola. Non ci sono più supporti dall’esterno. E qui sta l’altra enorme differenza con Pretty woman, a cui bastava essere se stessa per cambiare la propria vita. A Helen capita il contrario: deve faticosamente cambiare, ribaltare tutta se stessa, per trovare la propria strada. In mezzo, le altre: la Frankie di Johnny, terrorizzata dall’amore e affamata di cure (Paura d’amare), poi una tizia bizzarra che scappava al galoppo dal matrimonio (Se scappi ti sposo), e poi una giovane moderna e disinteressata all’idea antica di diventare una principessa (Pretty Princess). Stavolta è un’altra giovane donna che ha realizzato tutti i suoi sogni, ma le piomba tra capo e collo la realtà. Helen (Kate Hudson) è una vivace e fresca ragazza che lavora con passione in un’agenzia di modelle di Manhattan, accede a tutti i locali più esclusivi, frequenta modelli, è amata da tutti e cammina baldanzosa per la sua vita. Quando, a causa di una disgrazia, le vengono affidati i tre figli della sorella, la sua vita comprensibilmente si ribalta. Lascia Manhattan per il Queens, perde il lavoro e gli amici, e fa sacrifici a non finire. In tutto questo la necessità di imparare a farsi odiare. E poi, naturalmente, l’amore. Solo attraverso la comprensione di questa implacabile e totale antinomia si trapassa alla vita reale. Marshall ha scelto di raccontare le donne attraverso i tempi, ma soprattutto ha scelto di raccontare l’amore attraverso le donne, in una disarmata dichiarazione d’amore essa stessa. E il film è, infine, questo. Un delicato irresistibile toccante cumulo di momenti intrisi d’amore, talvolta acerbo, talvolta emozionato, talvolta impietoso. Ogni gesto, ogni sguardo è ricolmo di pietà e commozione, di consapevolezza e impotenza, dolore e felicità, per raccontare di una Helen precipitata a terra ma che, sebbene in altra forma, non ha pregiudicato la capacità di volare di Vivian. E lo capiamo proprio con quella strizzatina d’occhio al sosia pigro di Barney. Tutte le sfumature dell’arcobaleno in un film che fa male. E anche bene.

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UNA CANZONE PER BOBBY LONG Voleva...

2007-03-09T16:13:10+01:00

UNA CANZONE PER BOBBY LONG Voleva essere un blues e invece è solo un feulletton. È il primo lungometraggio della scrittrice e regista Shainee Gabel: tratto dal romanzo di R.E. Capps, Off Magazine St., è la storia della magica armonia che si instaura fra tre disperati che, da soli, non sanno governare la propria vita. I tre sono Bobby Long, naturalmente, ex professore di letteratura che ha smarrito la vocazione e la convinzione di poter fare del bene, il suo vecchio allievo Lawson, rimastogli al fianco fino a sacrificare per lui vita e ambizioni letterarie, e Purslane, fanciulla in fiore ma già votatasi all’inerzia. Riuniti sotto l’egida di Lorraine, sorta di novella Billy Holiday nonché madre defunta di Purslane e amica amante degli altri due, riescono a rinascere valorizzando il meglio l’uno dell’altro fino al suggello dell’unione familiare non più solo elettiva. E’ anche un film femminile, non militantemente femminista, ma senz’altro smaccato nel proporre una figura di donna che, invece di essere fecondata, feconda lei stessa le vite altrui. Così era successo con Lorraine, madre imperfetta perché artista, che incarna e patisce il dolore del mondo, madre che quindi va oltre se stessa e diventa una dea o, cristianamente, una madonna (e che, con altri esiti, ricorda un’altra figura materna cinematografica, ossia la madre di Lucy – Liv Tyler in Io ballo da sola), e così succede alla figlia Purslane che si sovrappone all’immagine della madre e porta nuova linfa e nuove speranze alle tristi vicissitudini di Bobby e Lawson. Il film patisce un esubero di ricerca estetica e cromatico-fotografica, che si ritrova anche nel ricorso alla miglior letteratura e alla miglior musica; tutti espedienti nient’affatto cinematografici per esprimere la poesia che si vorrebbe far passare. La regista non sa elevarsi mai al livello superiore visionario e lirico, come sarebbe capace di fare un Tim Burton, e il film diventa estetismo calcolato, autogratificantesi e fine a se stesso. La responsabilità va a un’imperizia di fondo della regia che non è mai in grado di valorizzare il potenziale poetico della vicenda e del territorio (una provincia americana del sud che, con quel suo essere un’altra America, un altro mondo, è sempre un teatro affascinante e magnetico) e che anzi, quando ci prova, per esempio durante la partita a scacchi tra Bobby e Lawson, riesce solo a far sobbalzare il ritmo. Così anche Travolta e la Johansson che, abbandonati a se stessi, non riescono a venire a capo della schizofrenica necessità di essere “buoni” ma anche “cattivi”. È sempre difficile esprimere una forma d’arte rispetto a un’altra. Meglio lasciarlo fare ai Kubrick e ai Bresson.

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2007-03-01T00:47:13+01:00

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2007-03-01T00:44:16+01:00

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2007-03-01T00:40:43+01:00

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2007-02-05T14:38:40+01:00