SlowFilm

Anche gli Uccelli Uccidono (Robert Altman 1970)

2008-07-12T21:01:03+02:00

Anche gli Uccelli Uccidono è la traduzione poco meno che letterale di Brewster McCloud, nome originale del film e del suo protagonista. Subito dopo M.A.S.H. e subito prima de I Compari, un film scopertamente feroce, dove il grottesco trova il suo apice nei tocchi surreali. Brewster è un ragazzo che nel 1970 vuole imparare a volare, con l'aiuto di una donna sulla cui schiena sono visibili le cicatrici di ali amputate, o perdute. Altman mescola cinema fantastico, generazionale, poliziesco realizzando una complessa caricatura e prendendosi la soddisfazione di far fuori e ricoprire di guano esponenti di svariate spregevolezze umane: il vecchio avido, il poliziotto corrotto, il violento, l' ottusa razzista e così via. In costante sottotraccia una notevole sensualità, ad opera di donne gelose e protettrici, ingenue o spensieratamente ipereccitate. Alcune trovate sono assolutamente divertenti, riuscitissima la figura del detective continuamente impegnato a nutrire il proprio ego, di una bellezza particolare Shelley Duvall al suo primo film importante. Ma a prevalere è comunque l'amarezza, la gabbia, un finale paradigmatico delle idee e degli umori di Altman, dove, come in Nashville, si tende a rimuovere forzatamente la tragedia, ad essere vittime compiacenti di una collettiva svendita delle coscienze e della consapevolezza. Qui una chiusura felliniana e metafilmica, un altro tocco di irreale utile a dare spessore realistico al cinismo dell'autore. (3,5/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (11)

Tags: cinema, commedia, altrocinema, drammatico, fantastico

Gli Inguardabili, n.8 - è tempo di replay.

2008-07-11T11:29:18+02:00

In realtà poco da dire, giusto l'occasione per riprendere questa rubrica che ben si conforma al clima afoso e disimpegnato. Questo luglio cinematografico va un po' a singhiozzo, ed alla tentazione di lasciare tutto e andare a giocare a racchettoni con i testicoli della Collezione Planet Terror, si oppongono un po' di bizzarrie e un paio di filmoni. La bizzarria è quella, già annunciata da tempo, di Haneke, che non propone un remake di Funny Games, ma un replay. [qui un po' di spoiler, casomai qualcuno avesse non visto Funny Games] Haneke non ci sta: prende il telecomando, nega l'evidenza e manda indietro. Il che mi ricorda qualcosa. Io ci starei attento a quest'uomo [fine spoiler]. Quanto possa valere un'operazione del genere è difficile stabilirlo. Attori più fighi e più americani e soldi per la pubblicità, queste le differenze dichiarate. E richiami inconsulti ad Arancia Meccanica nel trailer, nonché minacce di venirti a sfasciare casa e gambe, una roba raffinata. E Haneke che intervistato dice "Natural Born Killers e Arancia Meccanica sono film che utilizzo con i miei sudenti per spiegare un principio: non puoi fare una dichiarazione anti-fascista utilizzando metodi fascisti". Non l'ho capita; non posso capire una frase che metta sullo stesso piano NBK e Arancia Meccanica, qualsiasi interpretazione cela una contraddizione. Ma lasciamo stare. Io Funny Games l'ho già visto, è un bel film, e se ad Haneke gli va bene e se ho trovato il senso della frase sopra, si augura che fra i metodi fascisti vengano introdotte le mazze da golf. I filmoni, dal punto di vista della stazza, saranno rullo di tamburi due supereroi. Wow. Naturale poi che le persone normali non trovino lavoro. Questi due fanno parte della schiera dei tormentati, Hellboy, assiduo fumatore, palestrato, lampadato fino all'amaranto, camicia aperta, codino e corna limate, insomma un vero tamarro. Facile che me lo vada a vedere. Ed il tormentato per eccellenza, il Batman di Nolan, qui Cavaliere Oscuro con tanto di Joker. Non un replay, ma un remake. Mi spiace, il cinema è finito, provate a ripassare fra qualche mese.

Pubblicato da iosif | Commenti (10)

Tags: cinema, gli inguardabili

Cypher (Vincenzo Natali 2002), Wanted - Scegli il Tuo Destino (Timur Bekmambetov 2008)

2008-07-08T15:08:06+02:00

Vincenzo Natali e Timur Bekmambetov sono persone poco raffinate, pur se in modi differenti. Per renderci conto di questo basta guardarli in faccia, poiché i loro visi corrispondono al loro cinema. Ovviamente questa non è una regola che vale solo per i registi, e nel prossimo post si avrà anche una ragionata rivalutazione della frenologia e del rogo. Dunque, Natali è probabilmente anche una persona educata, piacevole, dalle idee tanto lunari che magari mentre state mangiando assieme un’insalata di pasta non puoi fare a meno di chiederti perché non smetta mai di essere tanto lunare, neanche mentre mangia l’insalata di pasta. Cypher è un film di fantascienza contorta, ma che demanda le contorsioni a continui cambi di volto, come nel finale di Invito a Cena con Delitto (film bellissimo, per inciso), dove l’assassino si straccia via una mezza dozzina di maschere in lattice. Alcune cose sono visivamente interessanti, in altre la mancanza di raffinatezza di Natali prende il sopravvento, con dei cambiamenti di tono forse non troppo voluti. Ci sono incursioni nella soap e nella fantascienza proprio quella dilettantesca, ma soprattutto Vincenzo segue il suo pensiero e mai nient’altro: nei suoi film non c'è una digressione, un dettaglio superfluo (quello in cui solitamente si cela il divino, per intenderci. Al divino piace nascondersi, chi siamo noi per rinfacciarglielo?). E poi, diciamolo, senza un kimono bianco e le inquadrature giuste Lucy Liu non è che sia una grande attrice, un po’ tappa e con lo sguardo di chi non vede l’ora di tornarsene a casa. Di tutt’altra pasta è Timur Bekmambetov, per gli amici Tim o Bek. Il problema è che non è semplice essere amici di un uomo che scuoia gli orsi con l’unghia del mignolo. Perché è questo che fa Tim, oltre a bere vodka nei teschi dei Vincenzi Natali e nasdarovie. Tralasciando l’ideologia di Wanted poco para e piuttosto fascista, il baraccone è anche divertente, ma ripetitivo ed autocompiaciuto. C’è da dire che Angelina Jolie magrissima e tamarra vince alla grande su Lucy Liu, ma all’ennesima esplosione di cervella viene qualche dubbio su un film in cui l’unico apporto ironico è chiedere scusa col sorriso sulle labbra a chi stai per introdurre in un tritacarne. Sono lontani anni luce i tormenti de La Zona Morta. E poi c’è Morgan Freeman. Nella parte di Morgan Freeman. Come in tutti i film, ad un certo punto appare Morgan Freeman ripreso dal basso verso l’alto che sa tutto. Forse fra una quindicina d’anni leggeremo nei titoli di coda “nella parte di Morgan Freeman Denzel Washington” o “Edward Norton”, o un accurato morphing fra i due. Nel frattempo, Wanted non è la cosa peggiore che possa succederti mentre ti godi due ore di aria condizionata. Cypher: 2,5/5 Wanted: 2,5/5

Pubblicato da iosif | Commenti (7)

Tags: cinema, fantascienza, azione, fantastico

Il Matrimonio di Mia Sorella - Margot at the Wedding (Noah Baumbach 2007)

2008-07-07T20:25:43+02:00

Il Matrimonio di Mia Sorella è un bel film, sicuramente più godibile e sorprendente per chi non abbia visto Il Calamaro e la Balena. Però se non hai visto Il Calamaro e la Balena mi spiace; davvero, guardalo, è anche meglio di Il Matrimonio di Mia Sorella. Credo il concetto sia chiaro. Potrei anche fare un altro giro, ma mi si squaglierebbe il ghiaccio nella menta. Vi piacerebbe un bicchiere di menta col ghiaccio, vero? Per me è anche meglio di Il Calamaro e la Balena e Il Matrimonio di Mia Sorella. Che voi non l’abbiate mi spiace: provatelo, Un Bicchiere di Menta Col Ghiaccio. Non ho trovato molte informazioni sulla vita di Noah Baumbach, ma ci sono ottimi motivi per credere che Il Calamaro sia un film fortemente autobiografico. D’altronde se sei nato in una famiglia borghese col padre scrittore puoi giusto raccontare di questo, mica puoi scrivere come Bukowski del tuo metodo per scommettere ai cavalli. Ti siamo già grati del fatto che nella tua opera non ci siano parole come Matrice e Midiclorian. No, scherzo, Noah, sei davvero ottimo, sei sintetico, diretto, a modo tuo molto cattivo. Dicevo, fortemente autobiografico Il Calamaro, e questo Matrimonio potrebbe essere una trasposizione al femminile e con un salto in avanti di una venticinquina d’anni della stessa famiglia. Lui è la Kidman scrittrice, il fratello minore che è diventato sorella c’è, le dinamiche tese pure. E il gioco. La prima scena del Calamaro con la partita da tennis è fantastica, in tre minuti e un paio di battute delinea tutti i ruoli ed i rapporti di forza. Anche qui il gioco, la sfida (la partita a croquet, l’arrampicata sull'albero) permettono il confronto diretto, la competizione. Ma la particolarità dei personaggi di Baumbach sta proprio nel loro essere sempre in competizione, e sempre estremamente espliciti, scoperti, aggressivi e vulnerabili. Il confronto è fra le loro interiorità, senza far ricorso ad allusioni od ipocrisie, più o meno ogni scambio è uno schiaffo in piena faccia. Il che rende la cosa molto asciutta ed interessante, nonostante il cospicuo uso di parole. Ma attenzione, mentre masticavo il mio cubetto di ghiaccio ho sentito qualcuno pensare “ma allora questo è un film solo di sceneggiatura, verboso, fors’anche un po’ noioso”, no, non lo è, perché nella sua struttura il film ha l’accortezza di lasciare ogni scena ed ogni possibile conclusione un po’ sospesa, accordando così maggiore attenzione al personaggio che alla sua storia; perché pur essendo girato in gran parte con camera a mano ha una scala cromatica fredda e particolare, simile a quella dell’opera precedente, e ricorda di mostrare anche lo spazio che c’è attorno ai personaggi; perché messi in un vero film Nicole Kidman e Jack Black (Jennifer Jason Leight lo sapevamo già) sono veri attori. (3,5/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (4)

Tags: cinema, altrocinema, drammatico

Piccolo Grande Uomo (Arthur Penn 1970), Alice's Restaurant (Arthur Penn 1969), Io Sono Leggenda (Francis Lawrence 2007)

2008-07-03T19:41:17+02:00

Credevo di trovarci una scena con Hoffman che si arrampica su una collina, piangendo sotto la pioggia, in Piccolo Grande Uomo, invece no. Si trattava di un altro film e quasi certamente non c'entra neanche Hoffman. Ma era comunque da rivedere, questo pseudo western che ancora una ventina d'anni fa passava spesso in tv. Una delle cose belle del cinema di Arthur Penn è che ogni classificazione di genere può essere preceduta da pseudo: pseudo western, pseudo gangster, pseudo sessantottino. Questo perché è uno di quelli che il genere l'ha arricchito snaturandolo, trovando un nuovo modo di fare epica. Credo sia unico il modo che ha Penn di lasciar seguire ad una parte grottesca o anche esplicitamente comica un’altra scena totalmente realistica e drammatica; e questo lo fa costruendo ogni sezione con lo stesso impegno, curando dialoghi e personaggi, raccontando storie e mostrando il mondo. E qui Hoffman è il suo burattino ideale, (pseudo)eroe non in cerca di identità, ma istintivamente consapevole che sia dannoso averne una. Hoffman è la nostra guida attraverso mondi e modi di pensare, come Zelig indiano fra gli indiani, pistolero fra i pistoleri, religioso fra i religiosi, sempre pronto a mollare quando si trova di fronte all’incarnazione umana compiuta e necessariamente ottusa di uno stock di idee. Film complesso, curatissimo eppure spontaneo, una recensione non particolarmente benevola del 1971 lo indica come “nuovo cinema per famiglie”, ed era vero. Più in là siamo stati educati ad essere di bocca buona. Il dubbio di essermi ormai affezionato alla firma di Penn, rischiando il pregiudizio positivo, è stato confutato da Alice’s Restaurant, con e su Arlo Guthrie, che deve essere una persona piacevole, ma il suo racconto fricchettone non è altrettanto convincente. Segno che le cose è meglio costeggiarle, prenderle alla larga, e che la leggerezza e l’ironia non sono connaturate ad una situazione, ma vanno costruite. Sembra non entrarci per niente, ma il nuovo cinema di intrattenimento è Io Sono Leggenda. Che non è male, prima di tutto perché si parla straordinariamente poco. Bestie come leoni e gazzelle sono orrendamente finte, quindi l’effetto sul tipo de L’esercito delle Dodici Scimmie, dove animali selvaggi in città desolate facevano la loro porca figura, qui lo si ricerca ma non riesce. Però le scenografie sono belle (immagino di pixel e blue screen anche quelle, ma almeno le città deserte non hanno gli occhi e il problema di doversi muovere), il cane simpatico, alcune scene notevoli, e poi, non so se lo sapete, ma si parla straordinariamente poco. Appurato che il film non è noioso e che vedere schiacciare zombie da un’auto in corsa è sempre una scena efficace, questi film racchiudono qualcosa di tremendo. Dico questi perché Io Sono Leggenda, Iron Man, Io Robot, sono sicuro anche Hulk, pur non avendolo visto, e poi un paio di eccetera eccetera non sono semplicemente prodotti commerciali, non sono necessariamente brutti, sono inquietantemente vuoti. Ognuno di questi film è solamente lo spot di se stesso, non nasce da nessuna esigenza, è mediocremente perfetto, in modo da non mettere in imbarazzo il successivo; ognuno è il sequel e il prequel dell’altro, in una studiata mancanza di anima. E' una sensazione di vacuità, ma non è la stessa leggerezza dei blockbuster di qualche anno fa, c’è una vena più forte di corporazione e di calcolo aritmetico. Piccolo Grande Uomo: 4/5 Alice's Restaurant: 2,5/5 Io Sono Leggenda: 3/5

Pubblicato da iosif | Commenti (6)

Tags: cinema, commedia, drammatico, western, fantastico

My Beautiful Girl, Mari (Lee Song-kang 2002)

2008-07-01T13:08:10+02:00

My Beautiful Girl, Mari è un film d’animazione coreano, probabilmente il primo cartone coreano che abbia visto. Imparo che l’animazione in Corea, trascurata per decenni, cerca di rinascere con opere di qualità e dal notevole sforzo produttivo, di cui questo lungometraggio (ma poi neanche tanto lungo, 80 minuti) è l’apripista. Banalmente inedito in Italia, ha ricevuto varie candidature e riconoscimenti, tra cui la vittoria al festival di Annecy. È un film maledettamente triste. E bello, molto molto bello. C’è una quantità di cinema in My Beautiful Girl Mari, quello pensato, che si mostra, che ti avvolge, che ti fa credere che la tristezza sia una cosa dolorosa ma esteticamente bella, dotata di una sua specifica purezza. Un bambino, rimasto orfano di padre, trova rifugio nel mondo contenuto in una biglia, legata al vecchio faro della sua città. Il mondo è colorato e pieno di nuvole e strani alberi, ma vuoto e silenzioso, anzi abitato da una musica che evoca il silenzio; espressione di un’interiorità ancora viva e luminosa, ma in cerca di una guida, di una soluzione ad una sensazione di perdita incolmabile. Il film rappresenta perfettamente la mancanza. Si riesce ad entrare nello sguardo del ragazzino animato, e, con un certo sgomento, si ritrova lo stesso sguardo nel suo personaggio adulto. Tecnicamente si assiste ad una commistione, perfettamente realizzata, di disegno classico, di computer grafica, e anche dell’utilizzo del rotoscope, specialmente sulle figure umane, esprimendo al tempo stesso realismo nei movimenti e nelle espressioni e stilizzazione nei tratti e nei colori dati dai giochi fra ombra e luce. Oltre alle incursioni nel mondo magico a cui accede il protagonista, altrettanta meraviglia si ritrova nel passaggio poetico e invisibile da un elemento all’altro, tanto nelle descrizioni fantastiche quanto in quelle reali: dall’aria all’acqua, dall’acqua alle nuvole, dalla terra al cielo, attraverso un accostamento e un progressivo fluire di ogni immagine dentro l’altra. Un’opera particolare, intensa e malinconica di cui è bene non anticipare altro. (4,5/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (23)

Tags: cinema, animazione, altrocinema, fantastico, estremoriente

E Venne il Giorno - meno parchi, più parcheggi (M. Night Shyamalan 2008)

2008-06-24T14:13:20+02:00

Un po’ come sparare su un’anatra morta, prendersela con questo Shyamalan che parla di piante allergiche agli uomini. Gli errori di E Venne il Giorno sono così evidenti che si può scegliere di ignorarli, ma non affermare che non ci siano. Il primo a dover essere bastonato è lo Shyamalan sceneggiatore, più di quello regista. Lo sceneggiatore è spinto da una furia autodistruttiva così violenta che l’unica cosa a lasciare più inorriditi è l’evidente mancanza di consapevolezza nel farsi del male. Che sia una forma di metascrittura? La realizzazione di un suicidio testuale prodotto in stato di incoscienza, parallelamente ai suicidi di cui s’intesse il film? In realtà gran parte degli strafalcioni di Shyamalan sono al livello di un brutto tema di scuola media: la terribile costruzione di tutto il conflitto amoroso fra i protagonisti, frasi come quella donna mi sembra l’esorcista, e dammi qualche percentuale, ok 62, il profondissimo indovinello sul cent raddoppiato ogni giorno per un mese, ma soprattutto, dal punto di vista della costruzione narrativa, perché è dal primo minuto che sai che la tossina è d’origine naturale, perché ti sei scambiato sguardi torvi con glicini e banani, perché hai appena detto ad una tizia al telefono di stare lontana dagli alberi, e immediatamente dopo suggerisci di andarsene per fratte? Un’idea per il soggetto il regista indiano ce l’ha sempre. Sai quando vuoi fare qualcosa con la videocamerina e dici “però ci vorrebbe una buona idea, una cosa intrigante, alla base del corto c’è l’idea”, lui quell’idea ce l’ha, ma è da Il Sesto Senso che non riesce a renderla interessante né internamente coerente per la durata di un film. Shyamalan tratta grandi temi come la paura dell’alterità, la violenza contro la natura e noi stessi, la dipendenza dalle immagini e dall’immaginario di massa, in maniera del tutto superficiale e terribilmente supponente, nell’attesa e nella personale sicurezza (perché lui in sé ci crede) che saranno gli altri a fare il suo lavoro, sovrainterpretando. Nonostante questo, e qui giustifico il voto che sto per dare, E Venne il Giorno dura solo un’ora e mezza, è meno irritante di Lady in the Water e Signs e la scena nella casa della sig.ra Jones non è male, nella sua classicità horror. Un’ultima cosa, la rintronata Zooey Deschanel la si può ascoltare in un disco con M. Ward, a nome She and Him. Lei canta con una vocina un po’ acuta che non si regge per un intero cd, ma preso a piccole dosi l’album è inferiore ad uno di Ward, ma decisamente migliore di un film di Shyamalan. (2/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (26)

Tags: cinema, drammatico, fantastico

Vexille (Fumihiko Sori 2007), The Girl who Leapt Through Time (Mamoru Hosada 2006)

2008-06-19T13:48:18+02:00

Un po’ di cartoni. Vexille è un’opera completamente in 3d, a naso la si assocerebbe ad Appleseed, e in effetti i riferimenti e le scelte estetiche sono simili. Vexille potrebbe essere il seguito di Appleseed, se quest’ultimo avesse avuto un finale differente (parentesi spoiler su Appleseed: nel film di Aramaki il ragionamento della superintelligenza artificiale che decide di sostituire gradualmente gli esseri umani, dopo millenni di fattacci, con delle copie artificiali più pacate, mi aveva convinto in pieno). Anche qui esoscheletri e atmosfere apocalittiche, ma con una trama più lineare e coinvolgente. Vexille è sostanzialmente un film d’azione, di quelli fatti bene; fra l’latro sufficientemente nichilista da risultare interessante. Gli esseri umani in 3d non sono ancora un granché, ma se li si considera dei simulacri e non dei tentativi di copia dell’essere umano sono più che accettabili. Le ricostruzioni d’ambiente e d'oggetti, invece, sono davvero notevoli e accurate, perfette nei giochi di luce, nei riflessi sulle armature (in particolare il metallo sembra davvero metallo, pesante) e come sempre nei cartoni giappo piene di riferimenti realistici e dettagli affascinanti. Vexille, insomma, è un prodotto di intrattenimento ben fatto e non stupido, l’unico motivo che mi viene in mente per non portarlo nelle sale è un embargo verso qualcosa che non sia abbastanza disney-pixar e non sia legato alle giuste case di produzione e distribuzione. Diverso per genere e tecniche di realizzazione The Girl who Leapt Through Time. Come suggerisce velatamente il titolo, si tratta di una ragazza che salta nel tempo. La cosa si fa più intimista, quindi i protagonisti sono in un più classico ed espressivo 2d. Numerosi sono gli inserti in computer grafica, e in generale la resa visiva è comunque ottima e interessante, concentrata su paesaggi urbani, sospensioni con frinire di cicale, tracce di luce sull’acqua, a scandire la storia fatta di amori giovanili e paradossi temporali. A proposito di film con paradossi temporali, questi si reggono sempre sull’”effetto farfalla”, per cui da variazioni minime di comportamento discende uno svolgersi degli eventi radicalmente differente, diffondendosi fra l’altro ad un ambito ben più vasto rispetto quello da cui la variazione è partita. Tutto è concatenato, bene. Ma non è semplicemente così: in tutti i film l’effetto farfalla porta inevitabilmente ad un peggioramento esponenziale della situazione. Cioè tutti questi film contengono l’assunto che noi viviamo nel migliore dei mondi possibili: prova a prendere l’ombrello invece che bagnarti e ci sono ottime probabilità che il mondo sia fottuto. A causa tua. Perché ti sei lamentato invece di infradiciarti e basta. Da La Vita è Meravigliosa (diverso ma simile) a Ritorno al Futuro, da Butterfly Effect ai cartoni giapponesi, cercare di migliorare la propria situazione è una cosa che porta solo rogne, ognuno ha quel che si merita. Gli unici a fare eccezione sono Topolino e Pippo, che con la macchina del tempo di Zapotek si pongono all’origine di praticamente ogni opera d’arte dell’ingegno umano. Dopo questa dovuta, dotta digressione (da quant'è che non sentivate Zapotek, dite la verità?), torno a The Girl who Leapt, che è ben scritto, divertente quando vuole essere divertente, triste quando vuole essere triste, con una cura per le immagini all’altezza del cinema d’autore. Cosa che in occidente ancora non si fa: si preferisce fare cartoni che siano in una zona liminale, fra bambini e adulti, in modo da non far ridere troppo i bambini al cinema e non far sentire troppo stupidi gli adulti che vanno a vedere le favole. Che poi a me vedere le favole piace un sacco, ma qui la logica di mercato è spietata ed esclusiva. Per finire con Hosada, molto bella una scena di simulazione della macchina da presa, dove la protagonista in primo piano corre ad inseguire l’inquadratura, che tende ad essere più veloce di lei e quindi a presentare il campo vuoto. Solo il finale, o non l’ho capito o è buttato un po’ lì. Ok, ho finito. Vexille: 3,5/5 The Girl who Leapt Through Time: 3,5/5 ma anche un po' di più.

Pubblicato da iosif | Commenti (11)

Tags: cinema, fantascienza, animazione, fantastico, estremoriente, sentimentale

Tropa de Elite - Gli Squadroni della Morte (José Padilha 2007)

2008-06-17T14:40:59+02:00

Dopo Hamburger un altro film brasiliano, decisamente peggiore. Per chiarirmi cosa penso del film faccio il percorso al contrario: parto dalla reazione finale. Fondamentalmente noia. La noia che spesso mi viene dal guardare film d’azione mediocri, monolitici, privi d’ironia e irrimediabilmente ingabbiati nei propri schemi. Tropa è quindi un film d’azione. Privo d’ironia perché non vuole proporsi solo in quanto tale, ma pretende d’essere spaccato sociale. Da qui, credo, il premio a Berlino, che sembra stargli molto molto largo nel suo essere frutto di una svista, o più verosimilmente di una riuscita operazione di marketing, avendo l'opera di Padilha una lista di produttori e finanziatori lunga quasi cinque minuti . Continuo a credere che non sia il tema a fare il film, ma il tono. Tropa de Elite ha una voce fuori campo dal timbro profondo e dai contenuti incerti e spesso contraddittori (“a chi non è un iniziato il Bope può dare l’idea di una setta, ma per noi è esattamente questo”, ad esempio, è una frase priva di significato), durante la narrazione vengono spesso rovesciati i rapporti di causa ed effetto, a dimostrazione che più che un film che non si schiera si tratta di un film cui manca una tesi. Le scene d’azione sono per lo più notturne, con i colori delle luci artificiali tremolanti per l’effetto della camera a mano che fa molto dinamismo. Incoerenza, inquadrature sbilenche, sensazionalismo, voce narrante impostata, non vorrei dirlo ma Tropa a momenti somiglia a Lucignolo, se non fosse che Lucignolo è assai più greve di qualsiasi altra cosa. (2/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (4)

Tags: cinema, drammatico

L'Anno in cui i Miei Genitori Andarono in Vacanza (Cao Hamburger 2006), Getting Home (Zhang Yang 2008)

2008-06-16T13:59:03+02:00

Nel Brasile del ’70 genitori comunisti fuggono dalla dittatura militare lasciando il figlio al nonno. Il gradimento del film di Cao Hamburger (e notate con quale padronanza e autocontrollo evito qualsiasi battuta sul nome del regista) dipende molto da quel che si ha voglia di vedere. I film più o meno toccanti con ragazzini difficilmente ho voglia di vederli, e nonostante questo sia costumato non offre molto di più della presa connaturata al soggetto. La portata storica è demandata alla scelta del contesto, che aggiunge una drammaticità altrimenti assente. Se si esclude questo, si parla per buona parte di esperienze bambinesche senza saper fare a meno di ammiccamenti tipo musichette che fanno ciribiribì bon bon ed innocenti sbirciate iniziatrici nei camerini. Insomma, un film pulito, con tristezze probabilmente sentite ma proposte in modo piuttosto meccanico, in molte parti pericolosamente in odore di carino. Bene, se mi fossi ricordato che Zhang Yang è il tipo de La Guerra dei Fiori Rossi, mi sarei risparmiato la visione questo Getting Home. Non c’entra niente col film di Hamburger, però c’entra. Anche qui dell’agrodolce, ma il film di mr. Cao al confronto è un capolavoro. A raccontare storie con lo sfondo (anche questo automaticamente drammatico) delle Tre Gole c’era riuscito molto meglio Jia Zhang-ke con Still Life. Nella mini recensione del biografilm si parla di Weekend con il Morto alla cinese; credevo fosse solo un modo per dare un riferimento conosciuto, e invece è un richiamo drammaticamente azzeccato. Almeno Weekend è solo una fesseria, e fa anche un po’ ridere, qui invece c’è tutta ‘sta pretesa di fare riflessioni profonde con tono leggero, ma non gli riesce bene nessuna delle due cose. Qualche paesaggio di default, che si vede che hai studiato cinema e forse anche fotografia, e stai in Cina e i paesaggi ad effetto non ti mancano, ma nel migliore dei casi hai fatto un paio di cartoline. (oddio, adesso che la vedo, bastava far caso alla locandina...) L'Anno in cui i Miei Genitori Andarono in Vacanza: 3/5 Getting Home: 2/5

Pubblicato da iosif | Commenti (10)

Tags: cinema, commedia, drammatico, estremoriente