SlowFilm

La Battaglia dei Tre Regni (John Woo 2009)

iosif — Wed, 04 Nov 2009 10:30:00 +0100

Il film è tratto dal Romanzo dei Tre Regni, scritto nel XIV secolo, che racconta la guerra del III secolo fra il regno di Wei del nord e l’alleanza fra Wu e Shu, potenze del sud coalizzatesi per fronteggiare il progetto d’unificazione della Cina sotto un unico imperatore.

In una scena di Mezzogiorno e mezzo di Fuoco Mongo, dopo aver parcheggiato il suo bue in sosta vietata, stende con un pugno il cavallo di un tizio che gli contesta la manovra. Solo ne La Battaglia dei Tre Regni ho visto una cosa simile, quando un soldato grosso e brutto, durante il primo scontro fra l’esercito del Nord e quelli del Sud, esce di corsa dalle fila del suo schieramento e abbatte un altro cavallo con una spallata. L’ho trovato estremamente divertente. Tutta la scena in cui si vede una formazione bellica a testuggine che funziona come un meccanismo perfetto, una macelleria di lance, spade e rampini nascosta in un labirinto umano, è piuttosto divertente. In realtà il film non vuole mai esserlo, divertente, ma sicuramente è cosciente nel caricare fino all’assurdo le lunghe e complesse scene d’azione. A fare da contorno alle stesse, però, le più trite raffigurazioni di laconica saggezza cinese e una manciata di personaggi scontornati attraverso aneddoti più o meno edificanti, a seconda del ruolo. E arrivati all’ultima, grossa parte del film, interamente occupata dalla battaglia di Red Cliff, non è facile sentirsi ancora tanto divertiti, né particolarmente motivati.

Red Cliff riporta la magniloquenza melodrammatica di John Woo, stavolta particolarmente patinata, senza accostarsi, come pure avevo sperato, alla fisicità e alla polvere di Tsui Hark. Il paradosso è nella sensazione d’aver visto un kolossal che vuole cibarsi d’epica, che alla fine lascia il ricordo poco significante di un film piccolo.

(3/5)

"Grande è la confusione sotto il cielo. La situazione è eccellente" (Mao).

Pubblicato da iosif | Commenti (5)

Tag: - estremoriente, - guerra, - storico

Nel Paese delle Creature Selvagge (Spike Jonze 2009)

iosif — Sun, 01 Nov 2009 18:51:00 +0100

Questo di Jonze è un film per l’essere umano, colto in qualsiasi momento o età della vita, messo davanti a uno schermo faccia a facciona con le proprie creature selvagge.

Il circa dodicenne Max, bambino vivace con retrogusto malinconico, come sa essere il suo film, scappa di casa, attraversa un oceano con una barchetta a vela, e approda nel Paese delle Creature Selvagge. I grossi mostri proteggono Max con la loro incredibile mole pelosa, lo osservano con enormi occhi marroni, giocano con lui, a volte lo spaventano con zanne e artigli. Sono al tempo stesso il mondo interiore e le pressioni esterne di Max, e il bambino trova in loro le proprie insicurezze e il coraggio di affrontarle, l’impulso a guardare anche fuori di sé, senza smettere di sognare.

Jonze trasmette tutto questo realizzando un’opera intensa e coinvolgente, evitandole d'essere banale o dolciastra. È un film di crescita e maturazione, di arricchimento dell’età infantile, che, d'altra parte, sa anche far ricordare e rivalutare istinti e bisogni tralasciati per conformismo ed eccesso di razionalità, segnando una mancanza nella vita adulta. Spike Jonze e il cosceneggiatore Dave Eggers recuperano fin nei dettagli la particolarissima iconografia del libro per bambini di Maurice Sendak (Where the Wild Things Are, poco meno di mezza pagina di testo e le illustrazioni che creano un mondo), ne rispettano lo spirito riuscendo ad ampliarlo fino a renderlo una storia di certo più articolata, ma semplice e significativa, calda come una capanna e misteriosa come la foresta che la ospita. È un viaggio interiore profondamente fisico e reale, dove il gioco, anche violento, porta allo scontro e alla conoscenza degli altri, dove ad ogni mostro viene regalata una personalità e una funzione definita, rendendoli innocenti ma non innocui.

È un film che vale soprattutto nella sua totalità, che leviga gli accenti caratteristici delle fiabe per andare più sotto pelle, per creare immagini e sensazioni. In una luce quasi sempre crepuscolare, una luce calda che si amalgama ai colori della terra, dei tronchi d’albero e del deserto, si stagliano all’orizzonte le assurde siluette delle Creature, ingombranti maschere che trovano la loro espressività nella computer grafica che anima perfettamente i loro volti. A soli 39 anni, dopo essersi confrontato con script celebri quanto contorti, Spike Jonze ha trovato in una sceneggiatura più semplice e lineare l’occasione per mostrare il suo lavoro migliore.

(4/5)

I don't wanna be a good boy scout / I don't wanna have to learn to count / I don't wanna have the biggest amount / I don't wanna grow up (T. Waits).

Pubblicato da iosif | Commenti (12)

Tag: cinema, jonze spike, - fantastico

Tulpan - la ragazza che non c'era (Sergei Dvortsevoy 2008)

iosif — Sat, 31 Oct 2009 23:49:00 +0100

Tulpan racconta la vita dei pastori kazaki, padroni e prigionieri del deserto, mentre cercano moglie (la sfuggente Tulpan, che non ama le orecchie a sventola del protagonista e aspirante marito), affrontano un’inattesa mortalità delle pecore, intonano con voce acuta canti tradizionali, sognano il mare. Tutto è ruvido, nel deserto kazako, la sabbia mossa dal vento in improvvisi mulinelli, che va a insinuarsi nel vello delle pecore, che sicuramente darà maglioni kazaki a loro volta maledettamente ruvidi. L’erba della steppa è sbiadita e pungente, le balle di fieno polverose, e quel che c’è da mangiare è inevitabilmente formaggio di pecora. Non è precisamente un film kazako, Tulpan, quanto piuttosto un film kazako per i festival internazionali, e possibilmente per il mercato estero. Dove può piacere, questa storia senza guizzi che si interroga sbrigativamente sull’opportunità di restare nella steppa o cercare fortuna in città, e si dilunga sui dettagli di una pecora che sgrava, e un agnello a cui va fatta la respirazione bocca a bocca. La scena più forte del film è, per molti, un evento solito e naturale, mentre il regista, bravo a mostrare la sua terra, i suoi colori e le sue piccole vicende, sa che per noi non è così.

(3,5/5)

"Sono Comacchiese di Comacchio""Mangerai le anguille, quindi""Praticamente tutti i giorni" (A. Pazienza).

Pubblicato da iosif | Commenti (8)

Tag: cinema, - altrocinema, - commedia, - documentario, - drammatico, dvortsevoy sergei

Serialmente

iosif — Fri, 30 Oct 2009 17:14:00 +0100

Si dice ormai da tempo che le serie televisive siano spesso più curate dei film da cinema. È sicuramente vero che i nuovi telefilm hanno più pretese: sono ancora grossi meccanismi d’intrattenimento, ma ognuno cerca uno stile specifico, molti rincorrono scene registicamente originali, alcuni si impegnano in sceneggiature complesse con radicali cambi di registro e sforzi inventivi autentici.

Prima di scrivere quelle due parole sulle serie attualmente in masticazione, un paio di anime già digeriti, che mi sono piaciuti anche parecchio.

Ergo Proxy, Shukō Murase 2006, è un’anime di fantascienza in 23 episodi. È una di quelle cose complicate a base di cyborg che discettano sulla propria coscienza, memorie che spariscono, immortalità dubbie, regimi teocratici, amori e apocalissi. In alcuni temi ricorda Last Exile, anche se ha un andamento più cupo e un animo più speculativo. Molte delle puntate di Ergo Proxy hanno origine onirica, il che permette di giocare sulla confusione dei piani e sul riferimento a generi diversi, a seconda del personaggio e dalle circostanze da cui nascono i sogni. Ci sono episodi più strettamente sci-fi, altri che s’ispirano all’horror classico, o al minimalismo paranoico, alle fiabe, al mondo televisivo, ecc. Denso di rimandi interni ed esterni, non sempre tutto è chiaro; ne raccomandano almeno una seconda visione, ma neanche si può stare sei mesi a vedere solo Ergo Proxy, saltando avanti e indietro per le puntate. Comunque, dove si perde qualche passaggio si può lavorare di fantasia o far finta di niente, l’esperienza vale comunque la pena. (4/5)

Paranoia Agent è la serie di Satoshi Kon del 2004, in 13 agili puntate. Anche questa una storia abbastanza inquietante e contorta, dove s’indaga, in un mondo sempre meno reale, su un ragazzo sui rollerblade che colpisce con una mazza da baseball le persone disperate e depresse. Detta così, sembra un po’ una cazzata. Invece, come sappiamo, Kon ci sa fare, ed il suo scopo principale è la rappresentazione dell’alienazione del cittadino medio di Tokyo (e del cittadino consumista in generale), l’avvicinarsi a personaggi diversamente esasperati o dediti ad efferatezze. Non mancano alcune puntate deboli, che all’interno di una serie così breve si sarebbero potute evitare, e anche la soluzione finale è forse discutibile, nel cercare una logica e una concretezza che mette in discussione l’assurdità ricercata fino a quel momento, ma nel complesso è un lavoro particolare ed efficace. (3,5/5)

Andiamo alle serie vere e proprie, quelle che impazzano nel nostro occidente bisognoso di svago. Quasi tutte nuove di pacca.

Bored to Death è una cosa che in teoria dovrebbe piacermi parecchio. Ha un tono un po’ freddo, un andamento un po’ snob, e parla di Jason Schwartzman che fa lo scrittore o il detective con uguale mancanza di consapevolezza. E nel terzo episodio c’è un reiterato cameo di Jarmusch, che interpreta se stesso. Questo episodio lo conservo, e vedere Jim è sempre bello, però il tutto è molto meno interessante di quanto dovrebbe. Forse troppo meta meta. Forse Schwartzman a vederselo sempre davanti che fa il Woody Allen, stanca. Forse questo telefilm ispira troppi forse. (2,5/5)

Mad Men. L’inizio della terza serie è folgorante. Molto sottile, molto psicologica. Adesso sta tornando un po’ indietro. (3,5/5)

Alla Fine Arriva Mamma. So che esiste da parecchio, io lo vedo adesso. Pubblicizzato come il nuovo Friends, l’accostamento ci sta tutto. Una puntata ottima più o meno ogni cinque non malaccio, e la struttura di base è così fissa che non riesco a immaginare come possano proporla per cinque stagioni. Forse semplicemente ricorrendo alla mancanza di scrupoli. Comunque, sono quelle cose autoconclusive anni ’90, con battute umane e divertenti, che se cerchi qualcosa di leggero è di certo la formula migliore. (3,5/5)

Stessa strada battuta da Accidentally on Purpose, con Jenna Elfman critica cinematografica (ma non è che questo dettaglio sia molto sfruttato) ingravidata da un tizio più giovane. Il lavoro migliore lo fanno i personaggi secondari. (3/5)

Glee. Sul coro di un liceo americano. Tanti personaggi, molti ben fatti, si segue molto la storia, che non teme la riproposizione di cliché, si sorride, la qualità della puntata dipende principalmente da quella delle performance interne di canto e ballo. (3,5/5)

Big Bang Theory. La vita di due nerd ossessionati dalle risate finte che scoppiano automaticamente ogni quattro secondi. (2/5)

Flash Forward. Pubblicizzato come il telefilm che impedirà il suicidio agli orfani di Lost, andando così in aperto conflitto con le più avvedute teorie darwiniste. Tutto il mondo sviene per 2 minuti e diciassette secondi, con inevitabili catastrofi annesse (aerei che si schiantano, uova pensate alla coque che passano irrimediabilmente a sode, e cose così), e durante il black out ciascuno ha la propria esperienza di quel che starà facendo sei mesi dopo, per quei due minuti e rotti. In realtà, se l’Uomo si vedesse in una determinata porzione di futuro e poi dovesse aspettare l’arrivo della stessa, tre quarti della popolazione mondiale avrebbe dovuto scoprirsi a fare ciao mamma, molti a guardarsi nervosamente le punte delle scarpe aspettando che il momento finisca, un nutrito gruppo per l’occasione si farebbe trovare vestito da Neo di Matrix per fare il figo. Paradossi a parte, anche se il meccanismo non è ancora chiaro, Flash Forward sembra meno ingessato di quanto facesse temere. (3,5/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (25)

Tag: - fantascienza, - altro, - animazione, - azione, - comico, - commedia, - drammatico, - estremoriente, - fantastico, - musical, - serie

Tokyo! (Michel Gondry, Leos Carax, Bong Joon-ho 2008)

iosif — Thu, 29 Oct 2009 19:47:36 +0100

Il tema dei tre mediometraggi che costituiscono Tokyo! È il rapporto dell’individuo col mondo, e in particolare con gli altri esseri umani. In tre registri differenti fra loro quanto lo sono i tre autori, si mette in scena il momento massimo di tensione del protagonista, costretto a fare i conti con le proprie debolezze (qui piuttosto patologiche) e a cambiare il proprio modo di relazionarsi con l’esterno. Il primo episodio è di Gondry. Io non amo Gondry, trovo che il suo sia cinema intellettualistico che diffonde la sua ragionata fantasia attraverso un meccanismo ricattatorio: ma guarda che matto che sono, guarda che tinte pastello e che sogni fanciulleschi; se non ti piaccio solo perché il mio immaginario è futilmente cerebrale e quando voglio far ridere non ci riesco, il tuo cuore è arido come una zolla di deserto. Interior Design si inserisce bene nell’atmosfera nipponica, segue la vita squattrinata di un aspirante regista (non male il suo film nel film, con visione tossica) e della sua compagna, per poi lasciarsi andare all’immaginario di cui sopra, aprendo ad una metamorfosi gondryana che indaga i compromessi che la ragazza è disposta a sopportare per sentirsi utile e accettata. Una sterzata violenta, che avrebbe meritato un'idea meno gongolante.

Leos Carax con Merde! firma l’episodio più volutamente sgradevole, forse il più riuscito. Inventa un sociopatico partorito dalle fogne che semina panico e distruzione per le vie di Tokyo. Merde è anche il nome con cui l’uomo si fa vezzosamente chiamare, e il suo distacco disumano è accentuato da particolari disgustosi (unghie lunghe e ricurve, occhi lattiginosi) e dall’uso di una lingua verbale e gestuale non più gradevole o raffinata. L’apporto di Carax al progetto è assurdo e disturbante fin dal principio, supportato da scelte visive e narrative piuttosto radicali, ed è l’unico del trittico che di certo non cerca la poesia.

Shaking Tokyo, ultimo segmento ad opera di Bong Joon-ho, segue le vicende di un hikikomori. Si tratta di persone che si rinchiudono in casa, di solito per dedicarsi completamente alla loro vita virtuale, costruita in rete o sui videogame. Il protagonista di Shaking Tokyo è più radicale, non cerca alcun contatto con l’esterno, neanche mediato, e la sua occupazione principale sta nella percezione dello scorrere del tempo. Su questo tema, non manca qualche bel dettaglio ossessivo: spostamenti minimi degli oggetti e della luce del sole, le settimane scandite da ordinate pile di cartoni per la pizza, altro. Anche per l’hikikomori arriva il momento dell’azione, la fine delle certezze e il cambiamento. Più minimale, geometrica e sospesa, la prova coreana è quella che gioca su solitudini più solite e immagini più familiarmente alienate, ed ha quindi gioco facile nel venire incontro alle aspettative.

La media lunghezza si conferma un formato difficile da gestire. Nel trittico, tutti gli episodi riescono a costruire idee ed immagini singolarmente interessanti, ma presentano anche una certa enfasi (ciascuno la sua) e un’indulgenza verso le proprie formule espressive, come se ogni autore si fosse preoccupato prima di tutto di rendersi marchio riconoscibile.

(3/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (9)

Tag: cinema, gondry michel, - altrocinema, - drammatico, - estremoriente, - fantastico, bong joon ho, carax leos

Parnassus - l'uomo che voleva ingannare il diavolo (Terry Gilliam 2009)

iosif — Mon, 26 Oct 2009 12:29:00 +0100

Credo sia impossibile trovare della logica o una regola dietro la carriera artistica del troppo umano Terry Gilliam, evidentemente guidata dagli eventi, prima di tutto, e poi dagli umori, dall’ispirazione e dal caso. C’è chi prova a limitare l'influenza di questi fattori, mentre il cinema dell’ex Python è sempre una sorpresa dadaista, sempre giocato sulla confusione estetica e narrativa, e dalla confusione può emergere qualcosa di appena piacevole, oppure delle opere particolari e memorabili, significative forse al di là delle proprie intenzioni. The Imaginarium of Doctor Parnassus, lo dico con dolore, non rientra in questo secondo gruppo. È un film che aderisce perfettamente alle scelte caotiche del regista, dove si ritrovano atmosfere e immagini che richiamano I Banditi del Tempo, nel vagare cencioso dei personaggi, il Re Pescatore, nell’inserimento all’interno del contesto contemporaneo di eroi e idee favolistici e antichi, Il Barone di Münchausen, nel dare spazio a scene apertamente irreali, fino alle prime animazioni coi Monty Python, per le quali è stato probabilmente coniato il termine “grottesco”. A questa varietà d’impostazione ed ispirazione, si aggiungono importanti inserti in una computer grafica fantasiosa e colorata quanto poco curata, troppo grossolana per riuscire a diventare cifra stilistica.

Parnassus ha in sé i temi ed i nomi necessari ad ottimo film, richiamando ancora il fascino e l’ambiguità della narrazione, legato a quello della dannazione; un po’ quello che il regista era riuscito a fare con Tideland, in modo più semplice ed efficace. L’imaginarium si svela più del solito, ma non affascina, perché cerca di nascondere dietro lo stupore e l'eccentricità le debolezze di una storia scritta senza troppa ispirazione, frammentata in una miriade di eventi e di ruoli che non trovano il raccordo con le scene precedenti e non lo assicurano alle successive. È quindi impossibile, per gli interpreti, dare corpo a dei personaggi che possano esprimere quella forza, anche semplice e immediata, di cui le favole hanno bisogno. Più memorabili e convincenti sono i due attori meno attori di tutti, che possono portare in scena direttamente loro stessi: Tom Waits, che non può evitare di essere le sue storie e le sue canzoni, grazie alle quali può vestire i panni di un diavolo quanto quelli di un angelo, e Lily Cole, brava nella recitazione e affascinate in un modo inquieto, per la particolarità del viso e della figura.

(3/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (12)

Tag: cinema, gilliam terry, - commedia, - drammatico, - fantastico

Béla Tarr: Dannazione (Damnation/Kárhozat, 1987), L'Uomo di Londra (The Man from London/A Londoni Férfi, 2007)

iosif — Thu, 22 Oct 2009 21:07:00 +0200

Dopo una manciata di film più o meno introvabili, dove Tarr si avvicina ai volti dei suoi attori, ancora a colori e ancora umani, con la camera a mano, Damnation è la prima teorizzazione del cinema fotografico e universale, fatto di dettagli e pianisequenza, che caratterizzerà le sue produzioni future.

Kárhozat è l'elaborazione del regista ungherese delle atmosfere noir, ancora sospese fra la costruzione dei personaggi e l’apertura ai luoghi e agli oggetti. Nel raccontare quella che da un certo punto di vista è una storia d’amore decaduta, che non riesce a trovare in sé alcuna giustificazione o bellezza, il regista ha ancora bisogno di costruire un luogo che si chiami Titanik Bar, sceglie di mostrare, nella parte centrale del suo film, un rapporto sessuale svuotato fino al ridicolo, chiude col protagonista che ringhia ad un cane randagio. Ancora, lascia che siano lunghi dialoghi a sottolineare e spiegare la povertà del mondo fin lì rappresentato. Nei film successivi Bela Tarr sentirà molto meno il bisogno di spiegarsi, ed avrà sviluppato il suo personalissimo modo di costringere il mondo a parlare per i suoi personaggi, di dar forma all’oppressione naturale del suo vuoto rumoroso.

Se Kárhozat, come in parte anche Satantango , si propone come successione di quadri ed eventi autonomi, L’Uomo di Londra, forte delle sue radici nel romanzo breve di Simenon (storia di omicidi e di una valigia piena di soldi), è l’opera narrativamente più classica e strutturalmente consequenziale di Bela Tarr. Ciò non esclude che il processo sia ormai compiuto, e che l’immagine sia di per sé significativa. Anzi, l’obbligo che ha il mondo di mostrare costantemente la sua essenza, il suo dolore, influisce a tal punto sui personaggi da impedire loro quella discesa che si può leggere nel romanzo, costringendoli e uniformandoli fin dall'inizio alla loro realtà. Se, da una parte, questo segna una distanza dall’intreccio originale, che presenta uomini e donne ai quali è ancora concessa una sofferenza interiore e persino una bellezza esteriore, dall’altra il film riesce in questo modo a cogliere le intenzioni profonde del romanzo, che pure preferisce guardare dall’alto la storia che racconta, rendendola una frazione rappresentativa di tutto ciò che la contiene.

Tarr, assieme al solito cosceneggiatore László Krasznahorkai, estende ai personaggi de L’Uomo di Londra l’attesa passiva che già si trovava in Satantango e Le Armonie di Werckmeister. Nel fare questo, accentua la funzione dell’ispettore (interpretato da István Lénárt, un attore notevole), lo invecchia e gli conferisce quel ruolo cruciale che era stato, nei film precedenti, di Irimias e del Principe. Pur non condividendo la loro aura magica, l’ispettore ha un talento quasi ipnotico e il potere di decidere del destino del protagonista. Tutti gli altri attori sono, fin dalle prime inquadrature, sconfitti, invecchiati, anonimi, inevitabilmente brutti (persino Tilda Swinton), soffocati da una sconfitta che li priva di emozioni.

A formare ed ospitare la storia, gli sguardi e le mani grosse e rugose, le luci, la nebbia ed il buio di Tarr, in una dimensione più definita e concreta, ma sempre freddi e perfetti.

Dannazione: 3,5/5

L'Uomo di Londra: 4/5

Pubblicato da iosif | Commenti (5)

Tag: cinema, - altrocinema, - drammatico, tarr bela

X-Men le Origini: Wolverine (Gavin Hood 2009)

iosif — Wed, 21 Oct 2009 12:22:00 +0200

Ho visto questo film per un motivo sicuramente valido: mi mancava nell’elenco un titolo che iniziasse per “X”. Credevo sarebbe stato più abbordabile di X-files, ma devo dire che anche Wolverine di certo non è una passeggiata di salute. Nonostante non tratti il mio genere preferito, avevo un preconcetto positivo verso la Marvel. Sbagliato, perché mi è poi bastata una veloce ricerca per ricordarmi che una cosa come Elektra è solo del 2005 e Punisher addirittura del 2008; il che lascia intendere come, parallelamente a cose più curate come Spider/Iron Man, ci sia tutto un settore dedicato allo sviluppo di roba molto brutta e approssimativa. Anche il regista, Gavin Hood, sudafricano, s’è fatto conoscere con Il Suo Nome è Tsotsi, e allora è sbagliato anche formarsi preconcetti positivi verso l’Uomo.

Poco da dire sul film, se non che inizia con la lettera giusta, perché per il resto è scritto senza voglia, girato senza voglia, persino i truccatori c’avevano un po’ le palle in mano. Il tutto, ha ovviamente portato a un ottimo successo di pubblico. A, c’è una scena bella quando…no, non c’è, è proprio un film triste.

(2/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (15)

Tag: cinema, - fantascienza, - azione, - fantastico, hood gavin

Up (Pete Docter, Bob Peterson 2009)

iosif — Sun, 18 Oct 2009 20:00:00 +0200

Io il film l’ho visto così,

seduto all’ultimo posto a destra della seconda fila. Ma è bello anche da lì.

Ad aprire l’appuntamento annuale con la Pixar, c’è uno dei loro migliori cortometraggi, Partly Cloudy, dove una cicogna impiegata nello smistamento di cuccioli e bambini, soffre della sua specializzazione nei nascituri delle bestie più infami, come squali, coccodrilli e simili. Tratto e storia tondeggianti e classici, è una cosa piccola e molto divertente, veloce, fulminante.

Vado al sodo, all’inevitabile quanto matura comparazione di Up col prodotto immediatamente precedente della casa madre, Wall-E (passati i sette anni, l’uomo sente il bisogno di incasellare le proprie esperienze in una progressione storica: fuori dalla serie non c’è salvezza). Wall-E è più bello; ma è anche la migliore opera occidentale d’animazione per il grande pubblico, probabilmente. Up non è altrettanto epocale, ma neanche ti fa pensare che alla Pixar abbiano voluto rilassarsi. Nel confronto coi generi, la fantascienza, per quella che è la sua storia, lascia forse più possibilità a digressioni e sottotesti, rispetto all'avventura.

Anche qui, nell’incipit c’è davvero tanto cinema, col crescere e l’invecchiare di Ellie e Carl, gli anni che passano scanditi dallo scorrere delle cravatte, come ne Il Cielo Può Attendere. Quindi il cuore del film, l’anziano Carl che intraprende il suo viaggio avventuroso col paffuto Giovane Esploratore Russell. Un viaggio avventuroso che ha come protagonisti un bambino ciccione e un vecchio con la faccia di Spencer Tracy, che non a caso non ha mai interpretato Allan Quatermain; come scrivevo, credo sia anche da queste scelte che si distinguano i film che mirano alto da quelli che giocano per il pareggio.
Quella centrale è la parte più fantasiosa e divertente, con la presentazione dei personaggi, l’interpretazione delle leggi fisiche, le interazioni generazionali. L’ultima parte è, per forza di cose, più immersa nella dinamica pura, ed è un’azione comunque ben costruita, per quanto mi sembrino un po’ forzati alcuni accostamenti a Miyazaki. Pur avendo in comune molto volo spericolato, Russell e Carl non condividono l’aerea leggerezza dei personaggi del maestro giapponese: più che abbandonarsi alle evoluzioni e agli elementi, le vicende di Up continuano a soffrire una certa gravità.

Pete Docter (soggettista di Wall-E, che condivide molto con Up nella costruzione del tempo e delle vicende) e Bob Peterson confermano le doti d’equilibrismo della Pixar, regalando ancora spessore ad un’opera narrativa e piena d’azione, dando vita a personaggi originali, capaci di esperienze e riflessioni semplici e affascinanti.
Un consiglio: lasciate stare il 3D. Poco sfruttato, serve solo a perdere in definizione e luminosità.

(4/5)

Pubblicato da iosif | Commenti (23)

Tag: - animazione, - azione, - fantastico, docter pete, peterson bob

The Fall (Tarsem Singh 2006), The Piano Tuner of Earthquakes (Brothers Quay 2005)

iosif — Fri, 16 Oct 2009 20:02:00 +0200

Due film che si aprono con la presentazione di grossi nomi, David Fincher e Spike Jonze per The Fall, Terry Gilliam produttore esecutivo ne L’Accordatore di Terremoti. Due film che avrebbero probabilmente bisogno di studio e attenzione, ma che in qualche modo mi respingono, forse anche per dei colori definiti e digitali che indicheranno anche uno stile, abbatteranno anche i costi, ma somigliano troppo a quelli dell’ultrapiatto mondo in rete.

Tarsem Singh sparì dopo il poco apprezzato The Cell, che pure qualcosa di buono ce l’aveva, non ultima una versione palpitante del cavallo affettato da Hirst. Ma c’era Jennifer Lopez, e tendenzialmente chi va a vedere Jennifer Lopez non ha voglia di vedere cavalli affettati, e viceversa. Non è un amante del cinema sobrio, Singh, ma qui trova una sceneggiatura più adeguata alle sue stravaganze estetiche, fatte di contaminazioni culturali, geografiche e temporali. Come The Cell, The Fall porta i suoi protagonisti prima in luoghi reali e poi fantastici, e le due dimensioni si completano e influenzano a vicenda. In un ospedale un ragazzo, rimasto paralizzato, racconta la sua storia e i suoi sentimentiad una bambina sdentata e grassoccia (in queste scelte una differenza sostanziale fra il cinema che ha aspirazioni artistiche e quello che ha Dakota Fanning), utilizzando personaggi fiabeschi che assecondano, impotenti, il destino costruito dal loro narratore. The Fall è un film di personaggi immobilizzati e predestinati, perduti e intrappolati su isole e deserti, dove le illusioni ottiche accompagnano quelle narrative e le invenzioni visive cercano il surrealismo e l’iperbole. Di fronte alla cura nella ricerca di luoghi e spazi, sono ancora più inaspettati alcuni personaggi e certe scene d’azione che sembrano un po’ meccanici ed impacciati.

Più radicale nell’ermetismo e simbolismo della fiaba, The Piano Tuner of Earthquakes, film che si perde nella sua presunzione d’artisticità. Innegabile, anche qui, il fascino di molte immagini, ed è notevole la suggestione delle animazioni a passo uno dei fratelli Quay. In una storia d’amore e morte ispirata a L'Invenzione di Morel, tutto sembra svolgersi in una palla di vetro, una gabbia che imprigiona personaggi rassegnati, dove i toni scuri e le immagini ricercate hanno il compito di esteriorizzare le pulsioni e le paure dei protagonisti. Film accurato e ambizioso, troppo spesso non riesce a dare tensione e interesse alle sue invenzioni visive.

The Fall: 3,5/5

The Piano Tuner of Earthquakes: 3/5

Pubblicato da iosif | Commenti (4)

Tag: cinema, - altrocinema, - animazione, - azione, - drammatico, - fantastico, - sentimentale, singh tarsem, quay timothy, quay stephen